Jueves, 23 Marzo, 2017
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Alejandro Clavijo

Alejandro Clavijo
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Existe otro estilo musical. Fundador de ReviewsNewAge.com, editor de noticias y discos. Escribir se ha convertido en un segundo y placentero trabajo.

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El intérprete y compositor francés actuará en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio ante 6.000 personas.

Jean-Michel Jarre ofrecerá un concierto en el exterior del Monasterio de Santo Toribio de Liébana en 2017

Edición: Reviews New Age

Las entradas para ver a Jean-Michel Jarre en el concierto inaugural del Año Jubilar Lebaniego salen a la venta este lunes, 20 de marzo, a partir de las 10 de la mañana.

Los canales de venta oficiales son la web del evento www.jarreinliebana.com y la Red Ticketmaster (www.ticketmaster.com), que incluye Carrefour Viajes, Fnac, Halcón Viajes y el teléfono de pago 902 150 025.

Además, a partir del martes, 21 de marzo, entrará en servicio el ‘Punto de venta físico de entrada reservadas exclusivas’ del Centro de Estudios Lebaniego, en Potes. Allí se pondrán a disposición de las personas interesadas 750 localidades. El horario de atención al público será de 10 a 14 y de 16 a 18 horas.

Seis mil personas podrán seguir en vivo el espectáculo ‘The Connection Concert’ que se celebrará el 29 de abril en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio de Liébana, en Potes. La actuación, que será retransmitida en directo vía streaming a todo el mundo, forma parte de las actividades programadas por el Gobierno de Cantabria para conmemorar el Año Santo.

El ‘padre de la música electrónica’ integrará su música con el Monasterio en un espectáculo de luz y sonido con el que quiere marcar “un hito” en la historia de este lugar santo. No ha adelantado muchos detalles sobre la música que interpretará, pero sí ha asegurado que “habrá sorpresas” y contenido específico creado para esa actuación.

Se recomienda comprar entradas solo en los canales de venta oficial para evitar así posible falsificaciones o problemas de acceso al concierto.

TODA LA INFORMACIÓN

La web oficial www.jarreinliebana.com incluye toda la información relacionada con el concierto, la compra de entradas, el servicio de autobuses y lanzaderas que funcionará el día del concierto, así como otras recomendaciones importantes relacionadas con el espectáculo.

Otro canal de promoción e información son los perfiles sociales del evento en Facebook y Twitter (@jarreinliebana). Además, está activo un servicio de información a través de correo electrónico para quienes faciliten sus datos en la página oficial, de cara a comunicar cualquier novedad sobre el evento.

Por otro lado, se instalará en Potes un ‘Punto de Información al Peregrino y Taquilla’ para facilitar toda la información necesaria relacionada con el espectáculo, compra de entradas, servicios especiales, así como las restricciones de acceso al Monasterio de Santo Toribio.

‘THE CONNECTION CONCERT’

El espectáculo de Jean-Michel Jarre, que comenzará a las 21:30 horas, se celebrará la semana siguiente a la apertura, el 23 de abril, de la Puerta del Perdón del Monasterio, símbolo que marca el inicio de la celebración del Año Jubilar, que se prolongará hasta el 22 abril de 2018.

“Santo Toribio es especial para los cántabros, para los europeos y para todos los ciudadanos del mundo. Es un lugar espiritual, al nivel de Santiago, Roma o Jerusalén. Es Historia y, como tal, nos pertenece a nosotros, a nuestra cultura y debemos promocionar este lugar para el mundo y para la generaciones venideras, especialmente en un momento como éste en el que vivimos ante tantos retos políticos. Es un importante legado”, ha asegurado Jarre.

Jean-Michel Jarre reconoce que es “un honor” como artista, como francés, como europeo y como embajador de la Unesco protagonizar un concierto en este lugar santo de la Cristiandad, y formar parte de su historia.

‘The Connection Concert’ se iniciará con un juego de luz y color proyectado sobre el templo lebaniego antes del concierto, y tras el concierto, seguirá habiendo retazos musicales y visuales. Una metáfora de que “Santo Toribio estaba ahí antes y seguirá estando después”, tal y como ha señalado el artista galo.

Fuente: Europapress

Dream Cycle, la expresión artística de un hombre que quiere contribuir a la gente dándoles un nuevo acceso al descanso y al sueño.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle

El dos veces ganador del Premio Emmy® y reconocido compositor y arreglista Michael Whalen presenta su nuevo trabajo, Dream Cycle, un viaje al mundo del bienestar usando sus propias experiencias con el aprendizaje sobre el sueño y la pérdida de peso.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle  Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle  Meses de creación de casi un millar de sonidos, texturas, bucles electrónicos y muestreos salidos de una gran variedad de fuentes e instrumentos, Whalen afirma: “Mucha de la música del álbum es muy melódica, así que quería enfocarme en crear entornos sonoros alrededor de esas melodías“, dice. “Es un proceso muy diferente a componer melodías; La creación de sonidos como estos es como saltar en un recipiente de pintura y salpicar alrededor para ver qué surge. Pero yo no trataba de crear simples“, añade. “En la creación de los mismos me preguntaba, ¿es emocional?, ¿Es hermoso?. Me inspiraron los sonidos tradicionales que la gente ha asociado con el sueño durante siglos: cajas de música y percusión metálica (campanas)“.

Trabajando en su estudio en Brooklyn con diversos sintetizadores antiguos y equipos de última generación, Whalen moldeó sus sonidos y conceptos para Dream Cycle. “Mi estudio es un pequeño espacio eficiente. Usando mi colección de instrumentos, puedo hacer más y mucho más rápido que en los años 90 cuando tuve 40 sintetizadores (incluyendo un Fairlight CMI y un Synclavier System)“.

Whalen decidió incluir pistas vocales en Dream Cycle, aunque tenían que ser voces muy particulares. Buscando en Google encontró a la cantante Amy Robbins-Wilson. “Amy vive en Maine, donde se especializa en cantar canciones de cuna a capella“, dice Whalen. “La llamé y ella entró en un estudio para grabar “Hush (Hush, Little Baby)”. Cuando me envió la grabación, construí toda la pista alrededor de su voz, lo cual es absolutamente hermoso. ¡No podría haber ido mejor, aunque todavía no nos conocemos!“.

Otros invitados incluyen a la célebre artista celta Liz Madden en un tratamiento hipnótico de “Little Star (Twinkle)”, con tintes electrónicos y sprinkles. Kathy Fisher, de Los Ángeles, hizo una re-imaginación vocal del éxito de los años 80 “Sweet Dreams”. Y The New Tarot, un nuevo y maravilloso dúo de Brooklyn, que realiza una excepcional versión de “Dream” de The Cranberries.

