Viernes, 10 febrero, 2017
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Alejandro Clavijo

Alejandro Clavijo
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Existe otro estilo musical. Fundador de ReviewsNewAge.com, editor de noticias y discos. Escribir se ha convertido en un segundo y placentero trabajo.

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Reviews New Age - Discovering Music John Burke - Orogen

Orogen
John Burke
2016
53.4 minutos

La positividad, la idea del “todo es posible”, la alegría, la humildad y el trabajo duro siempre dan sus frutos tarde o temprano. Así ha ocurrido con el lanzamiento del sexto, y ya muy premiado álbum del pianista de Atlanta, John Burke. Alcanzando las primeras posiciones como uno de los mejores álbumes de solo piano, Orogen se caracteriza no sólo por disfrutar de un perfil radiante y pasional. Exhibe maestría y virtuosismo, y todo este conjunto le ha llevado a alcanzar uno de los más altos honores; la nominación al Premio GRAMMY, compartiendo nominación junto a Enya o Vangelis, entre otros.

Orogen comienza con fuerza, con coraje, un estilo que marcará el carácter del álbum de principio a fin. “Arise” es sobrecogedora, emocionante, con una melodía adictiva y atractiva. Las manos de Burke recorren el teclado entonando una música muy pegadiza. “Arise” deja ver la sorprendente técnica del pianista.

Con un discreto comienzo “Spring Tides” se luce romántica y alegre. Reservándose ligeramente en su destreza, Burke nos regala en esta ocasión una música cálida y sensible… Emotiva.

Con tintes que levemente recuerdan a extractos del gran George Winston, uno de los grandes referentes de John Burke, “The Traveler” asemeja su tempo al paso del tren, apreciando tras sus notas los vivos colores de admirables escenarios naturales; lugares donde nace la inspiración. “The Traveler” es intensa y estimulante… Perfecta.

Ritmo y nuevamente, maestría. Surge con intensidad “Autumn Blaze” y aunque carece de una melodía sugestiva, esto carece de importancia, ya que lo verdaderamente atractivo de la composición es imaginar las manos de John Burke recorrer las octavas del piano con rapidez, estilo y una técnica indescriptible. ¡Brutal!.

“Batholith” es la antítesis en su comienzo, ofreciendo una introducción íntima y diferente al resto de composiciones; pero esto es sólo el principio. Burke juega con los estilos, uniendo con sutileza un toque de jazz con la intensidad de una apasionada música gobernada por fuertes acordes y un ritmo arrojador.

“Riverswept” se presenta arrolladora, pero inmensamente delicada al mismo tiempo. Continuando con la intimidad del pianista, “Riverswept” es la música para una felicidad contenida; esa sensación de querer estallar de alegría y contenerse, convirtiéndose esta sensación en algo muy emotivo.

Divertida y original es “Foot Traffic”. Jugando con maestría con las notas más bajas del piano, John combina con arte negras y blancas para ofrecernos una música intrépida y al mismo tiempo, insólita y realmente interesante.

El toque romántico y delicado lo pone “Windflower”. Parece improvisado, como si la propio inspiración dejase fluir el enlace entre las notas… Es un deleite cerrar los ojos y disfrutar con su dulce melodía.

Regresando al ímpetu de los acordes nace “Earth Breaker”. Enlazando fragmentos que describen lamentos con otros más enérgicos y colmados de rabia, Burke interpreta, siempre mostrando un nivel técnico asombroso, uno de los temas más impresionantes y complejos de Orogen; John juega con los silencios y con todas las posibilidades que ofrece el instrumento… ¡Magistral!.

Orogen finaliza con “Orogen”. Ésta última composición es más melódica que el resto de composiciones, describiendo además un final hermosísimo y colorido. “Orogen” desprende alegría, dejando un grato sabor al oyente tras el disfrute de un grandísimo álbum de solo piano.

La evolución artística de John Burke ha sido imparable, meteórica. Con sólo seis álbumes, el pianista no sólo ha cosechado incontables seguidores, innumerables en poco tiempo, también ha visto reconocido su trabajo por parte de la crítica quien se ha dejado seducir por el buen carácter del pianista, su forma de interpretar, sus composiciones y por supuesto, su técnica. Todo esto ha llamado la atención de todos los seguidores de la música, incluidos los miembros de Los Premios Grammy, que han sabido reconocer de lo bueno, lo mejor, otorgándole la nominación a Mejor Álbum New Age este año. Orogen es un álbum altamente recomendable, imperdible para los amantes del piano, imperdible para cualquier amante de la música. ¡Chapeau, Amigo Burke!.

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reviewsnewage.com
30/01/17

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El mundo de la música despide hoy al productor y crítico musical Michael Diamond.

Reviews New Age - Discovering Music Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age

Steven Halpern y Michael Diamond en La Celebración de Nominados de los Premios GRAMMY. (San Francisco, 2013)

Tras un comunicado publicado en Facebook por fuentes cercanas a la familia del productor y músico. El también renombrado crítico musical Michael Diamond falleció a las 4:00am (EEUU) a los 60 años víctima de una complicación en la operación tras sufrir un fuerte infarto el pasado 16 de diciembre.

Reviews New Age - Discovering Music Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  Reviews New Age - Discovering Music Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  En sus más de 30 años en la industria musical, Michael Diamond ha sido voz y consejo para una gran lista de renombrados músicos y artistas vinculados a la New Age, siendo músico invitado incluso en algunas de las producciones de los artistas que revisaba.

Perteneciente a The Recording Academy y miembro de The GRAMMY’S, Diamond ha sido uno de los críticos musicales más respetados del género New Age, escribiendo reseñas para magazines publicados a nivel nacional en Estados Unidos, y más tarde, publicaba en 2011 su propio blog de críticas MUSIC & MEDIA FOCUS, donde compartía reviews y entrevistas que incluían a músicos como Ravi Shankar, Carlos Santana, Jon Anderson del grupo de rock Yes, Blackmore’s Night con Richie Blackmore de Deep Purple, el fundador de Windham Hill, Will Ackerman, Suzanne Ciani, David Arkenstone, Kitaro, Constance Demby, entre otros.

Como músico, Michael Diamond tocaba la guitarra desde finales de los 60, introduciéndose años más tarde en los sintetizadores. Cubriendo diversos estilos como el rock, el blues, el funk o el reggae. Diamond participó en varias producciones como guitarrista, especialmente con los llamados padres de la música New Age. En su larga lista se incluyen colaboraciones con: Pete Sears, Michael Manring, Jimmy Hobson, Jai Josefs, Steven Halpern, Constance Demby, Jefferson Starship, Iasos, Barbara Borden, Gabe Schillinger, Ken Jenkins, entre otros.

Michael Diamond publicó 5 álbumes en solitario y produjo más de una treintena de proyectos para otros artistas.

