Miércoles, 17 Mayo, 2017
Home Authors Posts porAlejandro Clavijo

Alejandro Clavijo

Alejandro Clavijo
1129 POSTS 142 COMENTARIOS
Existe otro estilo musical. Fundador de ReviewsNewAge.com, editor de noticias y discos. Escribir se ha convertido en un segundo y placentero trabajo.

Michael Hoppé sorprende con uno de los diseños y presentaciones más bellas para el formato vinilo de uno de sus mejores trabajos.

Edición SuperDeluxe  y limitada de Solace, el gran éxito de Michael Hoppé

Fotógrafo: Rebecca Hoppé / Diseñador: Richie Wang

Michael Hoppé, uno de los pianistas y compositores más exquisitos y venerados del clásico moderno, sorprende a sus seguidores con el lanzamiento de una Edición Super Deluxe y limitada del álbum que le valió la nominación al GRAMMY en 2003 y se encuentra entre Los 50 Mejores Álbumes New Age de todos los Tiempos.

Solace se reinventa por primera vez en vinilo y en un formato único gracias a Richie Wang, diseñador de la compañía taiwanesa Serenity International Corporation. Serenity International Corporation (Serenity Records) se especializa en el formato vinilo, creando boxes con presentaciones únicas y brillantes, exquisitas, algo que llamó la atención de Hoppé y que casa perfectamente con la música del afamado compositor.

Con una tirada limitada de 500 copias (numeradas), la primera edición de este Box de Super Lujo sólo estará disponible para la República de China por petición única del compositor, aunque dejando una puerta abierta a la esperanza para todos los seguidores de Hoppé, ya que una segunda edición podría estar disponible a nivel mundial.

El box, ya disponible en la Facebook Fan Page del sello discográfico (web oficial de la compañía en construcción), sale a la venta con un precio de 2380 TWD ($79) y en su lujosa presentación encontramos:

  • Una caja de lujo realizada de cuero artificial, Anti-suciedad y huella dactilar.
  • Outer Sleeve: Papel de 600 libras con CMYK + Pantone en color metálico, protección transparente mate, logotipo, impresión arenosa especial en la parte posterior.
  • Inner Sleeve: papel de 300 libras con pantone de 2 colores, protección transparente mate.
  • Vinilo transparente de 180gr PURE White Jade por Optimal Media GmbH.

Michael Hoppé es un compositor, productor del Reino Unido residente en los Estados Unidos. Durante muchos años, fue director de A&R para el sello discográfico PolyGram. Descubriendo a artistas como Vangelis (quie trabajaría posteriormente en Solace), Jean Michel Jarre y Kitaro para el sello, además de ABBA y The Who. En 1984 abandonó el negocio de la música para componer y trabajó como consultor de música en Los Ángeles. Su discografía contiene casi 30 álbumes en la categoría “New Age” o “Clásica”. Su música ha sido presentada en el cine y la televisión como The Sopranos, The Oprah Winfrey Show, entre muchos otros.

Richie Wang de Serenity Records nos avanza en exclusiva que el próximo mes de Mayo se lanzará el Box Super Deluxe del álbum Romances for Solo Piano (2007), otro de los grandes trabajos de Hoppé. Otra Super Edición Must Have!.

Test de sonido antes de la fabricación:

0

Michael Logozar - Shine

Shine
Michael Logozar
2015
43.1 minutos

Como primaveral, alegre y radiante se podría definir Shine, el nuevo trabajo del americano Michael Logozar. Compuesto por doce obras para solo piano, Shine se presenta en un sencillo digipack, sin booklet, pero con un arte muy llamativo y colorido; muy apropiado para la música que encontraremos en su interior.

“Shine” abre el álbum. Aunque hay contadas piezas tan resplandecientes como “Shine”, sí es cierto que las que hay son bellísimas. “Shine” es una introducción positiva y rítmica, seguida de una depurada técnica. Sin lugar a dudas, un comienzo prometedor.

La composición sincera, entrañable e íntima de Shine lleva como título “The Color of Love”. Nuevamente, una melodía pegadiza, pero esta vez con un perfil más emotivo, sentimental. El comienzo no podría ser mejor.

Las composiciones son trabajadas en Shine, Logozar compone melodías sencillas y pegadizas, pero cada una con un carácter propio; cada una requiere una técnica diferente, pero siempre hermosas. “A Light is Born” es emocionante, difícil no estremecerse con sus notas altas y la acertada melodía. ¡Magnífica!.

“Shimmer” nos devuelve a un tempo más acelerado, pero sin prescindir de una música amable y difícil de olvidar. “Shimmer” consigue sacar del oyente los recuerdos más especiales, aquellos que incluso tienen aromas.

Situada más cerca de la nostalgia se presenta “Before the Dawn”. Triste y abrumador en sus acordes, la música fluye con dificultad, con gran pesar… Pero continuando con una música poderosa, capaz de retenerse en la mente.

El susurro hecho música. “Returning”, con un levísimo toque esperanzador, hace aparición jugando con los silencios, acariciando las notas… Logozar crea algo tan simple y a la vez tan admirable que se hace difícil no escuchar con atención cada nota, cada acorde. ¡Único!.

La pieza más especial del álbum. No sé si por su perfecta conjunción de notas, por el derroche de energía y emociones que desprende, pero el caso es que es especial. Cercana las composiciones de Einaudi, Logozar da vida a una pieza especial, con una melodía muy llamativa y con un toque de romanticismo muy peculiar. “First Dance” es el mejor de los bailes, emocionante.

Con tono agridulce nace “Reminiscence”, donde se combinan oscuros fragmentos con notas tranquilizadoras y nuevamente, pegadizas. “Reminiscence” es la banda sonora de la melancolía.

Interpretada en la zona más alta del piano, “Devotion” es una sensible y tierna canción de cuna donde nuevamente el pianista juega con los silencios. “Devotion” invita a soñar, a sonreír, a vivir…

Introspectiva a más no poder, así es “Reverie”. Acordes repetitivos y suaves que crecen y decrecen como si de una onda se tratase… Una delicia, un suspiro.

Michael, en los últimos tracks nos desvela su lado más personal, más íntimo; así ocurre con “Clearing Skies”, que tras un título aparentemente alegre, se descubre una música enternecedora y amable, más bien espiritual, elevadora.

Shine concluye con “Springtime”. Dulce y juguetona melodía caracteriza a “Springtime”, donde Logozar se recrea en la zona alta del piano mientras su izquierda marca el tempo para una música capaz de dibujar una sonrisa en el oyente.

Composiciones con llamativas melodías visten de color a Shine, el último trabajo de Michael Logozar. Shine es muy original en cuanto a composición; el pianista ha ido en busca de la mágica melodía en cada una de las obras que lo componen, consiguiendo un álbum muy atractivo al oído. Shine es un trabajo muy altamente recomendable..

AmazonAmazon.esSpotifyiTunes

reviewsnewage.com
25/04/17

0

Steven Cravis - Cloudwalker

Cloudwalker
Steven Cravis
2016
65 minutos

Han pasado años hasta que hemos recibido un álbum del propio Steven Cravis, uno de los compositores y pianistas más respetados de la New Age en Estados Unidos. Su último trabajo, Cloudwalker, es un trabajo que se compone de nada menos que de diecisiete cortes que gozan de caracteres muy diferenciados, pero que a su vez comparten emociones; unas veces  radiantes y en otras ocasiones, sensaciones más emotivas. Cloudwalker es un largo paseo que invita a evadirse, a soñar… ¡A vivir!.