Escuchar el CD Dream Cycle de Michael Whalen es una excelente manera de crear el estado de ánimo para evadirse y relajarse antes de dormir.

El noveno álbum de la “Primera Dama de la Música Celta” disponible el 24 de Febrero. Su primer álbum en solitario en 10 años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan

Moya Brennan, reconocida como la cantante principal de Clannad y a menudo llamada la ‘Primera Dama de la Música Celta‘, publicará el próximo 24 de Febrero CANVAS. En los últimos años, Moya Brennan ha pasado mucho tiempo con el resurgimiento de su banda familiar, Clannad y también trabajando estrechamente con el virtuoso del arpa, Cormac De Barra, en su colaboración de Voices & Harps.

Después de haber dicho adiós a su padre Leo que falleció el pasado mes de junio y después de haber soportado la trágica muerte de su compañero en Clannad (y tío) Padraig Duggan en agosto, la cantante está dispuesta a dejar la tristeza atrás y regresar con un renovado espíritu y entusiasmo publicando el que será su primer trabajo en solitario tras diez años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan  CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan  CANVAS, el noveno trabajo de Moya Brennan, marca un regreso a su estilo celta contemporáneo, combinando su sello distintivo, armonías vocales atmosféricas con nuevos ritmos e instrumentación. Pero lo que hará que este nuevo álbum sea tan diferente es que, por primera vez, Moya está trabajando en el estudio con su familia. Su hija Aisling como ingeniero de sonido, productora y cantante-compositora, y su hijo Paul, que ha aplicado sus habilidades electrónicas a CANVAS con un resultado emocionante.

El título del álbum proviene del redescubrimiento de Moya por su amor a la pintura (La propia cantante pintó el diseño del CD). Moya presentará el álbum en la primavera de 2017 (Alemania, Holanda, Polonia, Reino Unido).

Ganadora del Grammy, Moya Brennan ha pisado la mayoría de los Grandes escenarios del mundo y ha colaborado con incontables y grandes artistas, incluyendo a Bono, The Chieftains, Bruce Hornsby y Robert Plant. Entre sus créditos cinematográficos está su colaboración (y co-escritura del tema principal) con Hans Zimmer en El Rey Arturo.

Track Listing:

River of Songs
A Portrait of my Life
Nuair a Bhí Óg
Going Home
Children of War (Disponible ya en iTunes)
Where We Once Met
Do’n Pháiste Óg
You Never Know
The Duel
Where You Belong
Banríon

CANVAS, publicado por BEO Records (sello de la familia Brennan) y distribución por A-Train Entertainment, ya puede ser reservado en iTunes y Amazon.

La quinta entrega de Satélite Oldfield ya está disponible.

Satélite Oldfield V: Return to Samaka, el disco benéfico de fans de Mike Oldfield

A finales de 2006 nació en la web Mike-Oldfield.es un proyecto musical llamado Satélite Oldfield, una recopilación de temas originales compuestos por miembros habituales del foro de la web, en su gran mayoría inspirados en la música del inglés Mike Oldfield. La experiencia se repitió en tres ocasiones más, la última de las cuales en 2010, Satélite Oldfield IV: Samaka, consistió en crear una gran suite dividida en dos partes, compuesta e interpretada también por varios miembros del foro de Mike-Oldfield.es, dedicada a un desaparecido compañero.

Cuando se cumplían 10 años de aquella primera experiencia y coincidiendo con el inminente lanzamiento de Return to Ommadawn, surge la creación de la que sería la quinta entrega e ir más allá. Satélite Oldfield V: Return to Samaka sería un disco benéfico cuyos beneficios irían destinados a la ONG Matumaini de ayuda a niños y niñas en situación de calle o riesgo de exclusión social en Karatu (Tanzania). Además, el disco incluye 2 temas interpretados por niños y niñas asistidos por la ONG Mwema Children (y otros 2 en el EP adicional).

Tras una coordinación en tiempo récord por parte de la organización del proyecto y con la colaboración de más de 15 artistas admiradores de Mike Oldfield, Satélite Oldfield V: Return to Samaka se hizo realidad el pasado 3 de febrero con el pre-order de la ediciones en CD y digital.

Desde la plataforma Bandcamp se puede adquirir el CD en edición digifile limitada incluye 14 temas + Bonus EP digital con otras 6 canciones. También disponible en formato digital. La recaudación de las ventas se destinará íntegramente a la ONG Matumaini.

Los Satélite Oldfield se han caracterizado por aunar un eclecticismo musical que tiene el influjo de Mike Oldfield como hilo conductor: desde el folk y el progresivo, al ambient, new age y electrónica, en una cautivadora fusión de estilos.

Entre los músicos que participan en el proyecto, encontramos a: Guitar Tune, Adrián Gómez, Agustín Saminon, Eybec, Miguel Engel, Marcos Tauroni, TSODE, Suzuka, Rob Valentine, Feisar, Roberto García, Marcos Goitia, Dani Mena, Marcos, Joni y Alberto, Jaime Parada y Álvaro Núñez.

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Lena Natalia - Sundays in Paris

Sundays in Paris
Lena Natalia
2015
33.2 minutos

Sundays in Paris es el álbum debut de la pianista americana, que durante años estuvo afincada en la Ciudad de Las Luces, Lena Natalia. Nostálgico trabajo comprendido por doce breves cortes de contundentes notas y diferentes matices que arrastran al oyente hacia solitarios y coloridos barrios de Paris. Fuerte apego el de Natalia por su dejada ciudad.

Sunday in Paris nace con “Le Jardin”. Pieza que se centra en los coloridos detalles de un inmenso jardín repleto de vida, radiante de energía. Las manos de Lena mantienen la tensión durante unos segundos, hasta que su diestra comienza a recorrer la zona baja del piano con intensidad. En algunos instantes es desgarradora.

“Sundays in Paris” es de esas melodías sencillas con un toque de originalidad que se aferran con fuerza en el subconsciente para repetirse una y otra vez. En forma de waltz, Lena nos regala una pieza rápida y de melodía pegadiza.

Más suave que las dos composiciones anteriores surge “Brio”. Jugando prácticamente con los silencios y con el toque sutil en las notas altas, “Brio” es un track muy melódico, muy cercano a los pianos escuchados en Whisperings. ¡Me gusta!.

Fría y lenta aparece “Snowfall”. Con un repiqueteo dócil de notas interpretadas por la mano derecha Lena nos invita a soñar, a descansar. Es imposible no imaginar la situación, la caída de las primeras nieves en una fría tarde, disfrutar con la danza de los copos de nieve al caer vistos tras la ventana en una cálida habitación…

Más brillante, radiante, brota “Fences”. Por primera vez, las notas más altas del piano tienen protagonismo, y eso se siente. Rápida y arrojadiza es la composición, brindando coraje y tensión al oyente.