Vídeo creador por Michael Diamond (sintetizadores y guitarras) para el álbum Ambient Alchemy, lanzado junto a Steven Halpern (teclados) y Michael Manring (bajo).

Mike Oldfield vuelve a sus raíces en “Return To Ommadawn”.

Reviews New Age - Discovering Music Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero

Mike Oldfield ha anunciado un nuevo álbum: en tan sólo doce meses, el multi-instrumentista ha creado Return to Ommadawn. Consta de dos partes instrumentales de 20 minutos, donde el músico y compositor británico nos deja impresionados una vez más por su gran talento: los 22 instrumentos acústicos registrados en el álbum tienen el sello del propio Mike Oldfield.

“Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo” – Mike Oldfield

Volver a las raíces: Mike Oldfield en “Return To Ommadawn”.

¿Qué queréis de mí?“, Preguntó el músico en su cuenta de Facebook; y algo tan breve y simple amasó innumerables comentarios de los seguidores de Oldfield. La respuesta fue clara: debía ser el retorno a sus raíces, la mezcla de sus instrumentos e historias más personales. “La música era espontánea y llena de vida. Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo.” Incluso la mística portada del álbum representa la búsqueda y el hallazgo.

Reviews New Age - Discovering Music Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  Reviews New Age - Discovering Music Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  40 minutos en el cielo: Mike Oldfield toca dos piezas instrumentales.

Return to Ommadawn constará de dos partes de 20 minutos cada una, donde se podrá disfrutar de 22 instrumentos, tocados todos por Oldfield, como él mismo indica: “Soy el único músico que se puede escuchar en el álbum“. El próximo 20 de enero será el lanzamiento oficial de Return to Ommadawn. Hasta entonces, el álbum puede ser reservado, en Amazon y iTunes, entre otros.

Lista de canciones “Return to Ommadawn”

  1. Return to Ommadawn – Parte 1
  2. Return to Ommadawn – Parte 2

 

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Reviews New Age - Discovering Music Kathryn Kaye - There Was a Time

There Was a Time
Kathryn Kaye
2015
47.2 minutos

Cuando todo va bien, o mal, es inevitable recordar momentos o personas que de alguna forma u otra nos marcaron. La nostalgia está hecha de instantes, aromas, lugares y música, y sobre esta última descansa There Was a Time, el último trabajo de la pianista y compositora Kathryn Kaye, que nuevamente se pone a las órdenes del productor Will Ackerman y su equipo de artistas.

“Saro Remembered”, el tema que abre el álbum, es una bellísima introducción y adaptación realizada por Kathry Kaye del tema popular “Pretty Saro”. “Saro Remembered” marcará el sentimiento melancólico del CD, pero siempre ofreciendo al oyente su lado más dulce y cálido. Una melodía fascinante endulzada por el chelo de Eugene Friesen y el cuerno inglés de Jill Haley.

Continuamos con “Arise”, otra adaptación sobre unas notas que la pianista recordaba de su niñez. Una música agridulce, donde en esta ocasión la nostalgia se viste de ligeramente de tintes grisáceos, pero en absoluto doloridos.

El dúo formado por el piano de Kaye y el chelo de Friesen da vida a “There Was a Time”, el tema principal del CD. Como sacado de un cuento de hadas, una canción de cuna, el piano nace en la zona más alta del piano con un toque cálido e inocente, hasta que surgen las cuerdas de Friesen que le aporta profundidad y emoción al tema. “There Was a Time” es La intimidad de los recuerdos hecha música.

Con tan sólo ver la palabra “Spring” incluida en el título, ya podemos hacernos una idea del carácter de la composición. “Spring Snow” es una de las piezas más complejas en cuanto a producción del álbum, incluyendo no sólo el piano de la artista, se suman chelo, cuerno inglés, bajo y cuerno francés. Todos unidos nos ofrecen un tema lleno de vida, sin ritmo, pero riquísimo en melodía y musicalidad.

El primer solo de piano de Kaye, “Wind in the Aspen Grove”, hace un guiño al género clásico y con fuerza. Como un baile y reproduciendo una pegadiza y bellísima melodía, Kathryn Kaye da muestras de su maestría frente a las teclas del piano. Sin duda, una de mis preferidas.

Ésta sí es apagada y desconsolada. “Shadow of a Bird in Flight” es un recuerdo a las composiciones de Will Ackerman pero con predominio del piano en vez de la guitarra, que también tiene su momento por el propio Ackerman. “Shadow of a Bird in Flight” es de esas composiciones que invitan a cerrar los ojos y disfrutar con cada surgir de instrumento.

Un solo de Jill Haley hace la presentación de “Revival”. Con ternura y elegancia aparece un solo de piano gobernado por silencios, pausas y mimo, siendo uno de los tracks más entrañables de todo el álbum.

Como una dulce canción de cuna y al paso de un sutil baile, las notas de “Learning To Waltz With Clouds” brotan con elegancia. “Learning To Waltz With Clouds” une al piano de Kaye con los vientos de Hely y Gus Sebring, lo que le ofrece a la melodía un cuerpo complejo y atractivo.

Más apagadas y serias son las dos últimas piezas. “Bittersweet Goodbye” lo dice todo con sólo leer su título. “Bittersweet Goodbye” es levemente apenada, pero dejando un resquicio a la esperanza, a la posibilidad de un pronto reencuentro. ¡Bella!.

There Was a Time se cierra con “Darkning Skies”, la pieza más oscura de todo el álbum, donde un oscuro piano imita el paso del tiempo con pavor, mientras el chelo de Friesen le aporta más sentimiento de pánico al tema con su recóndito sonido de fondo. Minimalista y escalofriante en partes iguales.

Siempre hay instantes en los que por casualidad tras descifrar una melodía, sentir una brisa o inhalar un aroma llegan como por arte de magia momentos vividos; algunos entrañables, otros menos, pero ahí están, esperando a ser recordados. There Was a Time, el nuevo trabajo de la pianista Kathryn Kaye, recoge todos esos instantes inmortalizados en la mente con una banda sonora perfecta para cada uno de ellos. Una banda sonora hermosa y compleja, perfecta. ¡Grande Kathryn Kaye!.

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reviewsnewage.com
21/12/16

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Te descubrimos 5 álbumes imprescindibles del pianista David Nevue.

Reviews New Age - Discovering Music Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue

David Nevue presentó el pasado año su último trabajo, Winding Down, álbum que le llevó seis semanas de composición y grabación y donde predominan los tonos apagados y las notas reflexivas. Continuando con éste carácter e incluyendo algunos temas clásicos como The Gift, Sweet Dreams & Starlight, From Dream to Dream, Walking in Shadow, The Vigil o Winter Twilight te dejamos un listado con los cinco mejores álbumes del pianista David Nevue para descubrir sus mejores melodías.