No se podía presentar de otra forma que con el track que da título al álbum. “Cloudwalker” es alegre, jubilosa, pero conservando un interesante  toque de ternura. Las manos de Cravis recorren el piano con sumo cuidado, pero manteniendo un tempo seductor.

Con más prudencia surge “Stairway to Spirits”, posiblemente la pieza con la melodía más atractiva de todo el CD a pesar de su apagada composición. La mano izquierda marca el compás a una diestra que interpreta unas llamativas notas.

“Poppy” es jguetona, entrañable. A golpe de un tempo muy marcado, Cravis compone una música que nace en zona más alta del piano con una calidez sobrenatural. Una música inofensiva repleta de dulzura.

Volviendo al lado más reservado del pianista, se presenta “Between Ages”. La melodía principal se repite hasta la saciedad, surgiendo fugazmente algunas variaciones o fragmentos que rompen durante unos segundos la quietud creada por las notas repetidas.

Íntima y minimalista, así es “5 am”. Como un susurro, las notas con pesadez se van abriendo paso mientras el silencio abre huecos en ellas… “5 am” pide a gritos una escucha con los cinco sentidos.

Conservando prácticamente el estilo del track anterior, se presenta “Keep Trying”. De nuevo, la composición parece apesadumbrada, de fluir lento, pero con ciertos segundos de querer brotar con energía. Una delicia.

Llega la alegría de nuevo. “Pavla’s Boy” es un soplo de aire fresco, de luz. Son de esas composiciones que visten de primavera el momento. La melodía es hermosa e irradia optimismo a raudales.

Repetitiva pero pegadiza en melodía, así es “Landing”. De principio a fin, las notas principales se repiten, pero en absoluto se hacen pesadas, la composición es atractiva.

Extremadamente tranquila y levemente oscura. “Resolve” es un manso de paz que invita a cerrar los ojos y a descansar, pero sin quitar oídos a sus notas. “Resolve” está interpretada con mimo, con un sutil toque y donde nuevamente los silencios son parte de la partitura.

Pasión, extremo cuidado y sobre todo, romanticismo. “Opening, A Rose Revealed” ofrece el toque romántico a Cloudwalker; una música que podría ser la base a una bella canción…

Otra de las melodías a destacar en Cloudwalker es “Starting Over”. Aunque grave y carente de un tempo alegre, sí es cierto que sus notas respiran una magnífica belleza. “Starting Over” es realmente seductora, hipnótica en algunas ocasiones.

Versiones a piano hay incontables. Steven Cravis hace lo propio con “Somewhere Over The Rainbow”. Una conocida entre tantas composiciones originales.

Con toque a jazz, triste, nace “Summer City Night”. Una pieza que va tornándose más amable con el paso de las notas y acordes. El toque jazzístico de Cravis es un deleite, atractivo para ser observado mientras toca el piano.

Intensidad reprimida en “Think it Over”. El pianista golpea con contención los acordes del piano, como queriendo romper la calma, pero nada más lejos. Steven juega con los acordes para establecer un momento de tranquilidad bajo unas melodías sencillas y hermosas.

Versión que Steven Cravis realiza del “Children’s Crusade” de Sting es sensacional. Es la melodía más pegadiza de todo el álbum, quizás por ser la más conocida, pero sí es cierto que Steven sabe darle un toque fantástico a la composición original.

Sobrecogedora y bellísima. A pesar de su sencillez, es tal la pasión y las sensaciones que transmite “Petals Falling Onto Water” que es posiblemente la mejor pieza de todo el álbum. La conjunción de silencios y acordes es única y la melodía principal efímera y acertada. ¡Fantástica!.

Cloudwalker se clausura con una canción de cuna. “Lullaby” es entrañable, enternecedora. Interpretada con el corazón, Cravis acaricia las notas del piano para ofrecerle el toque justo de tensión y cariño. Un final cerrado para un gran álbum.

Cloudwalker es el álbum perfecto para desconectar, para disfrutar de un piano sin interrupciones. Steven Cravis ha creado la música perfecta para dar más color a un día soleado, primaveral gracias a diecisiete composiciones de carácter amable y optimista. Cloudwalker es un álbum recomendable.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
17/04/17

0

Samer Fanek - Wishful thinking

Wishful Thinking
Samer Fanek
2016
46.3 minutos

Wishful Thinking es la presentación del pianista y compositor polaco-jordano Samer Fanek, un debut majestuoso donde el piano y la orquestación juegan a unos niveles altísimos y cuentan con una producción exquisita a manos del ingeniero Alex Sterling. Similar a una de sus grandes influencias, Yanni, el pianista presenta el álbum con trece composiciones contundentes donde las cuerdas representan el ímpetu y el piano la armonía y la sensibilidad.

“Wishful Thinking” abre el CD. Con un comienzo melódico y delicado, el piano va in crescendo, dejando paso a sintetizadores y cuerdas que van tomando el relevo hasta conseguir un clímax romántico y prodigioso. Si el tema principal marca el carácter general de este debut, las sensaciones serán estupendas.

Con algo de más serenidad y madurez se presenta “Universe”. Synth pads y baterías cargan a la composición de una notable fuerza que se ve incrementada por el surgir del sonido de la guitarra eléctrica. ¡Brutal!.

“Freefall”, como las dos anteriores, posee un comienzo profundo, relajado, hasta que va haciendo aparición la orquesta. Es entonces cuando suponemos qué nos vamos a encontrar… La música se transforma nuevamente, pasando de un estado de quietud a otro totalmente esplendoroso. En “Freefall” es facilísimo descubrir a Yanni. La producción es calcada.

Con magia se presenta “Un Cuento de Hadas (Fairytale)” una pieza que recuerda con mucha fuerza a “Felitsa”, uno de los éxitos de Yanni. “Fairytale” cuenta con una producción extraordinaria.

Nuevamente la grandiosidad acompaña a un piano melancólico, oscuro. Siempre la introducción la realiza el piano, esperando que la orquesta sea quien tome el relevo para dejar al oyente sin aliento. En este caso  no es diferente; “Lost Waltz” al compás de un romántico y oscuro baile se va abriendo paso el piano, mientras la orquesta va tomando terreno.

“Ready to Go” es alegre, con un comienzo totalmente diferente a todo lo escuchado con anterioridad. En esta ocasión el piano toma las riendas y nos regala una melodía alegre que sigue con fuerza la orquesta. “Ready to Go” es pura vitamina, fuerza y energía.

Como un lamento surge “Left Behind”. Los violines y el resto de la orquesta magnifican el dolor que en un principio mostraba el piano en un in crescendo sobrecogedor. Volvemos a disfrutar de una producción calcada al músico griego.

Realmente es interesante el piano de Fanek, de hecho, debería dar mucho más protagonimo a su piano que a la superproducción orquestada. “Fantasy” es un gran ejemplo, posee un piano introductorio exquisito, pero se va enmudeciendo con la aparición de la orquesta. No obstante, es un grandísimo tema.

Es posiblemente la composición más íntima del álbum, aunque conservando el estilo habitual del mismo. “Desperation” es posee menos orquestación que el resto de tracks pero son suficientes para ofrecer al tema una profundidad y una pasión inefables.

En “Escape”, de alguna manera, suena muy artificial los instrumentos. Se aprecian que la mayoría de ellos son sintetizados. A pesar de ello, una gran producción.

“Remember Me” es nostalgia pura, un toque de melancolía pero sin un ápice de tristeza. La orquesta y las notas altas del piano nos regalan coloridos recuerdos, breves, pero intensos. Magistral.