Toque clásico y alegre para “Carrousel”. Nuevamente la pianista acude al baile de notas y a la rapidez su mano derecha para ofrecernos un tema breve e intenso.

Como excepción, aparece “Rainy Afternoon”. Tema suave, melancólico y con una composición mucho más exquisita que las disfrutadas anteriormente. “Rainy Afternoon” es amable y delicada en los momentos justos y goza de una melodía encantadora.

“Facade” es tenebrosa, seria, en ocasiones dolorida. “Facade” insiste en los acordes contundentes y fríos, así como en las notas repetitivas y lúgubres.

Melancólica pero entrañable es “Family Album”. Notas arropadoras y un tempo más afectivo invitan al oyente a rememorar bellos instantes. Primaveral composición.

Arriesgada y en ocasiones sin sentido surge “Tabelau”. De fluir vertiginoso, la composición es una muestra de golpes y rápidos movimientos de acordes y notas. Se hace apresurada y desconcertante.

Más sincera y seria que las dos anteriores, “Passages” es una hermosura. Más madura y sentimental, la composición es capaz de llegar a lo más hondo del oyente consiguiendo en algunos fragmentos estremecerlo de emoción. Así sí.

Más cercana a una canción de cuna surge para cerrar el álbum “Three Little Bears”. Nuevamente afectuosa y moviéndose en la zona más alta del piano, “Three Little Bears” cierra con un final dulce y tierno Sundays in Paris.

Sundays in Paris es el primer álbum de la pianista Lena Natalia, un trabajo que goza de algunas melodías pegadizas, quizás faltas de maduración en composición y producción, pero no obstante, poseedoras de una hermosa conjunción de notas y acordes. Quizás se echa de menos el juego con el silencio pero no de ja de ser una buen trabajo.

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reviewsnewage.com
19/02/17

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Lynn Yew Evers - Elysian

Elysian
Lynn Yew Evers
2015
53.2 minutos

Tercer álbum de la pianista y compositora Lynn Yew Evers, quién nuevamente se pone a manos del productor y guitarrista Will Ackerman para dar forma a un piano ambiental y melódico, diferente a lo que nos ofrecía la pianista en sus dos trabajos anteriores. Acompañada por un gran elenco de artistas, Elysian va tomando forma en trece composiciones de corte romántico.

Elysian comienza con fuerza. “As The Train Leaves” sugiere una música nostálgica pero también con un toque de ternura, especialmente con el sonido del viento de Jill Haley. Es innegable apreciar la formación clásica de la pianista, pues la unión del piano y el cuerno inglés acaricia ligeramente el género clásico.

“Remembering Love” es un dulce lamento de la pianista, quién recuerda con apego la amistad de un viejo amigo que falleció en 2014. La música, que a pesar de tener una dura historia detrás, se presenta con algo de brillo. Para nada es triste, pues muestra a golpe de acordes los mejores momentos vividos.

Nuevamente, Jill Halley y Lynn Yew Evers juntas. Conservando el estado original del álbum, Lynn regresa a los acordes románticos y amables que visten de color a Elysian. “Kindred Spirit” es de esos temas lentos y hermosos que inspiran y llenan de luz el momento… ¡Genial!.

Rozando de nuevo el género clásico y con elegancia aparece “Shrouded Hope”. En esta ocasión se complica la producción uniéndose chelo, flauta (gran protagonista Wouter Kellerman), bajo y el piano de Lynn. “Shrouded Hope” es dulce, imposible no dibujar una sonrisa tras el paso de su bellísima melodía.

Por primera vez surge una de las voces más identificativas de las producciones de Ackerman. La profunda Noah Wilding acude a la llamada de “Finding You”, cuyas notas casan perfectamente con el saxo del gran Premik Russell, formando un complejo diseño junto al piano y como consecuencia, una de las composiciones más hermosas y complejas de Elysian. ¡Brutal!.

“Dream Chaser” nace con amabilidad, con mucha delicadeza, siendo el primer solo de piano de la compositora en Elysian. Lynn juega con el sentimiento en las teclas, con el silencio y con el tempo, creando un sinfín de gratas sensaciones, de bienestar en el oyente. “Dream Chaser” es paz.

“Blue Bird Day” se denomina al día claro y brillante tras una noche oscura y nevada. La calidez que desprende “Blue Bird Day” es asombrosa y todo gracias al sonido del piano, pero especialmente al viento de Jordan Buetow y a la fuerza que transmite el chelo de Eugene. Sublime.

Aparece otro solo de piano. “Crosswalk To Maplehurst” continúa con el estado dulce y levemente nostálgico del álbum, pero en esta ocasión con tintes más agridulces, más sentidos… “Crosswalk To Maplehurst” irradia sensibilidad.

“Enchanted Stroll” posee una melodía más trabajada, o al menos, es de esas que se hace difícil de olvidar. La acertada unión de notas y elementos la hace muy atractiva, especialmente la producción; muy trabajada y donde todos los instrumentos tienen su momento.

Primaveral es el sentimiento que difunde “Urban Trekking”. Piano, bajo y saxo son suficientes para, a pesar de ser un tempo calmado, ofrecer al oyente una gratísima sensación de afecto y harmonía. “Urban Trekking” es una banda sonora perfecta mientras se disfruta de la naturaleza.

“Beautiful” para el final de ese fluir lento y amable, donde la música pasa de ser romántica y atenta a ser técnicamente interesante y extraordinaria. “Beautiful” aún conserva el estilo elegante y sensible del resto de tracks.

La magistral y clásica técnica de Lynn hace aparición en “Night Owl, In A Style Of A Nocturne”, posiblemente la mejor obra de todo el álbum y donde nuevamente se unen Noah Wilding, Tom Eaton (bajo), Charlie Bisharat (violín). “Night Owl, In A Style Of A Nocturne” es la más completa y compleja composición de Elysian. Sorprendente, única.

El álbum se cierra con un Reprise del track que abría el álbum. Éste último tema es aún más atractivo e interesante que su original, pues posee un gran protagonismo la voz de Noah Wilding, así como las guitarras del propio Ackerman, que le ofrecen al tema un toque espacial, relajante, admirable.

Elysian, el tercer trabajo de la pianista y compositora Lynn Yew Evers, es el perfecto álbum ambiental, la música idónea para disfrutar de fondo en una bonita velada. Con unas composiciones de corte románticas y una producción suave y compleja al mismo tiempo, Elysian es como la seda, sensible, hermoso… Acaricia nuestros sentidos. Altamente recomendable.