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¡Te lo ponemos fácil!. Disfruta de Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue en Deezer y con esta playlist donde podéis encontrar algunos de sus clásicos. ¡Abre los cinco sentidos y descubre a Nevue!.

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Reviews New Age - Discovering Music Starr Parodi - The Heart of Frida

The Heart of Frida
Starr Parodi
2016
58.5 minutos

Homenajeada la vida y obra de la pintora y fotógrafa surrealista Frida Kahlo. La pianista y compositora Starr Parodi presenta su último trabajo donde se deja llevar por la inspiración en un instrumento de época, un viejo Steinway B de 1928, para interpretar meticulosas y apagadas improvisaciones que dejan correr el tiempo hacia atrás, marcándole al oyente cada uno de los infortunios de la célebre pintora mejicana. The Heart of Frida se compone de once cortes improvisados, incluyendo dos adaptaciones; un éxito de Prince y el archiconocido tema Nights in White Satin de The Moody Blues.

Enternecedora historia, así se presenta el álbum con “The Heart of Frida”, como una introducción a la vida de la artista mejicana. Sin diálogos, en blanco y negro… Sólo música con imágenes de su vida diaria. Una composición bellísima, delicada.

La primera adaptación musical tiene como protagonista a Prince y su tema “When Doves Cry”, el single del álbum. Contundente en sus acordes y pegadiza en la melodía, Parodi realiza una improvisación excelente sobre el tema original del álbum Purple Rain (1984). He podido escuchar una decena de veces el track. Fascinante.

Diego Rivera, enorme y obeso, Frida, pequeña y delgada; esto llevó a calificar la relación entre “The Elephant and The Dove” (El Elefante y La Paloma). Como haciéndose eco de esta historia de amor, Starr deja constancia en sus notas de un dolor enérgico debido a la tormentosa relación entre ambos artistas que consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después.

Algo de brillo se deja ver en “Rancho Hamilton”, un tema que dibuja a través de las notas buenos momentos. Historias reales, narradas por el padre de Starr, vividas en ése Rancho al que la pianista pone ahora su propia banda sonora.

A toque waltz, pero afligido, Parodi da vida a “Hardly Touching”. Continuando con el dolor y la dura historia de Frida, Starr sigue ofreciéndonos improvisaciones marcadas por las lágrimas…

“Overture of Color” es posiblemente la improvisación más soberbia de todo el álbum. Starr Parodi da rienda suelta a su imaginación y a su maestría para ofrecer un tema colmado de emociones y sobre todo, técnica. ¡Asombroso!.

Un comienzo rompedor para la última adaptación del álbum. “Nights in White Satin” de The Moody Blues tiene un hueco en The Heart of Frida, siendo esta nueva versión muy diferente a la versión original, pero única en sí misma. Starr se divierte con las teclas del piano y eso llega al oyente con fuerza.

Amabilidad y descanso tras tanto odio y dolor. Aparece “Don’t Be Discouraged”. Por primera vez, la compositora nos da un respiro y nos regala unos minutos de paz y cariño, dejando a tras lamentos y sufrimiento.

De nuevo, un toque de baile en The Heart of Frida. Nace con encanto “Sun & Life”, una delicia para disfrutar con atención cada nota, cada acorde. El género clásico surge con fuerza en algunos fragmentos… Fascinante.

Una de las piezas destacables del álbum es “The Lightness of Frida”. Más que una improvisación es una composición muy estudiada, donde las armonías, los silencios, el tempo forman un todo perfecto. Es sin lugar a dudas la pieza con más luz y encanto de todo el álbum.

The Heart of Frida se cierra con “Hope”. Un tema que deja un final muy cerrado en el álbum, donde los pensamientos, la introspección y la evasión son protagonistas. Los silencios son tan importantes como las notas en esta pieza. Sobrecogedores.

Técnica e historia se unen para ofrecer emociones al oyente, así es lo nuevo de la compositora Starr Parodi. The Heart of Frida es la retrospección que Parodi realiza de la vida de Frida Kahlo, poniendo banda sonora a cada uno de los momentos más señalados de la artista mejicana. Un repaso interesante gracias a una música aún más interesante.

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reviewsnewage.com
20/11/16

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What Child Is This?, se presenta como el segundo single de “A Hollens Family Christmas”, el primer álbum de Navidad del vocalista Peter Hollens.

Peter Hollens, vocalista sensación de Youtube, presenta su primer álbum de Navidad A Hollens Family Christmas, donde participan algunos grandísimos artistas. El segundo single del álbum tras December Song es el villancico What Child Is This?.

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La segunda parte de Sadeness, el primer single de The Fall Of A Rebel Angel.

Ya a la venta en todas las stores, The Fall Of A Rebel Angel se presentaba con la segunda parte de Sadeness, del álbum MCMXC a.D.. Ahora, y tras ocho años de espera, el nuevo trabajo de Enigma llega a lo grande, presentándose en varios formatos y alguno de auténtico lujo.

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Reviews New Age - Discovering Music David Roa - Seamphonik

Seamphonik
David Roa
2016
40.4 minutos

Entre la psicodelia, lo sinfónico y el ambient se mueve Seamphonik, el último lanzamiento del compositor experimental David Roa, referente español en la creación de bandas sonoras para videojuegos y reconocidos canales de televisión. En este nuevo trabajo, compuesto por trece cortes, Roa nos lleva entre perfectas fusiones de instrumentos y melodías a una delirante huida, lejos del desequilibrado mundo que nos rodea, gracias a una magistral muestra de poderío frente a los teclados.

Demente comienzo… Recordando a la era dorada del Breakbeat se presenta “Atlantik”, el tema de introducción de Seamphonik. “Atlantik” es un ejemplo de rápidos loops y sugerentes sintetizadores que se unen para dar vida a una impetuosa melodía.

“Lighthouse”, a diferencia del track anterior, conserva un loop muy electrónico pero su melodía es más seductora, brillante. Muy similar a la electrónica que realiza Lichtmond, Roa exprime los sintetizadores y nos regala unos minutos de perfecta armonía con un toque de misterio. ¡Tema destacable de Seamphonik!.

Breve, brevísima locura, así podríamos calificar a “Seascore”. Tema que mezcla sesión orquestal como fondo de acompañamiento para un piano raudo y ligeramente desequilibrado.

Dos de las grandes composiciones de Seamphonik se presentan… Como extraída de una superproducción cinematográfica, aparece “Ghostship”, donde el canto de una soprano surge entre el poderío y asombroso sonido de una gran orquesta sinfónica. “Ghostship” es trepidante, intensa, sobrenatural.