Regresando al poderío y a la tensión surge “Exhibition”. Un pieza que irradia energía y luz, pero con una melodía muy repetitiva en casi cuatro minutos.

Wishful Thinking finaliza con “Finding Closure”. Esta composición, grandiosa como el resto, deja un final muy cerrado a un álbum que tiene como objetivo sorprender gracias a una producción brutal.

En cuanto a la producción, la influencia de Yanni es más que notable, de hecho en exceso. Con menos tracks y unas melodías más elaboradas, estaríamos hablando de uno de los mejores álbumes del año, sin lugar a dudas. Samer Fanek, pese a su juventud, ha creado el debut del año. Wishful Thinking es grande, en ocasiones, poderoso.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
16/04/17

0

Todd Mosby - On Eagle Mountain

On Eagle Mountain
Todd Mosby
2016
45.3 minutos

Calma continua, sin interrupciones ni pausas y moviéndose en la confortable y plácida disciplinadel yoga. On Eagle Mountain es el álbum debut del guitarrista de Misuri, Todd Mosby, innovador guitarrista y compositor en los géneros New Age, Jazz y World Music, y que por primera vez se pone en manos del ganador del Grammy, Will Ackerman, para dar vida a este primer trabajo.

El álbum se presenta con “Spirit Of The Mountain”. Mosby acude al profundo sonido de la guitarra Imrat, un instrumento híbrido de 20 cuerdas formado por una guitarra acústica y un sitar. El tema es una presentación muy calmada, revelando el que será el perfil general del álbum.

Con menos de dos minutos aparece “Soaring”. Sintetizadores que suspiran se unen al viento plácido de Premik Russell y a las cuerdas de Mosby. El tema al completo es la voz del viento, el susurro de la brisa a través de las montañas.

“Soaring” es el preludio de “Eagle Mountain”, donde se mantiene la misma producción de la breve composición anterior, pero haciendo fuerza (sin excesos) en la guitarra. Candente tempo, sutil y muy marcado, donde la guitarra es una auténtica seductora.

“Falling Light” realiza un ligero cambio, se sale de la tangente para ofrecer al oyente más ritmo y una producción más compleja. Uniendo a Noah Wilding (voz), Premik Russell (ewi), Charlie Bisharat (violin) y a Jeff Haynes (percusión), el guitarrista da vida a un tema realmente movido, portador de buenas sensaciones y energías.

Guiño a su tierra natal. “Colorado, Missouri” es entrañable, prácticamente un solo de guitarra por Todd, con algunos bellos guiños de vientos de Jill Haley. “Colorado, Missouri” es pacífica, perfecta.

De vuelta al ritmo surge “Jack’s Fork”, donde de nuevo se juntan todos los músicos para ofrecernos una música rítmica y sugerente, donde la guitarra es la encargada de marcar el tempo, mientras el resto de instrumentos florecen para brindar atrayentes y dulces melodías.

Con más pasión que la pista anterior nace “Spirit Dancer”, composición que saca lo mejor del Imrat, del saxo y del chelo a golpe de percusión. Wilding mientras tanto, endulza con su profunda voz al mismo tiempo que Todd Mosby, Premik y Friesen se regodean entre acordes y notas alternativamente. ¡Magistral!.

Más íntima, personal, y aunque sólo aparezca la guitarra como instrumento, el guitarrista sabe dar el toque de pasión necesario para captar toda la atención del oyente. “Ode to Joe” es un solo de guitarra magnífico, pieza que invita a la evasión. Preciosa composición.

Como un susurro o una canción de cuna, pero incluyendo una suave percusión, aparece “Moon Song”. Bajo y oz deberían ser los auténticos protagonistas, pero Mosby acude a su guitarra y al violín para ofrecer un toque más cálido a un tema que merece ser más apacible.

Continuando con la tranquilidad de la noche surge “Mountain Lullaby”, donde esta vez sí se mantiene al oyente en un estado de auténtica paz. Para “Mountain Lullaby”, el guitarrista sólo se sirve de sus acordes rasgados y el recóndito e hipnótico sonido del chelo. ¡Bellísimo!.

Para dar fin a On Eagle Mountain, Todd Mosby presenta “Star Song”, la pieza que cierra el trío de temas indicados para el descanso. Aunque se vuelve a acudir al sonido de la percusión, es cierto que no rompe en absoluto con su fin; alcanzar la paz.

On Eagle Mountain es una muestra de calidad instrumental asombrosa. El primer álbum de Todd Mosby combina una exquisita producción con un carácter lineal perfecto, lo que lo hace un álbum interesante para su escucha con atención, desgranando cada melodía, cada instrumento. Sin duda, estamos ante un gran trabajo.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
03/04/17

0

El pianista italiano se posiciona como el segundo compositor más escuchado en España.

Ludovico Einaudi se revela como una de las referencias fundamentales en música clásica en España

Aparentemente hoy en día la música clásica, sus autores, compositores y artistas permanecen ocultos en las listas de éxitos y ya poco se habla de las últimas novedades en este género (salvo que acudas a espacios muy especializados). Sin embargo, los datos de Spotify sobre consumo de música clásica en España demuestran dos cosas: la música clásica goza de buena salud en nuestro país y que los españoles están fascinados por Ludovico Einaudi.

Y es que, si se comparan las cifras de escuchas de música clásica en todo el mundo con las españolas, se ve cómo los españoles consumen de media un 30,84% más de música clásica que el resto del mundo.

Por otro lado, Ludovico Einaudi se revela como una de las referencias fundamentales en música clásica para los españoles. Solo así se explica su presencia en todas las listas que ofrece Spotify, colocándose como el segundo compositor más escuchado en España (superado únicamente por Bach) y como el intérprete de música clásica favorito de los españoles.

Por si esto fuera poco, el compositor y pianista italiano también ha logrado posicionar 5 de sus composiciones más famosas en el top 10 de canciones de música clásica en España, ocupando cuatro de ellos las cuatro primeras posiciones de la lista.

Eso sí, entre los perfiles más recurrentes de los oyentes de música clásica españoles no encontramos a los menores de 35 años de ningún género, demostrando así que todavía queda mucho trabajo por hacer para acercar este tipo de música a los más jóvenes.

A día de hoy, los españoles son de los que más música clásica escuchan en Spotify y, aunque no ocupe puestos en las listas de éxitos y algunos artistas como Chad Lawson o James Rhodes consigan que algunas de sus piezas nos suenen un poco más, el clásico será un género que siempre estará bien representado en la historia musical. Puedes escuchar más música clásica en la sección “Explorar” sobre música clásica.

Top 10 de compositores de música clásica en España:
1.    Johann Sebastian Bach
2.    Ludovico Einaudi
3.    Wolfgang Amadeus Mozart
4.    Frédéric Chopin
5.    Ludwig van Beethoven
6.    Antonio Vivaldi
7.    Max Richter
8.    Giacomo Puccini
9.    Philip Glass
10.  Giuseppe Verdi

Top 10 de intérpretes de música clásica en España:
1.    Ludovico Einaudi
2.    Max Richter
3.    Dustin O’Halloran
4.    Ólafur Arnalds
5.    Nils Frahm
6.    Luciano Pavarotti
7.    Berliner Philharmoniker
8.    Wiener Philharmoniker
9.    Goldmund
10.  Herbert von Karajan

Top 10 de canciones de música clásica más escuchadas:
1.    Ludovico Einaudi – Nuvole Bianche
2.    Ludovico Einaudi – Una Matti
3.    Ludovico Einaudi – Elegy For The Arctic
4.    Ludovico Einaudi – Divenire
5.    Max Richter – Departure (Home)
6.    Nils Frahm – Because This Must Be
7.    Nils Frahm – Ambre
8.    Samuel Barber – Adagio for Strings, Op. 11
9.    Michael Nyman – The Heart Asks Pleasure First/The Promise – Edit
10.  Ludovico Einaudi – Night

Top 5 de perfiles de oyentes españoles de música clásica:
1.    Varón de entre 45 – 54 años
2.    Mujer de entre 35 – 44 años
3.    Mujer de entre 45 – 54 años
4.    Varón de entre 35 – 44 años
5.    Varón de más de 55 años

0

El intérprete y compositor francés actuará en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio ante 6.000 personas.