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12/02/17

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John Burke - Orogen

Orogen
John Burke
2016
53.4 minutos

La positividad, la idea del “todo es posible”, la alegría, la humildad y el trabajo duro siempre dan sus frutos tarde o temprano. Así ha ocurrido con el lanzamiento del sexto, y ya muy premiado álbum del pianista de Atlanta, John Burke. Alcanzando las primeras posiciones como uno de los mejores álbumes de solo piano, Orogen se caracteriza no sólo por disfrutar de un perfil radiante y pasional. Exhibe maestría y virtuosismo, y todo este conjunto le ha llevado a alcanzar uno de los más altos honores; la nominación al Premio GRAMMY, compartiendo nominación junto a Enya o Vangelis, entre otros.

Orogen comienza con fuerza, con coraje, un estilo que marcará el carácter del álbum de principio a fin. “Arise” es sobrecogedora, emocionante, con una melodía adictiva y atractiva. Las manos de Burke recorren el teclado entonando una música muy pegadiza. “Arise” deja ver la sorprendente técnica del pianista.

Con un discreto comienzo “Spring Tides” se luce romántica y alegre. Reservándose ligeramente en su destreza, Burke nos regala en esta ocasión una música cálida y sensible… Emotiva.

Con tintes que levemente recuerdan a extractos del gran George Winston, uno de los grandes referentes de John Burke, “The Traveler” asemeja su tempo al paso del tren, apreciando tras sus notas los vivos colores de admirables escenarios naturales; lugares donde nace la inspiración. “The Traveler” es intensa y estimulante… Perfecta.

Ritmo y nuevamente, maestría. Surge con intensidad “Autumn Blaze” y aunque carece de una melodía sugestiva, esto carece de importancia, ya que lo verdaderamente atractivo de la composición es imaginar las manos de John Burke recorrer las octavas del piano con rapidez, estilo y una técnica indescriptible. ¡Brutal!.

“Batholith” es la antítesis en su comienzo, ofreciendo una introducción íntima y diferente al resto de composiciones; pero esto es sólo el principio. Burke juega con los estilos, uniendo con sutileza un toque de jazz con la intensidad de una apasionada música gobernada por fuertes acordes y un ritmo arrojador.

“Riverswept” se presenta arrolladora, pero inmensamente delicada al mismo tiempo. Continuando con la intimidad del pianista, “Riverswept” es la música para una felicidad contenida; esa sensación de querer estallar de alegría y contenerse, convirtiéndose esta sensación en algo muy emotivo.

Divertida y original es “Foot Traffic”. Jugando con maestría con las notas más bajas del piano, John combina con arte negras y blancas para ofrecernos una música intrépida y al mismo tiempo, insólita y realmente interesante.

El toque romántico y delicado lo pone “Windflower”. Parece improvisado, como si la propio inspiración dejase fluir el enlace entre las notas… Es un deleite cerrar los ojos y disfrutar con su dulce melodía.

Regresando al ímpetu de los acordes nace “Earth Breaker”. Enlazando fragmentos que describen lamentos con otros más enérgicos y colmados de rabia, Burke interpreta, siempre mostrando un nivel técnico asombroso, uno de los temas más impresionantes y complejos de Orogen; John juega con los silencios y con todas las posibilidades que ofrece el instrumento… ¡Magistral!.

Orogen finaliza con “Orogen”. Ésta última composición es más melódica que el resto de composiciones, describiendo además un final hermosísimo y colorido. “Orogen” desprende alegría, dejando un grato sabor al oyente tras el disfrute de un grandísimo álbum de solo piano.

La evolución artística de John Burke ha sido imparable, meteórica. Con sólo seis álbumes, el pianista no sólo ha cosechado incontables seguidores, innumerables en poco tiempo, también ha visto reconocido su trabajo por parte de la crítica quien se ha dejado seducir por el buen carácter del pianista, su forma de interpretar, sus composiciones y por supuesto, su técnica. Todo esto ha llamado la atención de todos los seguidores de la música, incluidos los miembros de Los Premios Grammy, que han sabido reconocer de lo bueno, lo mejor, otorgándole la nominación a Mejor Álbum New Age este año. Orogen es un álbum altamente recomendable, imperdible para los amantes del piano, imperdible para cualquier amante de la música. ¡Chapeau, Amigo Burke!.

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30/01/17

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El mundo de la música despide hoy al productor y crítico musical Michael Diamond.

Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age

Steven Halpern y Michael Diamond en La Celebración de Nominados de los Premios GRAMMY. (San Francisco, 2013)

Tras un comunicado publicado en Facebook por fuentes cercanas a la familia del productor y músico. El también renombrado crítico musical Michael Diamond falleció a las 4:00am (EEUU) a los 60 años víctima de una complicación en la operación tras sufrir un fuerte infarto el pasado 16 de diciembre.

Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  En sus más de 30 años en la industria musical, Michael Diamond ha sido voz y consejo para una gran lista de renombrados músicos y artistas vinculados a la New Age, siendo músico invitado incluso en algunas de las producciones de los artistas que revisaba.

Perteneciente a The Recording Academy y miembro de The GRAMMY’S, Diamond ha sido uno de los críticos musicales más respetados del género New Age, escribiendo reseñas para magazines publicados a nivel nacional en Estados Unidos, y más tarde, publicaba en 2011 su propio blog de críticas MUSIC & MEDIA FOCUS, donde compartía reviews y entrevistas que incluían a músicos como Ravi Shankar, Carlos Santana, Jon Anderson del grupo de rock Yes, Blackmore’s Night con Richie Blackmore de Deep Purple, el fundador de Windham Hill, Will Ackerman, Suzanne Ciani, David Arkenstone, Kitaro, Constance Demby, entre otros.

Como músico, Michael Diamond tocaba la guitarra desde finales de los 60, introduciéndose años más tarde en los sintetizadores. Cubriendo diversos estilos como el rock, el blues, el funk o el reggae. Diamond participó en varias producciones como guitarrista, especialmente con los llamados padres de la música New Age. En su larga lista se incluyen colaboraciones con: Pete Sears, Michael Manring, Jimmy Hobson, Jai Josefs, Steven Halpern, Constance Demby, Jefferson Starship, Iasos, Barbara Borden, Gabe Schillinger, Ken Jenkins, entre otros.

Michael Diamond publicó 5 álbumes en solitario y produjo más de una treintena de proyectos para otros artistas.

Vídeo creador por Michael Diamond (sintetizadores y guitarras) para el álbum Ambient Alchemy, lanzado junto a Steven Halpern (teclados) y Michael Manring (bajo).

Mike Oldfield vuelve a sus raíces en “Return To Ommadawn”.

Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero

Mike Oldfield ha anunciado un nuevo álbum: en tan sólo doce meses, el multi-instrumentista ha creado Return to Ommadawn. Consta de dos partes instrumentales de 20 minutos, donde el músico y compositor británico nos deja impresionados una vez más por su gran talento: los 22 instrumentos acústicos registrados en el álbum tienen el sello del propio Mike Oldfield.

“Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo” – Mike Oldfield

Volver a las raíces: Mike Oldfield en “Return To Ommadawn”.

¿Qué queréis de mí?“, Preguntó el músico en su cuenta de Facebook; y algo tan breve y simple amasó innumerables comentarios de los seguidores de Oldfield. La respuesta fue clara: debía ser el retorno a sus raíces, la mezcla de sus instrumentos e historias más personales. “La música era espontánea y llena de vida. Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo.” Incluso la mística portada del álbum representa la búsqueda y el hallazgo.

Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  40 minutos en el cielo: Mike Oldfield toca dos piezas instrumentales.

Return to Ommadawn constará de dos partes de 20 minutos cada una, donde se podrá disfrutar de 22 instrumentos, tocados todos por Oldfield, como él mismo indica: “Soy el único músico que se puede escuchar en el álbum“. El próximo 20 de enero será el lanzamiento oficial de Return to Ommadawn. Hasta entonces, el álbum puede ser reservado, en Amazon y iTunes, entre otros.

Lista de canciones “Return to Ommadawn”

  1. Return to Ommadawn – Parte 1
  2. Return to Ommadawn – Parte 2

 

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Kathryn Kaye - There Was a Time

There Was a Time
Kathryn Kaye
2015
47.2 minutos

Cuando todo va bien, o mal, es inevitable recordar momentos o personas que de alguna forma u otra nos marcaron. La nostalgia está hecha de instantes, aromas, lugares y música, y sobre esta última descansa There Was a Time, el último trabajo de la pianista y compositora Kathryn Kaye, que nuevamente se pone a las órdenes del productor Will Ackerman y su equipo de artistas.

“Saro Remembered”, el tema que abre el álbum, es una bellísima introducción y adaptación realizada por Kathry Kaye del tema popular “Pretty Saro”. “Saro Remembered” marcará el sentimiento melancólico del CD, pero siempre ofreciendo al oyente su lado más dulce y cálido. Una melodía fascinante endulzada por el chelo de Eugene Friesen y el cuerno inglés de Jill Haley.

Continuamos con “Arise”, otra adaptación sobre unas notas que la pianista recordaba de su niñez. Una música agridulce, donde en esta ocasión la nostalgia se viste de ligeramente de tintes grisáceos, pero en absoluto doloridos.

El dúo formado por el piano de Kaye y el chelo de Friesen da vida a “There Was a Time”, el tema principal del CD. Como sacado de un cuento de hadas, una canción de cuna, el piano nace en la zona más alta del piano con un toque cálido e inocente, hasta que surgen las cuerdas de Friesen que le aporta profundidad y emoción al tema. “There Was a Time” es La intimidad de los recuerdos hecha música.

Con tan sólo ver la palabra “Spring” incluida en el título, ya podemos hacernos una idea del carácter de la composición. “Spring Snow” es una de las piezas más complejas en cuanto a producción del álbum, incluyendo no sólo el piano de la artista, se suman chelo, cuerno inglés, bajo y cuerno francés. Todos unidos nos ofrecen un tema lleno de vida, sin ritmo, pero riquísimo en melodía y musicalidad.

El primer solo de piano de Kaye, “Wind in the Aspen Grove”, hace un guiño al género clásico y con fuerza. Como un baile y reproduciendo una pegadiza y bellísima melodía, Kathryn Kaye da muestras de su maestría frente a las teclas del piano. Sin duda, una de mis preferidas.

Ésta sí es apagada y desconsolada. “Shadow of a Bird in Flight” es un recuerdo a las composiciones de Will Ackerman pero con predominio del piano en vez de la guitarra, que también tiene su momento por el propio Ackerman. “Shadow of a Bird in Flight” es de esas composiciones que invitan a cerrar los ojos y disfrutar con cada surgir de instrumento.

Un solo de Jill Haley hace la presentación de “Revival”. Con ternura y elegancia aparece un solo de piano gobernado por silencios, pausas y mimo, siendo uno de los tracks más entrañables de todo el álbum.

Como una dulce canción de cuna y al paso de un sutil baile, las notas de “Learning To Waltz With Clouds” brotan con elegancia. “Learning To Waltz With Clouds” une al piano de Kaye con los vientos de Hely y Gus Sebring, lo que le ofrece a la melodía un cuerpo complejo y atractivo.

Más apagadas y serias son las dos últimas piezas. “Bittersweet Goodbye” lo dice todo con sólo leer su título. “Bittersweet Goodbye” es levemente apenada, pero dejando un resquicio a la esperanza, a la posibilidad de un pronto reencuentro. ¡Bella!.

There Was a Time se cierra con “Darkning Skies”, la pieza más oscura de todo el álbum, donde un oscuro piano imita el paso del tiempo con pavor, mientras el chelo de Friesen le aporta más sentimiento de pánico al tema con su recóndito sonido de fondo. Minimalista y escalofriante en partes iguales.

Siempre hay instantes en los que por casualidad tras descifrar una melodía, sentir una brisa o inhalar un aroma llegan como por arte de magia momentos vividos; algunos entrañables, otros menos, pero ahí están, esperando a ser recordados. There Was a Time, el nuevo trabajo de la pianista Kathryn Kaye, recoge todos esos instantes inmortalizados en la mente con una banda sonora perfecta para cada uno de ellos. Una banda sonora hermosa y compleja, perfecta. ¡Grande Kathryn Kaye!.

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21/12/16

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Te descubrimos 5 álbumes imprescindibles del pianista David Nevue.

Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue

David Nevue presentó el pasado año su último trabajo, Winding Down, álbum que le llevó seis semanas de composición y grabación y donde predominan los tonos apagados y las notas reflexivas. Continuando con éste carácter e incluyendo algunos temas clásicos como The Gift, Sweet Dreams & Starlight, From Dream to Dream, Walking in Shadow, The Vigil o Winter Twilight te dejamos un listado con los cinco mejores álbumes del pianista David Nevue para descubrir sus mejores melodías.

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Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue
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¡Te lo ponemos fácil!. Disfruta de Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue en Deezer y con esta playlist donde podéis encontrar algunos de sus clásicos. ¡Abre los cinco sentidos y descubre a Nevue!.