Le sigue con toque romántico una de las mejores producciones del CD. Grandiosa, bellísima, y sin lugar a dudas, es el fuerte de Roa. “Sirens” es sobrecogedora por su belleza, donde una prodigiosa orquesta sinfónica nos regala varios minutos de grandiosidad y emociones. Inevitablemente he de decir que la música de David debería tomar un giro hacia este género. ¡Alucinante!.

Regresando a la electrónica se presenta “Blueness”, un tema que tiene grandes similitudes a las producciones de Oldfield. “Blueness” es apacible, a pesar de su tempo arriesgado, es una verdadera delicia escudriñar con los sentidos cada uno de los sonidos que surgen por los auriculares. Fantástico.

Nuevamente un piano enloquecido, pero en esta ocasión en un track más entenso y mezclado con un coro de voces esplendoroso. “Aquasphere” es otra de ls producciones a destacar en Seamphonik, donde el artista une con maestría la electrónica con la fuerza de las sesiones orquestales.

La narcótica “Drowned” hace aparición. Interpretada por la cantante Naiah, el track es un continuo y sensual susurro en dos idiomas.

Nuevamente, piano y orquesta se unen. El piano sigue siendo una locura, hermoso, pero perturbado, mientras que la orquesta sigue con exquisitez las expeditas notas del piano. “Oceland” es ese tema que sirve de entrante a algo increíble…

“Thalassa”, mística, Oda a la Diosa del Mediterráneo. Por ese motivo nos encontramos ante un track sedante, de Chill Out más que perfecto, donde reinan los cánticos majestuosos y los teclados más atractivos. “Thalassa” es otra de las composiciones destacables de Seamphonik.

“Waterclock” no podía estar mejor representada; sin lugar a dudas la producción hace honor a su título. Mezclando misterio y un sinfín de originalidad, Roa nos regala otro grandísimo track que combina piano, teclados y orquesta.

“Nautilus” vuelve a combinar sintetizadores con efímeros pero poderosos coros. “Nautilis”, al igual que otros tracks de Seamphonik es lineal en la producción y la composición, siendo un calmante perfecto para el oyente.

Seamphonik se clausura con un track asombroso. “Abyssal” es otra de las grandes superproducciones del álbum, donde coros y orquesta sinfónica dan vida a una de las más grandes composiciones. Roa no ha habría podido elegir un final mejor; a lo grande, épico. ¡Majestuoso!.

La mezcla perfecta de estilos, la mezcla perfecta de emociones. Seamphonik puede entenderse como una muestra del poderío y la maestría de David Roa a la hora de componer y producir, siendo indiferente los estilos o las herramientas a la hora de crear, ya que éstas son siempre auténticas maravillas, ya sea del género electrónico como del clásico. Seamphonik es uno delos grandes álbumes de este año.

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reviewsnewage.com
06/11/16

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Reviews New Age - Discovering Music Brian Kelly - Butterfly Rapture

Butterfly Rapture
Brian Kelly
2015
41.5 minutos

Hacía bastante tiempo que no recibíamos un álbum de solos de piano donde el júbilo y la energía estuviesen presentes en la mayoría de las piezas. Nos llega el colorido e intenso trabajo del compositor y pianista Brian Kelly, Butterfly Rapture, formado por doce composiciones que viajan con intensidad entre la ternura y el arrojo, y todo embellecido fugazmente por fugaces toques de Maestría.

Abre Butterfly Rapture mi pieza preferida, “Piano Escapade”. Esta composición apiña romanticismo y esperanza en sus notas, siendo una de las piezas más hermosas de todo el CD. La intensidad de la melodía casa a la perfección con el nexo de las notas y acordes. ¡Fantástico comienzo!.

“Room for Sky” es sutilmente más formal y reservada. Arpegios profundos nacen de la mano izquerda, mientras la diestra recorre el teclado buscando una melodía arrolladora e impactante. Otra maravilla de Butterfly Rapture.

Regresando a la calidez musical de Kelly, se presenta “Flowers at Her Feet”. Esta pieza, junto con otras de igual duración (breve) son las que dan carácter a Butterfly Rapture por la energía y luz que irradian. “Flower at Her Feet” tiene un toque de improvisación magistral que le ofrece un toque de genialidad al track.

“Lilac Horizon” es apagada, la primera del álbum que rompe con el perfil general del mismo, pero a pesar de todo, no deja de ser un tema interesante y profundo.

Retornamos a la alegría con la que rebosan las manos de Kelly. Se presenta “Chasing a Breeze”, otra de las joyas entusiasmadas del álbum, tema que invita a imaginar el rápido movimiento de los dedos del pianista por el teclado. ¡Un deleite!.

La más breve de las composiciones es dulce y sensible, poderosa hasta el punto de dibujar una grata sonrisa en el oyente. Con un toque clásico y minimalista, “Spiral Moon” es una de las delicias que ostenta Butterfly Rapture.

“Hills in Bloom” no es tan intensa como algunas de las piezas anteriores, pero sigue conservando ése toque alegre.

Brillante introducción de “Niko’s Delight”. A golpe de baile, los acordes acompañan a unas radiantes notas que nacen en la zona alta del piano. “Niko’s Delight” nos ofrece el instante entrañable y delicado de Butterfly Rapture.

De nuevo, con el toque romántico, aparecen notas emocionantes. “Playing My Heart” juega con los silencios, con la fuerza de fugaces golpes de notas y acordes, y nos muestra el lado más tierno y sincero del amor. ¡Bellísima!.

“View from the Swing” es un juego musical, un la banda sonora de un divertimento. Levemente rápida y sí muy atractiva en su melodía, “View from the Swing” mezcla melodía y toques de jazz con una pasmosa pericia. ¡Alucinante composición!.

Un momento para la reflexión nos llega de la mano de “Winter Aura”. Un dialogo muy original entre ambas manos presenta la pieza, y continúa con un juego entre silencios y notas al más puro estilo de jazz que realmente es sorprendente. “Winter Aura” es otra de las composiciones destacables del álbum.

El cierre lo establece la pieza que da título al CD. “Butterfly Rapture” es una narración romántica hecha música. Como sacada de la banda sonora de alguna historia animada de Disney, “Butterfly Rapture” hace las delicias de los sentidos. Los cambios en los tempos, la melodía y el juego de manos son espectaculares. ¡Grande Brian!.

Maestría, matices y armonías visten el nuevo trabajo del pianista y compositor Brian Kelly, una perfecta muestra de un piano lleno de vida y emociones capaces de profundizar con fuerza en el oyente. Butterfly Rapture es uno de los mejores álbumes de solo piano del año, no cabe duda.