Jean-Michel Jarre ofrecerá un concierto en el exterior del Monasterio de Santo Toribio de Liébana en 2017

Edición: Reviews New Age

Las entradas para ver a Jean-Michel Jarre en el concierto inaugural del Año Jubilar Lebaniego salen a la venta este lunes, 20 de marzo, a partir de las 10 de la mañana.

Los canales de venta oficiales son la web del evento www.jarreinliebana.com y la Red Ticketmaster (www.ticketmaster.com), que incluye Carrefour Viajes, Fnac, Halcón Viajes y el teléfono de pago 902 150 025.

Además, a partir del martes, 21 de marzo, entrará en servicio el ‘Punto de venta físico de entrada reservadas exclusivas’ del Centro de Estudios Lebaniego, en Potes. Allí se pondrán a disposición de las personas interesadas 750 localidades. El horario de atención al público será de 10 a 14 y de 16 a 18 horas.

Seis mil personas podrán seguir en vivo el espectáculo ‘The Connection Concert’ que se celebrará el 29 de abril en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio de Liébana, en Potes. La actuación, que será retransmitida en directo vía streaming a todo el mundo, forma parte de las actividades programadas por el Gobierno de Cantabria para conmemorar el Año Santo.

El ‘padre de la música electrónica’ integrará su música con el Monasterio en un espectáculo de luz y sonido con el que quiere marcar “un hito” en la historia de este lugar santo. No ha adelantado muchos detalles sobre la música que interpretará, pero sí ha asegurado que “habrá sorpresas” y contenido específico creado para esa actuación.

Se recomienda comprar entradas solo en los canales de venta oficial para evitar así posible falsificaciones o problemas de acceso al concierto.

TODA LA INFORMACIÓN

La web oficial www.jarreinliebana.com incluye toda la información relacionada con el concierto, la compra de entradas, el servicio de autobuses y lanzaderas que funcionará el día del concierto, así como otras recomendaciones importantes relacionadas con el espectáculo.

Otro canal de promoción e información son los perfiles sociales del evento en Facebook y Twitter (@jarreinliebana). Además, está activo un servicio de información a través de correo electrónico para quienes faciliten sus datos en la página oficial, de cara a comunicar cualquier novedad sobre el evento.

Por otro lado, se instalará en Potes un ‘Punto de Información al Peregrino y Taquilla’ para facilitar toda la información necesaria relacionada con el espectáculo, compra de entradas, servicios especiales, así como las restricciones de acceso al Monasterio de Santo Toribio.

‘THE CONNECTION CONCERT’

El espectáculo de Jean-Michel Jarre, que comenzará a las 21:30 horas, se celebrará la semana siguiente a la apertura, el 23 de abril, de la Puerta del Perdón del Monasterio, símbolo que marca el inicio de la celebración del Año Jubilar, que se prolongará hasta el 22 abril de 2018.

“Santo Toribio es especial para los cántabros, para los europeos y para todos los ciudadanos del mundo. Es un lugar espiritual, al nivel de Santiago, Roma o Jerusalén. Es Historia y, como tal, nos pertenece a nosotros, a nuestra cultura y debemos promocionar este lugar para el mundo y para la generaciones venideras, especialmente en un momento como éste en el que vivimos ante tantos retos políticos. Es un importante legado”, ha asegurado Jarre.

Jean-Michel Jarre reconoce que es “un honor” como artista, como francés, como europeo y como embajador de la Unesco protagonizar un concierto en este lugar santo de la Cristiandad, y formar parte de su historia.

‘The Connection Concert’ se iniciará con un juego de luz y color proyectado sobre el templo lebaniego antes del concierto, y tras el concierto, seguirá habiendo retazos musicales y visuales. Una metáfora de que “Santo Toribio estaba ahí antes y seguirá estando después”, tal y como ha señalado el artista galo.

Fuente: Europapress

Dream Cycle, la expresión artística de un hombre que quiere contribuir a la gente dándoles un nuevo acceso al descanso y al sueño.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle

El dos veces ganador del Premio Emmy® y reconocido compositor y arreglista Michael Whalen presenta su nuevo trabajo, Dream Cycle, un viaje al mundo del bienestar usando sus propias experiencias con el aprendizaje sobre el sueño y la pérdida de peso.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle  Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle  Meses de creación de casi un millar de sonidos, texturas, bucles electrónicos y muestreos salidos de una gran variedad de fuentes e instrumentos, Whalen afirma: “Mucha de la música del álbum es muy melódica, así que quería enfocarme en crear entornos sonoros alrededor de esas melodías“, dice. “Es un proceso muy diferente a componer melodías; La creación de sonidos como estos es como saltar en un recipiente de pintura y salpicar alrededor para ver qué surge. Pero yo no trataba de crear simples“, añade. “En la creación de los mismos me preguntaba, ¿es emocional?, ¿Es hermoso?. Me inspiraron los sonidos tradicionales que la gente ha asociado con el sueño durante siglos: cajas de música y percusión metálica (campanas)“.

Trabajando en su estudio en Brooklyn con diversos sintetizadores antiguos y equipos de última generación, Whalen moldeó sus sonidos y conceptos para Dream Cycle. “Mi estudio es un pequeño espacio eficiente. Usando mi colección de instrumentos, puedo hacer más y mucho más rápido que en los años 90 cuando tuve 40 sintetizadores (incluyendo un Fairlight CMI y un Synclavier System)“.

Whalen decidió incluir pistas vocales en Dream Cycle, aunque tenían que ser voces muy particulares. Buscando en Google encontró a la cantante Amy Robbins-Wilson. “Amy vive en Maine, donde se especializa en cantar canciones de cuna a capella“, dice Whalen. “La llamé y ella entró en un estudio para grabar “Hush (Hush, Little Baby)”. Cuando me envió la grabación, construí toda la pista alrededor de su voz, lo cual es absolutamente hermoso. ¡No podría haber ido mejor, aunque todavía no nos conocemos!“.

Otros invitados incluyen a la célebre artista celta Liz Madden en un tratamiento hipnótico de “Little Star (Twinkle)”, con tintes electrónicos y sprinkles. Kathy Fisher, de Los Ángeles, hizo una re-imaginación vocal del éxito de los años 80 “Sweet Dreams”. Y The New Tarot, un nuevo y maravilloso dúo de Brooklyn, que realiza una excepcional versión de “Dream” de The Cranberries.

Escuchar el CD Dream Cycle de Michael Whalen es una excelente manera de crear el estado de ánimo para evadirse y relajarse antes de dormir.

El noveno álbum de la “Primera Dama de la Música Celta” disponible el 24 de Febrero. Su primer álbum en solitario en 10 años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan

Moya Brennan, reconocida como la cantante principal de Clannad y a menudo llamada la ‘Primera Dama de la Música Celta‘, publicará el próximo 24 de Febrero CANVAS. En los últimos años, Moya Brennan ha pasado mucho tiempo con el resurgimiento de su banda familiar, Clannad y también trabajando estrechamente con el virtuoso del arpa, Cormac De Barra, en su colaboración de Voices & Harps.