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Starr Parodi - The Heart of Frida

The Heart of Frida
Starr Parodi
2016
58.5 minutos

Homenajeada la vida y obra de la pintora y fotógrafa surrealista Frida Kahlo. La pianista y compositora Starr Parodi presenta su último trabajo donde se deja llevar por la inspiración en un instrumento de época, un viejo Steinway B de 1928, para interpretar meticulosas y apagadas improvisaciones que dejan correr el tiempo hacia atrás, marcándole al oyente cada uno de los infortunios de la célebre pintora mejicana. The Heart of Frida se compone de once cortes improvisados, incluyendo dos adaptaciones; un éxito de Prince y el archiconocido tema Nights in White Satin de The Moody Blues.

Enternecedora historia, así se presenta el álbum con “The Heart of Frida”, como una introducción a la vida de la artista mejicana. Sin diálogos, en blanco y negro… Sólo música con imágenes de su vida diaria. Una composición bellísima, delicada.

La primera adaptación musical tiene como protagonista a Prince y su tema “When Doves Cry”, el single del álbum. Contundente en sus acordes y pegadiza en la melodía, Parodi realiza una improvisación excelente sobre el tema original del álbum Purple Rain (1984). He podido escuchar una decena de veces el track. Fascinante.

Diego Rivera, enorme y obeso, Frida, pequeña y delgada; esto llevó a calificar la relación entre “The Elephant and The Dove” (El Elefante y La Paloma). Como haciéndose eco de esta historia de amor, Starr deja constancia en sus notas de un dolor enérgico debido a la tormentosa relación entre ambos artistas que consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después.

Algo de brillo se deja ver en “Rancho Hamilton”, un tema que dibuja a través de las notas buenos momentos. Historias reales, narradas por el padre de Starr, vividas en ése Rancho al que la pianista pone ahora su propia banda sonora.

A toque waltz, pero afligido, Parodi da vida a “Hardly Touching”. Continuando con el dolor y la dura historia de Frida, Starr sigue ofreciéndonos improvisaciones marcadas por las lágrimas…

“Overture of Color” es posiblemente la improvisación más soberbia de todo el álbum. Starr Parodi da rienda suelta a su imaginación y a su maestría para ofrecer un tema colmado de emociones y sobre todo, técnica. ¡Asombroso!.

Un comienzo rompedor para la última adaptación del álbum. “Nights in White Satin” de The Moody Blues tiene un hueco en The Heart of Frida, siendo esta nueva versión muy diferente a la versión original, pero única en sí misma. Starr se divierte con las teclas del piano y eso llega al oyente con fuerza.

Amabilidad y descanso tras tanto odio y dolor. Aparece “Don’t Be Discouraged”. Por primera vez, la compositora nos da un respiro y nos regala unos minutos de paz y cariño, dejando a tras lamentos y sufrimiento.

De nuevo, un toque de baile en The Heart of Frida. Nace con encanto “Sun & Life”, una delicia para disfrutar con atención cada nota, cada acorde. El género clásico surge con fuerza en algunos fragmentos… Fascinante.

Una de las piezas destacables del álbum es “The Lightness of Frida”. Más que una improvisación es una composición muy estudiada, donde las armonías, los silencios, el tempo forman un todo perfecto. Es sin lugar a dudas la pieza con más luz y encanto de todo el álbum.

The Heart of Frida se cierra con “Hope”. Un tema que deja un final muy cerrado en el álbum, donde los pensamientos, la introspección y la evasión son protagonistas. Los silencios son tan importantes como las notas en esta pieza. Sobrecogedores.

Técnica e historia se unen para ofrecer emociones al oyente, así es lo nuevo de la compositora Starr Parodi. The Heart of Frida es la retrospección que Parodi realiza de la vida de Frida Kahlo, poniendo banda sonora a cada uno de los momentos más señalados de la artista mejicana. Un repaso interesante gracias a una música aún más interesante.

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reviewsnewage.com
20/11/16

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What Child Is This?, se presenta como el segundo single de “A Hollens Family Christmas”, el primer álbum de Navidad del vocalista Peter Hollens.

Peter Hollens, vocalista sensación de Youtube, presenta su primer álbum de Navidad A Hollens Family Christmas, donde participan algunos grandísimos artistas. El segundo single del álbum tras December Song es el villancico What Child Is This?.

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La segunda parte de Sadeness, el primer single de The Fall Of A Rebel Angel.

Ya a la venta en todas las stores, The Fall Of A Rebel Angel se presentaba con la segunda parte de Sadeness, del álbum MCMXC a.D.. Ahora, y tras ocho años de espera, el nuevo trabajo de Enigma llega a lo grande, presentándose en varios formatos y alguno de auténtico lujo.

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David Roa - Seamphonik

Seamphonik
David Roa
2016
40.4 minutos

Entre la psicodelia, lo sinfónico y el ambient se mueve Seamphonik, el último lanzamiento del compositor experimental David Roa, referente español en la creación de bandas sonoras para videojuegos y reconocidos canales de televisión. En este nuevo trabajo, compuesto por trece cortes, Roa nos lleva entre perfectas fusiones de instrumentos y melodías a una delirante huida, lejos del desequilibrado mundo que nos rodea, gracias a una magistral muestra de poderío frente a los teclados.

Demente comienzo… Recordando a la era dorada del Breakbeat se presenta “Atlantik”, el tema de introducción de Seamphonik. “Atlantik” es un ejemplo de rápidos loops y sugerentes sintetizadores que se unen para dar vida a una impetuosa melodía.

“Lighthouse”, a diferencia del track anterior, conserva un loop muy electrónico pero su melodía es más seductora, brillante. Muy similar a la electrónica que realiza Lichtmond, Roa exprime los sintetizadores y nos regala unos minutos de perfecta armonía con un toque de misterio. ¡Tema destacable de Seamphonik!.

Breve, brevísima locura, así podríamos calificar a “Seascore”. Tema que mezcla sesión orquestal como fondo de acompañamiento para un piano raudo y ligeramente desequilibrado.

Dos de las grandes composiciones de Seamphonik se presentan… Como extraída de una superproducción cinematográfica, aparece “Ghostship”, donde el canto de una soprano surge entre el poderío y asombroso sonido de una gran orquesta sinfónica. “Ghostship” es trepidante, intensa, sobrenatural.

Le sigue con toque romántico una de las mejores producciones del CD. Grandiosa, bellísima, y sin lugar a dudas, es el fuerte de Roa. “Sirens” es sobrecogedora por su belleza, donde una prodigiosa orquesta sinfónica nos regala varios minutos de grandiosidad y emociones. Inevitablemente he de decir que la música de David debería tomar un giro hacia este género. ¡Alucinante!.