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17/10/16

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Reviews New Age - Discovering Music Robert Linton - Beyond the Clearing

Beyond the Clearing
Robert Linton
2016
52.2 minutos

Dicen que lo breve si es bueno, dos veces bueno. Es el caso de Beyond the Clearing, lo último del guitarrista fingerstyle Robert Linton, sólo nueve tracks lo componen y son realmente extraordinarios. Acompañado por instrumentistas de talla mundial como: Jeff Oster, Jill Haley, Jeff Pearce… entre otros, el músico arranca de su guitarra afectuosas polifonías que casan con acierto con el sonido de las cuerdas y los vientos que le acompañan.

“Aside the River Bend” abre el álbum con un dúo formado por el propio Linton y la violinista Sara Milonovich. Mientras el guitarrista desgarra arpegios de su guitarra acústica, la violinista realiza un magistral acompañamiento, formando ambos un tándem perfecto para dar vida a la entrañable pieza.

En esta ocasión es el piano de Heidi Breyer el instrumento que acompaña a la guitarra de Robert Linton. Más apagada que el track anterior y con un toque misterioso, “Gathering Over the Surface” exprime hasta la saciedad el arpegio en la guitarra, dando un protagonismo efímero al piano.

Nunca dejará de impresionarme el sonido de Jeff Oster o Jill Haley, son verdaderos Maestros con sus instrumentos. En “Lingering Rustle”, Jeff Oster presta el sonido de su fliscorno, un sonido profundo y grave, poderoso, que aporta mucha personalidad al track. En esta ocasión es la guitarra de Linton la que acompaña.

Mi preferida, a pesar de ser un lamento perfectamente definido entre sus notas, es “Shadowing the Hillside”, un tema que rápidamente me recordó al éxito de Mollag Band, Lemuel. Es impresionante el poder del chelo de Kitty Thompson, da igual el instrumento al que acompañe, siempre dejar boquiabierto al oyente. ¡Grandísimo tema!.

¡Dúo de guitarras!. Se presenta “A Distant Storm”, un tema que une a los guitarristas Robert Linton y Adam Miller en un apasionante radiante dialogo repleto de maestrías. “A Distant Storm” es una de esas piezas que se desea disfrutar en directo… ¡Me gusta!.

El track que da título al álbum vuelve a unir guitarra y violín. Eterno comienzo para solo de guitarra mientras el violín de Sara hace su entrada del en el ecuador del tema, aportando aún más sentimiento y dolor a la composición, otra que sin lugar a dudas, estará entre las grandes de Beyond the Clearing.

Una nueva colaboración, el cuerno inglés de Jill Haley acompaña a la apacible y sencilla guitarra de Robert Linton en el tema “Stretching Across the Horizon”. El track es como disfrutar de un largo paseo por bellos paisajes naturales, una delicia. Hay que cerrar los ojos y soñar despierto…

“Amid the Stillness” tiene todo el protagonismo la guitarra de Linton, sólo en contadas ocasiones aparece el chelo de Stephen Katz tras los arpegios del guitarrista. Nuevamente, un track dolorido, amargo…

Dos grandes de la guitarra pero de estilos desiguales. El lado acústico lo pone Robert Linton y el lado ambient electrónico corre a cargo del guitarrista Jeff Pearce. Ambas guitarras forman un dúo extraño y al mismo tiempo interesantísimo. Ambos sonidos casan a la perfección, con un poder enigmático.

Robert Linton se acompaña de grandísimos músicos para dar vida a Beyond the Clearing. Éste nuevo trabajo da protagonismo a los instrumentos colaboradores, lo que le ofrece al álbum una gran riqueza de matices, todos muy diferentes y bellos al mismo tiempo. La variedad en la producción es la clave de éste gran trabajo. Muy recomendable..

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15/10/16

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Reviews New Age - Discovering Music Silvia Nakkach - Liminal

Liminal
Silvia Nakkach
2016
53.2 minutos

Pionera en el campo del sonido, la transformación de la conciencia y la música chamanista, Silvia Nakkach ha publicado más de una decena de álbumes orientados a la evasión espiritual, siendo el último de ellos un punto de inflexión en su carrera por su exquisito estilo exquisito y originalidad, uniendo la música ambient con el sonido acústico. Acompañada por el guitarrista y ahora productor Todd Boston y renombrados músicos como Jeff Oster, David Darling o Val Serrant, Nakkach publica Liminal, su decimoquinto trabajo compuesto por nueve cortes inspirados en elementos de la naturaleza y el universo, donde predominan su profunda voz y las cuerdas entre relajantes sintetizadores.

Liminal hace su apertura con “Liminal Clouds”, un tema que realiza un Time-lapse por las diferentes formas y matices del cielo. Guitarras, violonchelo, misteriosos teclados y una insondable voz son suficientes para penetrar con fuerza en el oyente y arrancarlo del mundanal ruido y arrastrarlo a un pacífico desierto.

Continúa “Liminal Beauty”, un tema más minimalista, donde el sonido sutil de una guitarra acústica y el casi inapreciable cuerno de Jeff, se unen para acompañar los apacibles cánticos de Silvia… ¡Qué delicia!.

Más cercana al ambient aparece “Liminal Motion”. Sin lugar a dudas es una de las preferidas del álbum, donde el sonido ambient hace su real aparición, sin más… Es todo un deleite para los sentidos.

“Liminal Space” es la continuación del track anterior, una muy apacible composición que pasa inadvertida, silenciosa, con estilo, donde es fácil al cerrar los ojos sentir la inmensidad del Universo. Nuevamente, otra de mis preferidas.

El misterio hace aparición con “Liminal Light”. La guitarra acústica como protagonista junto al oscuro canto de Nakkach, descubren un track oscuro, nada relacionado con su título, mostrando realmente una extensión cubierta por la lobreguez.

“Liminal Rays” sí es radiante, relajada pero radiante. Nuevamente surge el sonido ambient, donde la electrónica más sutil y pacífica se une a las cuerdas de Darling y al penetrante sonido del cuerno de Oster. El lado más electrónico es el fuerte de Silvia; lo más interesante.

Continuando con la sencillez de los acordes, pero con un canto más elaborado, nace “Liminal Glow”. En esta ocasión, Nakkach mantiene el sonido ambiental pero narra un canto más pulido.

Otro de los cortes destacables de Liminal es “Liminal Dream”, un track con algo de más luz y más rítmica que el resto, no en exceso, pero sí lo suficiente para llamar con fuerza la atención del oyente. Definitivamente, la voz de Silvia es poderosa, intensa.

Liminal se cierra con “Liminal Moon”, una pieza creada para el descanso. Con más protagonismo en esta ocasión, Oster aporta intensidad al tema con su poderoso instrumento de viento, mientras Nakkach susurra bajo intensos teclados. “Liminal Moon” es la banda sonora para una perfecta evasión.