Después de haber dicho adiós a su padre Leo que falleció el pasado mes de junio y después de haber soportado la trágica muerte de su compañero en Clannad (y tío) Padraig Duggan en agosto, la cantante está dispuesta a dejar la tristeza atrás y regresar con un renovado espíritu y entusiasmo publicando el que será su primer trabajo en solitario tras diez años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan  CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan  CANVAS, el noveno trabajo de Moya Brennan, marca un regreso a su estilo celta contemporáneo, combinando su sello distintivo, armonías vocales atmosféricas con nuevos ritmos e instrumentación. Pero lo que hará que este nuevo álbum sea tan diferente es que, por primera vez, Moya está trabajando en el estudio con su familia. Su hija Aisling como ingeniero de sonido, productora y cantante-compositora, y su hijo Paul, que ha aplicado sus habilidades electrónicas a CANVAS con un resultado emocionante.

El título del álbum proviene del redescubrimiento de Moya por su amor a la pintura (La propia cantante pintó el diseño del CD). Moya presentará el álbum en la primavera de 2017 (Alemania, Holanda, Polonia, Reino Unido).

Ganadora del Grammy, Moya Brennan ha pisado la mayoría de los Grandes escenarios del mundo y ha colaborado con incontables y grandes artistas, incluyendo a Bono, The Chieftains, Bruce Hornsby y Robert Plant. Entre sus créditos cinematográficos está su colaboración (y co-escritura del tema principal) con Hans Zimmer en El Rey Arturo.

Track Listing:

River of Songs
A Portrait of my Life
Nuair a Bhí Óg
Going Home
Children of War (Disponible ya en iTunes)
Where We Once Met
Do’n Pháiste Óg
You Never Know
The Duel
Where You Belong
Banríon

CANVAS, publicado por BEO Records (sello de la familia Brennan) y distribución por A-Train Entertainment, ya puede ser reservado en iTunes y Amazon.

La quinta entrega de Satélite Oldfield ya está disponible.

Satélite Oldfield V: Return to Samaka, el disco benéfico de fans de Mike Oldfield

A finales de 2006 nació en la web Mike-Oldfield.es un proyecto musical llamado Satélite Oldfield, una recopilación de temas originales compuestos por miembros habituales del foro de la web, en su gran mayoría inspirados en la música del inglés Mike Oldfield. La experiencia se repitió en tres ocasiones más, la última de las cuales en 2010, Satélite Oldfield IV: Samaka, consistió en crear una gran suite dividida en dos partes, compuesta e interpretada también por varios miembros del foro de Mike-Oldfield.es, dedicada a un desaparecido compañero.

Cuando se cumplían 10 años de aquella primera experiencia y coincidiendo con el inminente lanzamiento de Return to Ommadawn, surge la creación de la que sería la quinta entrega e ir más allá. Satélite Oldfield V: Return to Samaka sería un disco benéfico cuyos beneficios irían destinados a la ONG Matumaini de ayuda a niños y niñas en situación de calle o riesgo de exclusión social en Karatu (Tanzania). Además, el disco incluye 2 temas interpretados por niños y niñas asistidos por la ONG Mwema Children (y otros 2 en el EP adicional).

Tras una coordinación en tiempo récord por parte de la organización del proyecto y con la colaboración de más de 15 artistas admiradores de Mike Oldfield, Satélite Oldfield V: Return to Samaka se hizo realidad el pasado 3 de febrero con el pre-order de la ediciones en CD y digital.

Desde la plataforma Bandcamp se puede adquirir el CD en edición digifile limitada incluye 14 temas + Bonus EP digital con otras 6 canciones. También disponible en formato digital. La recaudación de las ventas se destinará íntegramente a la ONG Matumaini.

Los Satélite Oldfield se han caracterizado por aunar un eclecticismo musical que tiene el influjo de Mike Oldfield como hilo conductor: desde el folk y el progresivo, al ambient, new age y electrónica, en una cautivadora fusión de estilos.

Entre los músicos que participan en el proyecto, encontramos a: Guitar Tune, Adrián Gómez, Agustín Saminon, Eybec, Miguel Engel, Marcos Tauroni, TSODE, Suzuka, Rob Valentine, Feisar, Roberto García, Marcos Goitia, Dani Mena, Marcos, Joni y Alberto, Jaime Parada y Álvaro Núñez.

0

Lena Natalia - Sundays in Paris

Sundays in Paris
Lena Natalia
2015
33.2 minutos

Sundays in Paris es el álbum debut de la pianista americana, que durante años estuvo afincada en la Ciudad de Las Luces, Lena Natalia. Nostálgico trabajo comprendido por doce breves cortes de contundentes notas y diferentes matices que arrastran al oyente hacia solitarios y coloridos barrios de Paris. Fuerte apego el de Natalia por su dejada ciudad.

Sunday in Paris nace con “Le Jardin”. Pieza que se centra en los coloridos detalles de un inmenso jardín repleto de vida, radiante de energía. Las manos de Lena mantienen la tensión durante unos segundos, hasta que su diestra comienza a recorrer la zona baja del piano con intensidad. En algunos instantes es desgarradora.

“Sundays in Paris” es de esas melodías sencillas con un toque de originalidad que se aferran con fuerza en el subconsciente para repetirse una y otra vez. En forma de waltz, Lena nos regala una pieza rápida y de melodía pegadiza.

Más suave que las dos composiciones anteriores surge “Brio”. Jugando prácticamente con los silencios y con el toque sutil en las notas altas, “Brio” es un track muy melódico, muy cercano a los pianos escuchados en Whisperings. ¡Me gusta!.

Fría y lenta aparece “Snowfall”. Con un repiqueteo dócil de notas interpretadas por la mano derecha Lena nos invita a soñar, a descansar. Es imposible no imaginar la situación, la caída de las primeras nieves en una fría tarde, disfrutar con la danza de los copos de nieve al caer vistos tras la ventana en una cálida habitación…

Más brillante, radiante, brota “Fences”. Por primera vez, las notas más altas del piano tienen protagonismo, y eso se siente. Rápida y arrojadiza es la composición, brindando coraje y tensión al oyente.

Toque clásico y alegre para “Carrousel”. Nuevamente la pianista acude al baile de notas y a la rapidez su mano derecha para ofrecernos un tema breve e intenso.

Como excepción, aparece “Rainy Afternoon”. Tema suave, melancólico y con una composición mucho más exquisita que las disfrutadas anteriormente. “Rainy Afternoon” es amable y delicada en los momentos justos y goza de una melodía encantadora.

“Facade” es tenebrosa, seria, en ocasiones dolorida. “Facade” insiste en los acordes contundentes y fríos, así como en las notas repetitivas y lúgubres.

Melancólica pero entrañable es “Family Album”. Notas arropadoras y un tempo más afectivo invitan al oyente a rememorar bellos instantes. Primaveral composición.

Arriesgada y en ocasiones sin sentido surge “Tabelau”. De fluir vertiginoso, la composición es una muestra de golpes y rápidos movimientos de acordes y notas. Se hace apresurada y desconcertante.

Más sincera y seria que las dos anteriores, “Passages” es una hermosura. Más madura y sentimental, la composición es capaz de llegar a lo más hondo del oyente consiguiendo en algunos fragmentos estremecerlo de emoción. Así sí.

Más cercana a una canción de cuna surge para cerrar el álbum “Three Little Bears”. Nuevamente afectuosa y moviéndose en la zona más alta del piano, “Three Little Bears” cierra con un final dulce y tierno Sundays in Paris.