Regresando a la electrónica se presenta “Blueness”, un tema que tiene grandes similitudes a las producciones de Oldfield. “Blueness” es apacible, a pesar de su tempo arriesgado, es una verdadera delicia escudriñar con los sentidos cada uno de los sonidos que surgen por los auriculares. Fantástico.

Nuevamente un piano enloquecido, pero en esta ocasión en un track más entenso y mezclado con un coro de voces esplendoroso. “Aquasphere” es otra de ls producciones a destacar en Seamphonik, donde el artista une con maestría la electrónica con la fuerza de las sesiones orquestales.

La narcótica “Drowned” hace aparición. Interpretada por la cantante Naiah, el track es un continuo y sensual susurro en dos idiomas.

Nuevamente, piano y orquesta se unen. El piano sigue siendo una locura, hermoso, pero perturbado, mientras que la orquesta sigue con exquisitez las expeditas notas del piano. “Oceland” es ese tema que sirve de entrante a algo increíble…

“Thalassa”, mística, Oda a la Diosa del Mediterráneo. Por ese motivo nos encontramos ante un track sedante, de Chill Out más que perfecto, donde reinan los cánticos majestuosos y los teclados más atractivos. “Thalassa” es otra de las composiciones destacables de Seamphonik.

“Waterclock” no podía estar mejor representada; sin lugar a dudas la producción hace honor a su título. Mezclando misterio y un sinfín de originalidad, Roa nos regala otro grandísimo track que combina piano, teclados y orquesta.

“Nautilus” vuelve a combinar sintetizadores con efímeros pero poderosos coros. “Nautilis”, al igual que otros tracks de Seamphonik es lineal en la producción y la composición, siendo un calmante perfecto para el oyente.

Seamphonik se clausura con un track asombroso. “Abyssal” es otra de las grandes superproducciones del álbum, donde coros y orquesta sinfónica dan vida a una de las más grandes composiciones. Roa no ha habría podido elegir un final mejor; a lo grande, épico. ¡Majestuoso!.

La mezcla perfecta de estilos, la mezcla perfecta de emociones. Seamphonik puede entenderse como una muestra del poderío y la maestría de David Roa a la hora de componer y producir, siendo indiferente los estilos o las herramientas a la hora de crear, ya que éstas son siempre auténticas maravillas, ya sea del género electrónico como del clásico. Seamphonik es uno delos grandes álbumes de este año.

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reviewsnewage.com
06/11/16

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Brian Kelly - Butterfly Rapture

Butterfly Rapture
Brian Kelly
2015
41.5 minutos

Hacía bastante tiempo que no recibíamos un álbum de solos de piano donde el júbilo y la energía estuviesen presentes en la mayoría de las piezas. Nos llega el colorido e intenso trabajo del compositor y pianista Brian Kelly, Butterfly Rapture, formado por doce composiciones que viajan con intensidad entre la ternura y el arrojo, y todo embellecido fugazmente por fugaces toques de Maestría.

Abre Butterfly Rapture mi pieza preferida, “Piano Escapade”. Esta composición apiña romanticismo y esperanza en sus notas, siendo una de las piezas más hermosas de todo el CD. La intensidad de la melodía casa a la perfección con el nexo de las notas y acordes. ¡Fantástico comienzo!.

“Room for Sky” es sutilmente más formal y reservada. Arpegios profundos nacen de la mano izquerda, mientras la diestra recorre el teclado buscando una melodía arrolladora e impactante. Otra maravilla de Butterfly Rapture.

Regresando a la calidez musical de Kelly, se presenta “Flowers at Her Feet”. Esta pieza, junto con otras de igual duración (breve) son las que dan carácter a Butterfly Rapture por la energía y luz que irradian. “Flower at Her Feet” tiene un toque de improvisación magistral que le ofrece un toque de genialidad al track.

“Lilac Horizon” es apagada, la primera del álbum que rompe con el perfil general del mismo, pero a pesar de todo, no deja de ser un tema interesante y profundo.

Retornamos a la alegría con la que rebosan las manos de Kelly. Se presenta “Chasing a Breeze”, otra de las joyas entusiasmadas del álbum, tema que invita a imaginar el rápido movimiento de los dedos del pianista por el teclado. ¡Un deleite!.

La más breve de las composiciones es dulce y sensible, poderosa hasta el punto de dibujar una grata sonrisa en el oyente. Con un toque clásico y minimalista, “Spiral Moon” es una de las delicias que ostenta Butterfly Rapture.

“Hills in Bloom” no es tan intensa como algunas de las piezas anteriores, pero sigue conservando ése toque alegre.

Brillante introducción de “Niko’s Delight”. A golpe de baile, los acordes acompañan a unas radiantes notas que nacen en la zona alta del piano. “Niko’s Delight” nos ofrece el instante entrañable y delicado de Butterfly Rapture.

De nuevo, con el toque romántico, aparecen notas emocionantes. “Playing My Heart” juega con los silencios, con la fuerza de fugaces golpes de notas y acordes, y nos muestra el lado más tierno y sincero del amor. ¡Bellísima!.

“View from the Swing” es un juego musical, un la banda sonora de un divertimento. Levemente rápida y sí muy atractiva en su melodía, “View from the Swing” mezcla melodía y toques de jazz con una pasmosa pericia. ¡Alucinante composición!.

Un momento para la reflexión nos llega de la mano de “Winter Aura”. Un dialogo muy original entre ambas manos presenta la pieza, y continúa con un juego entre silencios y notas al más puro estilo de jazz que realmente es sorprendente. “Winter Aura” es otra de las composiciones destacables del álbum.

El cierre lo establece la pieza que da título al CD. “Butterfly Rapture” es una narración romántica hecha música. Como sacada de la banda sonora de alguna historia animada de Disney, “Butterfly Rapture” hace las delicias de los sentidos. Los cambios en los tempos, la melodía y el juego de manos son espectaculares. ¡Grande Brian!.

Maestría, matices y armonías visten el nuevo trabajo del pianista y compositor Brian Kelly, una perfecta muestra de un piano lleno de vida y emociones capaces de profundizar con fuerza en el oyente. Butterfly Rapture es uno de los mejores álbumes de solo piano del año, no cabe duda.

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17/10/16

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Robert Linton - Beyond the Clearing

Beyond the Clearing
Robert Linton
2016
52.2 minutos

Dicen que lo breve si es bueno, dos veces bueno. Es el caso de Beyond the Clearing, lo último del guitarrista fingerstyle Robert Linton, sólo nueve tracks lo componen y son realmente extraordinarios. Acompañado por instrumentistas de talla mundial como: Jeff Oster, Jill Haley, Jeff Pearce… entre otros, el músico arranca de su guitarra afectuosas polifonías que casan con acierto con el sonido de las cuerdas y los vientos que le acompañan.