Sin lugar a dudas, el fuerte de Silvia Nakkach es su lado más alejado de lo acústico, de la música orientada a los ejercicios de meditación como el Yoga. En el otro extremo, el ambient electrónico toma fuerza y calidad, y su sutil complejidad casa perfectamente con su profunda voz. Liminal reúne los dos estilos, convirtiéndolo en un álbum de lo más interesante.

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reviewsnewage.com
15/10/16

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Reviews New Age - Discovering Music Neil Patton - Between Shadow and Light

Between Shadow and Light
Neil Patton
2015
50.5 minutos

Entre pensamientos y salmos nace Between Shadow and Light, lo último de uno de los pianistas Whisperings más destacables, Neil Patton. Compuesto por trece cortes definidos por el propio artista como: “… For the healing journey – Soul, Mind, Body”, ofrecen al oyente cincuenta minutos de profundas reflexiones, de desiguales emociones, gracias a un piano brillante.

Between Shadow and Light abre con “Rhyme or Reason”, un tema triste que tiene como protagonista la historia del ELA, la enfermedad degenerativa que continúa acusando a un amigo del pianista. La melodía dibuja incertidumbres, dolor y especialmente, impotencias.

Rítmica, llena de cólera, así aparece “Surface Tension”. La composición es francamente poderosa, difícil de imaginar el vertiginoso recorrido que realizan los dedos del músico sobre el piano. “Surface Tension” muestra el lado Light del álbum. ¡Fabulosa!.

Acuñada entre dulces notas surge “Still In Love”, la composición romántica de Between Shadow and Light; tema dedicado a Cathy, compañera de Patton. Moviéndonos por la Luz del álbum, “Still In Love” es una de las piezas más hermosas del mismo.

“Great Expectations” es íntima, inmersa en un dolor privado y autora de inseguridades, mostrando un duro sentimiento de soledad y destierro… Bellas notas para una música tan dura.

Una de las composiciones más hermosas y complejas en cuanto a composición es sin lugar a dudas “Nocturne (Between Shadow and Light)”. Un viaje nostálgico a tempo de waltz y de toque clásico muy cuidado, perfecto, culpable de la grata sonrisa de mi rostro. ¡Magnífica pieza!.

Con energía, Neil arranca repetidas veces el sonido de una nota que marcará el maravilloso tempo de uno de los cortes más atractivos y grandiosos del álbum. Between Shadow and Light goza de muchos temas movidos, pero “Flights of Angels” es el Rey. Indudablemente, es mi tema favorito por su fuerza y poder de fascinación. Es sencillamente, increíble.

Cruzamos el ecuador del álbum con “The Hands of the Healer”, una pieza en el lado opuesto al track anterior. “The Hands of the Healer”, protagonista de dolor y enfermedad, no conoce otro sentimiento que el de abatimiento, endulzado muy ligeramente con toques de notas que sirven, durante pocos segundos, para animar… Agridulce lamento.

“The Long Goodbye”, el tema más introspectivo y minimalista del álbum hace referencia al Alzheimer para definir el durísimo dolor de aquellos que sufren el olvido por parte de un ser querido doblegado por esta enfermedad. Las notas de “The Long Goodbye” representan sin duda ése dolor, inefable.

Entre la inquietud y la felicidad se mueve “Finding My Own Secrets”, un track que muestra las incertidumbres de un largo y desconocido camino, que finalmente, desemboca en el éxito, en el bienestar. Al final, todo tiene solución tarde o temprano.

“Walk With Me”, nuevamente un corte romántico, delicado. Interpretada principalmente en la zona alta del piano y con el silencio como adjunto en la melodía, Neil Patton nos ofrece un tema para sonreir, para soñar… Una delicia.

Otra de las composiciones poderosas de Between Shadow and Light es “To Run Again”. Nuevamente, Patton nos inunda de emociones positivas, irradiando Luz nuestros momentos, esta vez con un tema extrovertido, ligero, poderoso y realmente impresionante. “To Run Again” es junto a “Flights of Angels” joya del CD.

Con “Hope” nacen las emociones más íntimas. “Hope” es sencilla, pero con un poder embaucador muy poderoso. Tan sólo hay que escuchar y dejarse llevar por sus humildes notas…

Between Shadow and Light se cierra con “Moonrise”. Oscura en su comienzo, Patton nos regala una superproducción, original, no antes escuchada. Más cercana al ambient, el pianista da vida a un tema acústico magnífico donde todos los sonidos nacen del mismo instrumento, con una calidad sonora insuperable. ¡Gratísima sorpresa!.

No es de extrañar que el nuevo trabajo del pianista Neil Patton sea un éxito. Patton es capaz de contener en un mismo trabajo todas las emociones y situaciones que todo Ser Humano puede vivir y con un acierto y calidad indescriptibles. Between Shadow and Light se acerca más a la zona iluminada del título, ofreciéndonos temas muy poderosos, inolvidables, incluyendo además otros más amables, dulces y siempre dejando un hueco al dolor y el lamento, esto hace de Between Shadow and Light un trabajo muy completo y muy recomendable. ¡Chapeau, Maestro!.

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reviewsnewage.com
04/10/16

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A New Creation explora por primera vez a un nivel más profundo de la espiritualidad, la introducción de letras y orquestación en su repertorio.

Reviews New Age - Discovering Music A New Creation, La Obra Maestra de Paul Cardall

Paul Cardall es, literalmente, una nueva creación después de recibir un trasplante de corazón que le cambió la vida en 2009. Paul nació con la mitad funcional del corazón (ventrículo único) y no se esperaba que el músico pudiese vivir con esta enfermedad, pero desafió las expectativas médicas después de someterse a una cirugía de corazón su primer día de vida. Como adolescente Cardall se sometió a otras cirugías a corazón abierto que prolongaron su vida.

Con el descubrimiento de que podía tocar el piano de oído, Cardall acudió a la música como una forma de expresar todo lo que estaba experimentando. Después de establecer una exitosa carrera musical con varios discos en el top de Billboard, el artista estaba en la lista para un trasplante de corazón. Después de esperar 385 días, Cardall recibió un donante de corazón de un joven de diecinueve años que se quitó la vida. El joven se registró como donante de órganos tres meses antes.

Pienso en mi donante y en otros que se han sacrificado tanto por mí todos los días de mi vida. El corazón de otro hombre late en mi pecho. No hay palabras para expresar mis emociones. Espero que la gente sienta mi agradecimiento a través de mi música.

A New Creation explora por primera vez a un nivel más profundo de la espiritualidad, la introducción de letras y orquestación en su repertorio. “Cada canción de este disco está diseñada para invocar profundos sentimientos espirituales“, señala Cardall. “El álbum representa un viaje de la inocencia al nacer, a través de la ruptura subsiguiente de la condición humana, que culminó en la capacidad de la humanidad para elevarse por encima de ese estado a su máximo potencial.