Sundays in Paris es el primer álbum de la pianista Lena Natalia, un trabajo que goza de algunas melodías pegadizas, quizás faltas de maduración en composición y producción, pero no obstante, poseedoras de una hermosa conjunción de notas y acordes. Quizás se echa de menos el juego con el silencio pero no de ja de ser una buen trabajo.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
19/02/17

0

Lynn Yew Evers - Elysian

Elysian
Lynn Yew Evers
2015
53.2 minutos

Tercer álbum de la pianista y compositora Lynn Yew Evers, quién nuevamente se pone a manos del productor y guitarrista Will Ackerman para dar forma a un piano ambiental y melódico, diferente a lo que nos ofrecía la pianista en sus dos trabajos anteriores. Acompañada por un gran elenco de artistas, Elysian va tomando forma en trece composiciones de corte romántico.

Elysian comienza con fuerza. “As The Train Leaves” sugiere una música nostálgica pero también con un toque de ternura, especialmente con el sonido del viento de Jill Haley. Es innegable apreciar la formación clásica de la pianista, pues la unión del piano y el cuerno inglés acaricia ligeramente el género clásico.

“Remembering Love” es un dulce lamento de la pianista, quién recuerda con apego la amistad de un viejo amigo que falleció en 2014. La música, que a pesar de tener una dura historia detrás, se presenta con algo de brillo. Para nada es triste, pues muestra a golpe de acordes los mejores momentos vividos.

Nuevamente, Jill Halley y Lynn Yew Evers juntas. Conservando el estado original del álbum, Lynn regresa a los acordes románticos y amables que visten de color a Elysian. “Kindred Spirit” es de esos temas lentos y hermosos que inspiran y llenan de luz el momento… ¡Genial!.

Rozando de nuevo el género clásico y con elegancia aparece “Shrouded Hope”. En esta ocasión se complica la producción uniéndose chelo, flauta (gran protagonista Wouter Kellerman), bajo y el piano de Lynn. “Shrouded Hope” es dulce, imposible no dibujar una sonrisa tras el paso de su bellísima melodía.

Por primera vez surge una de las voces más identificativas de las producciones de Ackerman. La profunda Noah Wilding acude a la llamada de “Finding You”, cuyas notas casan perfectamente con el saxo del gran Premik Russell, formando un complejo diseño junto al piano y como consecuencia, una de las composiciones más hermosas y complejas de Elysian. ¡Brutal!.

“Dream Chaser” nace con amabilidad, con mucha delicadeza, siendo el primer solo de piano de la compositora en Elysian. Lynn juega con el sentimiento en las teclas, con el silencio y con el tempo, creando un sinfín de gratas sensaciones, de bienestar en el oyente. “Dream Chaser” es paz.

“Blue Bird Day” se denomina al día claro y brillante tras una noche oscura y nevada. La calidez que desprende “Blue Bird Day” es asombrosa y todo gracias al sonido del piano, pero especialmente al viento de Jordan Buetow y a la fuerza que transmite el chelo de Eugene. Sublime.

Aparece otro solo de piano. “Crosswalk To Maplehurst” continúa con el estado dulce y levemente nostálgico del álbum, pero en esta ocasión con tintes más agridulces, más sentidos… “Crosswalk To Maplehurst” irradia sensibilidad.

“Enchanted Stroll” posee una melodía más trabajada, o al menos, es de esas que se hace difícil de olvidar. La acertada unión de notas y elementos la hace muy atractiva, especialmente la producción; muy trabajada y donde todos los instrumentos tienen su momento.

Primaveral es el sentimiento que difunde “Urban Trekking”. Piano, bajo y saxo son suficientes para, a pesar de ser un tempo calmado, ofrecer al oyente una gratísima sensación de afecto y harmonía. “Urban Trekking” es una banda sonora perfecta mientras se disfruta de la naturaleza.

“Beautiful” para el final de ese fluir lento y amable, donde la música pasa de ser romántica y atenta a ser técnicamente interesante y extraordinaria. “Beautiful” aún conserva el estilo elegante y sensible del resto de tracks.

La magistral y clásica técnica de Lynn hace aparición en “Night Owl, In A Style Of A Nocturne”, posiblemente la mejor obra de todo el álbum y donde nuevamente se unen Noah Wilding, Tom Eaton (bajo), Charlie Bisharat (violín). “Night Owl, In A Style Of A Nocturne” es la más completa y compleja composición de Elysian. Sorprendente, única.

El álbum se cierra con un Reprise del track que abría el álbum. Éste último tema es aún más atractivo e interesante que su original, pues posee un gran protagonismo la voz de Noah Wilding, así como las guitarras del propio Ackerman, que le ofrecen al tema un toque espacial, relajante, admirable.

Elysian, el tercer trabajo de la pianista y compositora Lynn Yew Evers, es el perfecto álbum ambiental, la música idónea para disfrutar de fondo en una bonita velada. Con unas composiciones de corte románticas y una producción suave y compleja al mismo tiempo, Elysian es como la seda, sensible, hermoso… Acaricia nuestros sentidos. Altamente recomendable.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
12/02/17

0

John Burke - Orogen

Orogen
John Burke
2016
53.4 minutos

La positividad, la idea del “todo es posible”, la alegría, la humildad y el trabajo duro siempre dan sus frutos tarde o temprano. Así ha ocurrido con el lanzamiento del sexto, y ya muy premiado álbum del pianista de Atlanta, John Burke. Alcanzando las primeras posiciones como uno de los mejores álbumes de solo piano, Orogen se caracteriza no sólo por disfrutar de un perfil radiante y pasional. Exhibe maestría y virtuosismo, y todo este conjunto le ha llevado a alcanzar uno de los más altos honores; la nominación al Premio GRAMMY, compartiendo nominación junto a Enya o Vangelis, entre otros.

Orogen comienza con fuerza, con coraje, un estilo que marcará el carácter del álbum de principio a fin. “Arise” es sobrecogedora, emocionante, con una melodía adictiva y atractiva. Las manos de Burke recorren el teclado entonando una música muy pegadiza. “Arise” deja ver la sorprendente técnica del pianista.

Con un discreto comienzo “Spring Tides” se luce romántica y alegre. Reservándose ligeramente en su destreza, Burke nos regala en esta ocasión una música cálida y sensible… Emotiva.

Con tintes que levemente recuerdan a extractos del gran George Winston, uno de los grandes referentes de John Burke, “The Traveler” asemeja su tempo al paso del tren, apreciando tras sus notas los vivos colores de admirables escenarios naturales; lugares donde nace la inspiración. “The Traveler” es intensa y estimulante… Perfecta.

Ritmo y nuevamente, maestría. Surge con intensidad “Autumn Blaze” y aunque carece de una melodía sugestiva, esto carece de importancia, ya que lo verdaderamente atractivo de la composición es imaginar las manos de John Burke recorrer las octavas del piano con rapidez, estilo y una técnica indescriptible. ¡Brutal!.

“Batholith” es la antítesis en su comienzo, ofreciendo una introducción íntima y diferente al resto de composiciones; pero esto es sólo el principio. Burke juega con los estilos, uniendo con sutileza un toque de jazz con la intensidad de una apasionada música gobernada por fuertes acordes y un ritmo arrojador.

“Riverswept” se presenta arrolladora, pero inmensamente delicada al mismo tiempo. Continuando con la intimidad del pianista, “Riverswept” es la música para una felicidad contenida; esa sensación de querer estallar de alegría y contenerse, convirtiéndose esta sensación en algo muy emotivo.