“Aside the River Bend” abre el álbum con un dúo formado por el propio Linton y la violinista Sara Milonovich. Mientras el guitarrista desgarra arpegios de su guitarra acústica, la violinista realiza un magistral acompañamiento, formando ambos un tándem perfecto para dar vida a la entrañable pieza.

En esta ocasión es el piano de Heidi Breyer el instrumento que acompaña a la guitarra de Robert Linton. Más apagada que el track anterior y con un toque misterioso, “Gathering Over the Surface” exprime hasta la saciedad el arpegio en la guitarra, dando un protagonismo efímero al piano.

Nunca dejará de impresionarme el sonido de Jeff Oster o Jill Haley, son verdaderos Maestros con sus instrumentos. En “Lingering Rustle”, Jeff Oster presta el sonido de su fliscorno, un sonido profundo y grave, poderoso, que aporta mucha personalidad al track. En esta ocasión es la guitarra de Linton la que acompaña.

Mi preferida, a pesar de ser un lamento perfectamente definido entre sus notas, es “Shadowing the Hillside”, un tema que rápidamente me recordó al éxito de Mollag Band, Lemuel. Es impresionante el poder del chelo de Kitty Thompson, da igual el instrumento al que acompañe, siempre dejar boquiabierto al oyente. ¡Grandísimo tema!.

¡Dúo de guitarras!. Se presenta “A Distant Storm”, un tema que une a los guitarristas Robert Linton y Adam Miller en un apasionante radiante dialogo repleto de maestrías. “A Distant Storm” es una de esas piezas que se desea disfrutar en directo… ¡Me gusta!.

El track que da título al álbum vuelve a unir guitarra y violín. Eterno comienzo para solo de guitarra mientras el violín de Sara hace su entrada del en el ecuador del tema, aportando aún más sentimiento y dolor a la composición, otra que sin lugar a dudas, estará entre las grandes de Beyond the Clearing.

Una nueva colaboración, el cuerno inglés de Jill Haley acompaña a la apacible y sencilla guitarra de Robert Linton en el tema “Stretching Across the Horizon”. El track es como disfrutar de un largo paseo por bellos paisajes naturales, una delicia. Hay que cerrar los ojos y soñar despierto…

“Amid the Stillness” tiene todo el protagonismo la guitarra de Linton, sólo en contadas ocasiones aparece el chelo de Stephen Katz tras los arpegios del guitarrista. Nuevamente, un track dolorido, amargo…

Dos grandes de la guitarra pero de estilos desiguales. El lado acústico lo pone Robert Linton y el lado ambient electrónico corre a cargo del guitarrista Jeff Pearce. Ambas guitarras forman un dúo extraño y al mismo tiempo interesantísimo. Ambos sonidos casan a la perfección, con un poder enigmático.

Robert Linton se acompaña de grandísimos músicos para dar vida a Beyond the Clearing. Éste nuevo trabajo da protagonismo a los instrumentos colaboradores, lo que le ofrece al álbum una gran riqueza de matices, todos muy diferentes y bellos al mismo tiempo. La variedad en la producción es la clave de éste gran trabajo. Muy recomendable..

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15/10/16

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Silvia Nakkach - Liminal

Liminal
Silvia Nakkach
2016
53.2 minutos

Pionera en el campo del sonido, la transformación de la conciencia y la música chamanista, Silvia Nakkach ha publicado más de una decena de álbumes orientados a la evasión espiritual, siendo el último de ellos un punto de inflexión en su carrera por su exquisito estilo exquisito y originalidad, uniendo la música ambient con el sonido acústico. Acompañada por el guitarrista y ahora productor Todd Boston y renombrados músicos como Jeff Oster, David Darling o Val Serrant, Nakkach publica Liminal, su decimoquinto trabajo compuesto por nueve cortes inspirados en elementos de la naturaleza y el universo, donde predominan su profunda voz y las cuerdas entre relajantes sintetizadores.

Liminal hace su apertura con “Liminal Clouds”, un tema que realiza un Time-lapse por las diferentes formas y matices del cielo. Guitarras, violonchelo, misteriosos teclados y una insondable voz son suficientes para penetrar con fuerza en el oyente y arrancarlo del mundanal ruido y arrastrarlo a un pacífico desierto.

Continúa “Liminal Beauty”, un tema más minimalista, donde el sonido sutil de una guitarra acústica y el casi inapreciable cuerno de Jeff, se unen para acompañar los apacibles cánticos de Silvia… ¡Qué delicia!.

Más cercana al ambient aparece “Liminal Motion”. Sin lugar a dudas es una de las preferidas del álbum, donde el sonido ambient hace su real aparición, sin más… Es todo un deleite para los sentidos.

“Liminal Space” es la continuación del track anterior, una muy apacible composición que pasa inadvertida, silenciosa, con estilo, donde es fácil al cerrar los ojos sentir la inmensidad del Universo. Nuevamente, otra de mis preferidas.

El misterio hace aparición con “Liminal Light”. La guitarra acústica como protagonista junto al oscuro canto de Nakkach, descubren un track oscuro, nada relacionado con su título, mostrando realmente una extensión cubierta por la lobreguez.

“Liminal Rays” sí es radiante, relajada pero radiante. Nuevamente surge el sonido ambient, donde la electrónica más sutil y pacífica se une a las cuerdas de Darling y al penetrante sonido del cuerno de Oster. El lado más electrónico es el fuerte de Silvia; lo más interesante.

Continuando con la sencillez de los acordes, pero con un canto más elaborado, nace “Liminal Glow”. En esta ocasión, Nakkach mantiene el sonido ambiental pero narra un canto más pulido.

Otro de los cortes destacables de Liminal es “Liminal Dream”, un track con algo de más luz y más rítmica que el resto, no en exceso, pero sí lo suficiente para llamar con fuerza la atención del oyente. Definitivamente, la voz de Silvia es poderosa, intensa.

Liminal se cierra con “Liminal Moon”, una pieza creada para el descanso. Con más protagonismo en esta ocasión, Oster aporta intensidad al tema con su poderoso instrumento de viento, mientras Nakkach susurra bajo intensos teclados. “Liminal Moon” es la banda sonora para una perfecta evasión.

Sin lugar a dudas, el fuerte de Silvia Nakkach es su lado más alejado de lo acústico, de la música orientada a los ejercicios de meditación como el Yoga. En el otro extremo, el ambient electrónico toma fuerza y calidad, y su sutil complejidad casa perfectamente con su profunda voz. Liminal reúne los dos estilos, convirtiéndolo en un álbum de lo más interesante.

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reviewsnewage.com
15/10/16

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