Mientras que algunas letras emplean temas propiamente cristianos, la música está dirigida a un público universal. La música de Cardall es disfrutada por los fans en más de 100 países, donde su música ha recibido más de 1 billón re transmisiones de radio. “Esta música trasciende idiomas y culturas y llega a las personas en su nivel más profundo de identidad y anhelo.” señala el álbum orquestal arreglista Shane Mickelsen.

Un punto culminante en cuanto a lo personal para Cardall fue cuando estaba componiendo la música de “One by One”, una canción escrita junto a Elder David A. Bednar, preside a los apóstoles de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Bednar escribió las letras y ha viajado a seis continentes durante su década de liderazgo. La canción refleja la apreciación de los desafíos que enfrentan los individuos en cada parte del mundo.

A New Creation se lanzó el pasado 16 de de septiembre a través de su propio sello Stone Angel Music, y cuenta con los solistas Nathan Pacheco (Disney Pearl Records; Yanni Voices tour), Patrice Tipoki (Fantine, Les Miserables international Broadway tour), The American Heritage Lyceum Philharmonic, American Heritage Youth Chorus and Stone Angel Music Orchestra bajo la dirección de Shane Mickelsen.

El álbum es distribuido por, Amazon, CDBaby, Alliance Entertainment, and Deseret Book Distributors, y también está disponible en streaming en Deezer o Apple Music.

Ólafur Arnalds explora la vibrante vida artística de sus compatriotas en un fascinante retrato audiovisual de su país de origen.

Reviews New Age - Discovering Music Island Songs, el viaje audiovisual de Ólafur Arnalds por Islandia

Edición: Reviews New Age

Los islandeses constituyen una de las naciones con más músicos en el globo, con una de las tasas más altas de conjuntos orquestales per cápita en el mundo. Island Songs, el nuevo trabajo del innovador y brillante compositor Ólafur Arnalds (ganador del premio BAFTA por Broadchurch) junto al director Baldvin Z (BBC’s Trapped, Life in a Fishbowl) explora la vibrante vida artística de sus compatriotas en un fascinante retrato audiovisual de su país de origen.

A lo largo de siete semanas, Arnalds viajará por siete lugares muy diferentes de Islandia – una por semana – para grabar una serie de nuevas composiciones. En cada lugar Arnalds estará colaborando con artistas locales de la ciudad para crear y llevar a cabo una nueva canción.

Cada artista tiene su propia historia que contar y de manera individual de contribuir al proyecto. Ellos provienen de diferentes ámbitos musicales en sus lugares de origen, que van desde un vocalista de una banda de rock de fama mundial a un organista de la iglesia en un pueblo de 100 habitantes, haciendo de éste un proyecto diverso y en constante evolución. Cada semana, Arnalds publicará una pista de audio y vídeo. Estas serán distribuidas a través de Apple Music, Deezer y Vevo/YouTube.

Siempre quiero hacer que todo suene perfecto, pero también sé que la perfección no significa necesariamente que sea de buena música. Por lo que estos proyectos surgieron de una lucha interna conmigo mismo, la necesidad de crear algo espontáneo e improvisado.

Además, el viaje será una crónica dirigida por el director de cine Baldvin Z. El período de 7 semanas dará como resultado una película de una hora de música, incluyendo conversaciones que exploran la música, la historia y la identidad de los colaboradores, para crear un poderoso retrato musical de su tierra nativa.

Arnalds hace hincapié en que el proyecto tiene como objetivo centrarse en la asombrosa creatividad de los habitantes de Islandia y no en el sublime paisaje sublime de su tierra natal.

Sí, Islandia es preciosa, hay un montón de películas que ya han demostrado que lo es”, dice el compositor. “Creo que es mucho más interesante tener en cuenta la dureza de las condiciones, y cómo nos afecta a los artistas … me gustaría explorar esa energía musical.

Arnalds es reconocido por su estilo musical, que sugestivamente mezcla elementos del ambient, la música clásica y los sonidos electrónicos. Island Songs tiene sus raíces en el enorme éxito de sus dos proyectos anteriores, Found Songs (2009) y Living Room Music (2011).

Los nombres de cada uno de los colaboradores de Island Songs serán revelados durante la semana de su participación, compartido a través de las redes sociales y en el nuevo sitio web dedicado al álbum. Durante las siete semanas de rodaje y grabación, Island Songs se convertirá en un proyecto interactivo en tiempo real en las redes sociales. Los seguidores de Arnalds serán capaces de seguirlo a través de Snapchats, Instagram y tweets.

La película se dará a conocer en octubre el año 2016 y coincidirá con el lanzamiento del disco físico, en CD y vinilo. Todo el material será lanzado por Mercury Classics/Universal Music.

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Reviews New Age - Discovering Music Joe Heinemann - Gratitude

Gratitude
Joe Heinemann
2016
43.3 minutos

Las producciones de Imaginary Roads inundan la New Age. En esta ocasión se presta el pianista neoyorquino Joe Heinemann a que el ganador del Grammy, Will Ackerman, dé forma a las composiciones que completan Gratitude, su primer trabajo. Gratitude se define por poseer un tono nostálgico e introspectivo.

El álbum se presenta con “Lenape”, pieza que marcará el carácter general del álbum. Un piano apesadumbrado, muy triste, se acompaña por cuerdas que le ofrecen un fondo oscuro y doloroso. Oscuro comienzo, pero interesante.

“Enduring Hope” cambia ligeramente el tono a algo más esperanzador, más amable. Los acordes, muy cuidados y delicados, surgen con pesadez mientras el pianista arranca con su derecha una melodía entrañable.

Un guiño al género clásico. “For Satie” realiza un fugaz paseo por las notas de Erik Satie y su estilo introspectivo y pausado… Momentos de reflexión.

Algo más movido y alegre se presenta “Sea Dream (Away)”. Con una interesante y repetida combinación de notas para la diestra, Joe alterna esta melodía con el sonido del cuerno inglés. Como siempre, un sonido sorprendente. “Sea Dream (Away)” es agradable, intensa, bellísima.

“Sign of Spring” está creada para cerrar los ojos y sentirla. Jugando con los silencios y con la sencillez de las notas altas, Joe nos regala unos instantes de relajación y evasión.

La tristeza tiene su momento en Gratitude. “Longing” muestra el dolor, la melancolía gracias a notas afligidas, de fluir pesado.

Continuando con los sueños, y siendo la tónica general de Gratitude, el pianista parece improvisar “Solace”, composición que tiene como melodía una música abatida, pero al mismo tiempo relajante.

Con “My Song (Carried Along)” Gratitude se torna por unos instantes romántico, interesante y más complejo. El piano de Joe Heinemann se une a un profundo chelo y a un cuerno inglés poderoso, formando un trío idóneo. Posiblemente la mejor pieza del álbum. ¡Fantástica!.