Divertida y original es “Foot Traffic”. Jugando con maestría con las notas más bajas del piano, John combina con arte negras y blancas para ofrecernos una música intrépida y al mismo tiempo, insólita y realmente interesante.

El toque romántico y delicado lo pone “Windflower”. Parece improvisado, como si la propio inspiración dejase fluir el enlace entre las notas… Es un deleite cerrar los ojos y disfrutar con su dulce melodía.

Regresando al ímpetu de los acordes nace “Earth Breaker”. Enlazando fragmentos que describen lamentos con otros más enérgicos y colmados de rabia, Burke interpreta, siempre mostrando un nivel técnico asombroso, uno de los temas más impresionantes y complejos de Orogen; John juega con los silencios y con todas las posibilidades que ofrece el instrumento… ¡Magistral!.

Orogen finaliza con “Orogen”. Ésta última composición es más melódica que el resto de composiciones, describiendo además un final hermosísimo y colorido. “Orogen” desprende alegría, dejando un grato sabor al oyente tras el disfrute de un grandísimo álbum de solo piano.

La evolución artística de John Burke ha sido imparable, meteórica. Con sólo seis álbumes, el pianista no sólo ha cosechado incontables seguidores, innumerables en poco tiempo, también ha visto reconocido su trabajo por parte de la crítica quien se ha dejado seducir por el buen carácter del pianista, su forma de interpretar, sus composiciones y por supuesto, su técnica. Todo esto ha llamado la atención de todos los seguidores de la música, incluidos los miembros de Los Premios Grammy, que han sabido reconocer de lo bueno, lo mejor, otorgándole la nominación a Mejor Álbum New Age este año. Orogen es un álbum altamente recomendable, imperdible para los amantes del piano, imperdible para cualquier amante de la música. ¡Chapeau, Amigo Burke!.

AmazonAmazon.esCD BabyiTunes

reviewsnewage.com
30/01/17

0

El mundo de la música despide hoy al productor y crítico musical Michael Diamond.

Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age

Steven Halpern y Michael Diamond en La Celebración de Nominados de los Premios GRAMMY. (San Francisco, 2013)

Tras un comunicado publicado en Facebook por fuentes cercanas a la familia del productor y músico. El también renombrado crítico musical Michael Diamond falleció a las 4:00am (EEUU) a los 60 años víctima de una complicación en la operación tras sufrir un fuerte infarto el pasado 16 de diciembre.

Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  Fallece Michael Diamond, una de las voces más respetadas de la New Age  En sus más de 30 años en la industria musical, Michael Diamond ha sido voz y consejo para una gran lista de renombrados músicos y artistas vinculados a la New Age, siendo músico invitado incluso en algunas de las producciones de los artistas que revisaba.

Perteneciente a The Recording Academy y miembro de The GRAMMY’S, Diamond ha sido uno de los críticos musicales más respetados del género New Age, escribiendo reseñas para magazines publicados a nivel nacional en Estados Unidos, y más tarde, publicaba en 2011 su propio blog de críticas MUSIC & MEDIA FOCUS, donde compartía reviews y entrevistas que incluían a músicos como Ravi Shankar, Carlos Santana, Jon Anderson del grupo de rock Yes, Blackmore’s Night con Richie Blackmore de Deep Purple, el fundador de Windham Hill, Will Ackerman, Suzanne Ciani, David Arkenstone, Kitaro, Constance Demby, entre otros.

Como músico, Michael Diamond tocaba la guitarra desde finales de los 60, introduciéndose años más tarde en los sintetizadores. Cubriendo diversos estilos como el rock, el blues, el funk o el reggae. Diamond participó en varias producciones como guitarrista, especialmente con los llamados padres de la música New Age. En su larga lista se incluyen colaboraciones con: Pete Sears, Michael Manring, Jimmy Hobson, Jai Josefs, Steven Halpern, Constance Demby, Jefferson Starship, Iasos, Barbara Borden, Gabe Schillinger, Ken Jenkins, entre otros.

Michael Diamond publicó 5 álbumes en solitario y produjo más de una treintena de proyectos para otros artistas.

Vídeo creador por Michael Diamond (sintetizadores y guitarras) para el álbum Ambient Alchemy, lanzado junto a Steven Halpern (teclados) y Michael Manring (bajo).

Mike Oldfield vuelve a sus raíces en “Return To Ommadawn”.

Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero

Mike Oldfield ha anunciado un nuevo álbum: en tan sólo doce meses, el multi-instrumentista ha creado Return to Ommadawn. Consta de dos partes instrumentales de 20 minutos, donde el músico y compositor británico nos deja impresionados una vez más por su gran talento: los 22 instrumentos acústicos registrados en el álbum tienen el sello del propio Mike Oldfield.

“Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo” – Mike Oldfield

Volver a las raíces: Mike Oldfield en “Return To Ommadawn”.

¿Qué queréis de mí?“, Preguntó el músico en su cuenta de Facebook; y algo tan breve y simple amasó innumerables comentarios de los seguidores de Oldfield. La respuesta fue clara: debía ser el retorno a sus raíces, la mezcla de sus instrumentos e historias más personales. “La música era espontánea y llena de vida. Trabajar en Return to Ommadawn era como un retorno a mí mismo.” Incluso la mística portada del álbum representa la búsqueda y el hallazgo.

Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  Mike Oldfield anuncia nuevo disco "Return To Ommadawn" para el próximo 20 de enero  40 minutos en el cielo: Mike Oldfield toca dos piezas instrumentales.

Return to Ommadawn constará de dos partes de 20 minutos cada una, donde se podrá disfrutar de 22 instrumentos, tocados todos por Oldfield, como él mismo indica: “Soy el único músico que se puede escuchar en el álbum“. El próximo 20 de enero será el lanzamiento oficial de Return to Ommadawn. Hasta entonces, el álbum puede ser reservado, en Amazon y iTunes, entre otros.

Lista de canciones “Return to Ommadawn”

  1. Return to Ommadawn – Parte 1
  2. Return to Ommadawn – Parte 2

 

0

Kathryn Kaye - There Was a Time

There Was a Time
Kathryn Kaye
2015
47.2 minutos

Cuando todo va bien, o mal, es inevitable recordar momentos o personas que de alguna forma u otra nos marcaron. La nostalgia está hecha de instantes, aromas, lugares y música, y sobre esta última descansa There Was a Time, el último trabajo de la pianista y compositora Kathryn Kaye, que nuevamente se pone a las órdenes del productor Will Ackerman y su equipo de artistas.

“Saro Remembered”, el tema que abre el álbum, es una bellísima introducción y adaptación realizada por Kathry Kaye del tema popular “Pretty Saro”. “Saro Remembered” marcará el sentimiento melancólico del CD, pero siempre ofreciendo al oyente su lado más dulce y cálido. Una melodía fascinante endulzada por el chelo de Eugene Friesen y el cuerno inglés de Jill Haley.

Continuamos con “Arise”, otra adaptación sobre unas notas que la pianista recordaba de su niñez. Una música agridulce, donde en esta ocasión la nostalgia se viste de ligeramente de tintes grisáceos, pero en absoluto doloridos.

El dúo formado por el piano de Kaye y el chelo de Friesen da vida a “There Was a Time”, el tema principal del CD. Como sacado de un cuento de hadas, una canción de cuna, el piano nace en la zona más alta del piano con un toque cálido e inocente, hasta que surgen las cuerdas de Friesen que le aporta profundidad y emoción al tema. “There Was a Time” es La intimidad de los recuerdos hecha música.

Con tan sólo ver la palabra “Spring” incluida en el título, ya podemos hacernos una idea del carácter de la composición. “Spring Snow” es una de las piezas más complejas en cuanto a producción del álbum, incluyendo no sólo el piano de la artista, se suman chelo, cuerno inglés, bajo y cuerno francés. Todos unidos nos ofrecen un tema lleno de vida, sin ritmo, pero riquísimo en melodía y musicalidad.

El primer solo de piano de Kaye, “Wind in the Aspen Grove”, hace un guiño al género clásico y con fuerza. Como un baile y reproduciendo una pegadiza y bellísima melodía, Kathryn Kaye da muestras de su maestría frente a las teclas del piano. Sin duda, una de mis preferidas.

Ésta sí es apagada y desconsolada. “Shadow of a Bird in Flight” es un recuerdo a las composiciones de Will Ackerman pero con predominio del piano en vez de la guitarra, que también tiene su momento por el propio Ackerman. “Shadow of a Bird in Flight” es de esas composiciones que invitan a cerrar los ojos y disfrutar con cada surgir de instrumento.

Un solo de Jill Haley hace la presentación de “Revival”. Con ternura y elegancia aparece un solo de piano gobernado por silencios, pausas y mimo, siendo uno de los tracks más entrañables de todo el álbum.

Como una dulce canción de cuna y al paso de un sutil baile, las notas de “Learning To Waltz With Clouds” brotan con elegancia. “Learning To Waltz With Clouds” une al piano de Kaye con los vientos de Hely y Gus Sebring, lo que le ofrece a la melodía un cuerpo complejo y atractivo.

Más apagadas y serias son las dos últimas piezas. “Bittersweet Goodbye” lo dice todo con sólo leer su título. “Bittersweet Goodbye” es levemente apenada, pero dejando un resquicio a la esperanza, a la posibilidad de un pronto reencuentro. ¡Bella!.

There Was a Time se cierra con “Darkning Skies”, la pieza más oscura de todo el álbum, donde un oscuro piano imita el paso del tiempo con pavor, mientras el chelo de Friesen le aporta más sentimiento de pánico al tema con su recóndito sonido de fondo. Minimalista y escalofriante en partes iguales.

Siempre hay instantes en los que por casualidad tras descifrar una melodía, sentir una brisa o inhalar un aroma llegan como por arte de magia momentos vividos; algunos entrañables, otros menos, pero ahí están, esperando a ser recordados. There Was a Time, el nuevo trabajo de la pianista Kathryn Kaye, recoge todos esos instantes inmortalizados en la mente con una banda sonora perfecta para cada uno de ellos. Una banda sonora hermosa y compleja, perfecta. ¡Grande Kathryn Kaye!.

AmazonAmazon.esCDBabyiTunes

reviewsnewage.com
21/12/16

0

Te descubrimos 5 álbumes imprescindibles del pianista David Nevue.

Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue

David Nevue presentó el pasado año su último trabajo, Winding Down, álbum que le llevó seis semanas de composición y grabación y donde predominan los tonos apagados y las notas reflexivas. Continuando con éste carácter e incluyendo algunos temas clásicos como The Gift, Sweet Dreams & Starlight, From Dream to Dream, Walking in Shadow, The Vigil o Winter Twilight te dejamos un listado con los cinco mejores álbumes del pianista David Nevue para descubrir sus mejores melodías.

Selected Title

Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue
Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue
Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue
Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue
Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue  Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue

¡Te lo ponemos fácil!. Disfruta de Los 5 Mejores Álbumes de David Nevue en Deezer y con esta playlist donde podéis encontrar algunos de sus clásicos. ¡Abre los cinco sentidos y descubre a Nevue!.

0

Starr Parodi - The Heart of Frida

The Heart of Frida
Starr Parodi
2016
58.5 minutos

Homenajeada la vida y obra de la pintora y fotógrafa surrealista Frida Kahlo. La pianista y compositora Starr Parodi presenta su último trabajo donde se deja llevar por la inspiración en un instrumento de época, un viejo Steinway B de 1928, para interpretar meticulosas y apagadas improvisaciones que dejan correr el tiempo hacia atrás, marcándole al oyente cada uno de los infortunios de la célebre pintora mejicana. The Heart of Frida se compone de once cortes improvisados, incluyendo dos adaptaciones; un éxito de Prince y el archiconocido tema Nights in White Satin de The Moody Blues.

Enternecedora historia, así se presenta el álbum con “The Heart of Frida”, como una introducción a la vida de la artista mejicana. Sin diálogos, en blanco y negro… Sólo música con imágenes de su vida diaria. Una composición bellísima, delicada.

La primera adaptación musical tiene como protagonista a Prince y su tema “When Doves Cry”, el single del álbum. Contundente en sus acordes y pegadiza en la melodía, Parodi realiza una improvisación excelente sobre el tema original del álbum Purple Rain (1984). He podido escuchar una decena de veces el track. Fascinante.

Diego Rivera, enorme y obeso, Frida, pequeña y delgada; esto llevó a calificar la relación entre “The Elephant and The Dove” (El Elefante y La Paloma). Como haciéndose eco de esta historia de amor, Starr deja constancia en sus notas de un dolor enérgico debido a la tormentosa relación entre ambos artistas que consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después.

Algo de brillo se deja ver en “Rancho Hamilton”, un tema que dibuja a través de las notas buenos momentos. Historias reales, narradas por el padre de Starr, vividas en ése Rancho al que la pianista pone ahora su propia banda sonora.

A toque waltz, pero afligido, Parodi da vida a “Hardly Touching”. Continuando con el dolor y la dura historia de Frida, Starr sigue ofreciéndonos improvisaciones marcadas por las lágrimas…

“Overture of Color” es posiblemente la improvisación más soberbia de todo el álbum. Starr Parodi da rienda suelta a su imaginación y a su maestría para ofrecer un tema colmado de emociones y sobre todo, técnica. ¡Asombroso!.

Un comienzo rompedor para la última adaptación del álbum. “Nights in White Satin” de The Moody Blues tiene un hueco en The Heart of Frida, siendo esta nueva versión muy diferente a la versión original, pero única en sí misma. Starr se divierte con las teclas del piano y eso llega al oyente con fuerza.

Amabilidad y descanso tras tanto odio y dolor. Aparece “Don’t Be Discouraged”. Por primera vez, la compositora nos da un respiro y nos regala unos minutos de paz y cariño, dejando a tras lamentos y sufrimiento.

De nuevo, un toque de baile en The Heart of Frida. Nace con encanto “Sun & Life”, una delicia para disfrutar con atención cada nota, cada acorde. El género clásico surge con fuerza en algunos fragmentos… Fascinante.

Una de las piezas destacables del álbum es “The Lightness of Frida”. Más que una improvisación es una composición muy estudiada, donde las armonías, los silencios, el tempo forman un todo perfecto. Es sin lugar a dudas la pieza con más luz y encanto de todo el álbum.

The Heart of Frida se cierra con “Hope”. Un tema que deja un final muy cerrado en el álbum, donde los pensamientos, la introspección y la evasión son protagonistas. Los silencios son tan importantes como las notas en esta pieza. Sobrecogedores.

Técnica e historia se unen para ofrecer emociones al oyente, así es lo nuevo de la compositora Starr Parodi. The Heart of Frida es la retrospección que Parodi realiza de la vida de Frida Kahlo, poniendo banda sonora a cada uno de los momentos más señalados de la artista mejicana. Un repaso interesante gracias a una música aún más interesante.

AmazonAmazon.esCDBabyiTunes

reviewsnewage.com
20/11/16

Send this to a friend