“Gratitude”, tema que da título al CD y una de las piezas más emocionantes del álbum. A pesar de su lentitud, la melodía tiene un fuerte poder nostálgico y sus notas brindan el embrujo de una buena composición… ¡Perfecta!.

Como un susurro aparece “Golden Waves”, un tema muy lineal y repetitivo que se hace relajante, apacible, perfecto para desconectar y dejarse llevar. Es nuevamente un guiño a la evasión más absoluta.

Gratitude se clausura con “Late At Night”. Otra obra Maestra apoyada en lo magníficos silencios, los sentimientos, las sensaciones… “Late At Night” está interpretada con el alma, dejando Joe una gratísima sensación de paz al oyente. ¡Realmente magnífico!.

 Aunque falta complejidad en la composición, el pianista Joe Heinemann se apoya con talento en los instrumentos que Ackerman le ofrece. Gratitude muestra un piano sencillo, en ocasiones en perfectísimo dialogo con el silencio, lo que lo hace un álbum muy interesante y donde realmente podemos encontrar atractivas melodías.

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reviewsnewage.com
14/09/16

Resonance regresa en octubre con su nuevo trabajo techno-sinfónico.

Reviews New Age - Discovering Music Lo nuevo de Resonance se llama "Light Continuum"

Foto: Jesús Duque Cranny

El productor canario Javier Pérez Rodríguez, oculto tras el alias Resonance, regresa con su última creación. Light Continuum se presenta como una banda sonora techno-sinfónica que narra un viaje emocional y que toma como concepto la simbología de la luz como un elemento que es frágil y fuerte, transportador y estático, fugáz y perpetuo…

Resonance ofrece una visión particular y poética de la música electrónica pero sin abandonar su amor por los sonidos de club que ha ido desarrollando a lo largo de su carrera y que ha fusionado inteligentemente con estilos tanto underground y experimentales como con aquellos de estilo pop más accesibles, abarcándo de esta manera sus producciones un amplio espectro sonoro y de público.

Light Continuum contiene piezas vocales e instrumentales que se antojan como verdaderos himnos preciosistas y rudos pero con el denominador común de situar al oyente en un entorno ensoñador rodeado del paisaje onírico que generan sintetizadores embriagadores, guitarras planeadoras y sonidos multicapa. Pura música electrónica apta para soñar y para la pista de baile.

El álbum, editado por El Hombre Bala Records, estará disponible a partir de Octubre en formato vinilo, digital y una una edición limitada en VHS con imágenes del artista visual Vk Monitor.

“Metals Upon The Air” será el single adelanto del nuevo trabajo del productor y se estrenará en Septiembre, justo un mes antes del lanzamiento oficial del álbum. Este single incluye 2 cortes: “Radio-edit” y “Club Mix”.

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Reviews New Age - Discovering Music Marika Takeuchi - Colors in the Diary

Colors in the Diary
Marika Takeuchi
2016
47 minutos

Carrera meteórica para esta artista nipona que surgió de la mano de MRG Recordings, pequeña filial de Domo Music, casa de Kitaro, y que ahora en su nuevo trabajo abandona el estilo que la dio a conocer para aventurarse en el estilo habitual del productor y ganador del Grammy, Will Ackerman; el género acústico que viste de color a Colors in the Diary, el nuevo trabajo de Marika Takeuchi y con el que comienza un punto de inflexión en la carrera de la artista.

El CD se presenta con “Frozen Lake”, una pieza para solo piano y chelo de carácter nostálgico y tintes grisáceos. El piano es romántico, sutil, mientras las cuerdas del chelo le ofrecen el tono amargo al tema.

“Green Field” es amable, enternecedora. El piano dibuja una melodía cálida y sencilla que se convierte en un bello baile de notas y acordes…

Un piano más, así es “Blue Falls”. Repitiendo prácticamente la composición del primer track del álbum, Takeuchi da vida a la primera pieza para solo piano del álbum.

Continuos arpegios de acordes visten cada uno de los cortes de Colors in the Diary y así se presenta “White Mountains”. Piano y violín dan vida a la que posiblemente sea la composición más bella del álbum, especialmente por el brillo que le ofrecen las cuerdas al tema.

Hasta el momento, las piezas escuchadas son cuadriculadas, sin alma, donde el piano es rápido y técnicamente poderoso, pero sin una melodía trabajada. Esto mismo ocurre con “Gray Clouds”, donde en solitario, Takeuchi recorre el teclado del piano.

Algo diferente es “Remembrance”. Esta vez, la música es tratada con mimo, con sentimiento, y la melodía arropa al oyente. Y aunque sigue siendo muy diferente a lo que Marika nos tenía acostumbrados, sí es cierto que se asemeja bastante. Romántica y cuidada, así es “Remembrance”.

El tema más completo de todos a pesar de su sencillez, y sin lugar a dudas, la pieza a destacar sobre todas es “Ocean Wild”. Interviniendo por primera vez un sintetizador, algo que le aporta cuerpo y luz a la composición.

“Nostalgia” es más bien dolor, incluso rabia, por el tono desordenado del comienzo. La pieza, escrita para solo piano, repite hasta la saciedad unas notas perturbadas, que en ocasiones se tornan relajadas.

Regresamos a la demencia de los acordes raudos. “Into the Storm” combina chelo y piano, siendo el chelo el verdadero protagonista, el instrumento que ofrece la melodía principal mientras el piano no realiza variación ninguna prácticamente.

“Sparkling Sky” es suave, muy cercano al piano Whisperings que solemos disfrutar, similar al carácter de David Nevue o Philip Wesley en sus primeros trabajos. “Sparkling Sky” es placentera, ensoñadora, pero sobretodo hermosa. ¡Sublime!.

Un waltz hace aparición, “Colorful Mind”. Nuevamente, una obra de arte donde juegan chelo, violín y piano, una conversación a tres más que perfecta, muy compleja y completa al mismo tiempo. Sin lugar a dudas, otra composición muy destacable de Colors in the Diary.

Esperanzadora, conmovedora, así es la pieza que cierra Colors in the Diary. composición, que a pesar de machacar los mismos acordes constantemente, posee unas variaciones muy acertadas, creando una melodía cálida e interesante.

Unir New Age y Clásico es fácil si se posee la Maestría para ello, Marika Takeuchi la tiene, pero en esta ocasión deja a Ackerman tomar las decisiones, sacrificando el encanto orquestal que nos regalaba la compositora en sus primeros trabajos. Piezas breves e intensas, perfectas,  y que en esta ocasión se han eliminado, acudiendo al sonido acústico habitual de las producciones del Ganador del Grammy, Will Ackerman. Gran álbum, pero no es el sonido sinfónico de Marika Takeuchi.

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reviewsnewage.com
02/09/16

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