jueves, 21 noviembre, 2019
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Alejandro Clavijo

Alejandro Clavijo
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Existe otro estilo musical. Fundador de ReviewsNewAge.com, editor de noticias y discos. Escribir se ha convertido en un segundo y placentero trabajo.

Ólafur Arnalds explora la vibrante vida artística de sus compatriotas en un fascinante retrato audiovisual de su país de origen.

Island Songs, el viaje audiovisual de Ólafur Arnalds por Islandia

Edición: Reviews New Age

Los islandeses constituyen una de las naciones con más músicos en el globo, con una de las tasas más altas de conjuntos orquestales per cápita en el mundo. Island Songs, el nuevo trabajo del innovador y brillante compositor Ólafur Arnalds (ganador del premio BAFTA por Broadchurch) junto al director Baldvin Z (BBC’s Trapped, Life in a Fishbowl) explora la vibrante vida artística de sus compatriotas en un fascinante retrato audiovisual de su país de origen.

A lo largo de siete semanas, Arnalds viajará por siete lugares muy diferentes de Islandia – una por semana – para grabar una serie de nuevas composiciones. En cada lugar Arnalds estará colaborando con artistas locales de la ciudad para crear y llevar a cabo una nueva canción.

Cada artista tiene su propia historia que contar y de manera individual de contribuir al proyecto. Ellos provienen de diferentes ámbitos musicales en sus lugares de origen, que van desde un vocalista de una banda de rock de fama mundial a un organista de la iglesia en un pueblo de 100 habitantes, haciendo de éste un proyecto diverso y en constante evolución. Cada semana, Arnalds publicará una pista de audio y vídeo. Estas serán distribuidas a través de Apple Music, Deezer y Vevo/YouTube.

Siempre quiero hacer que todo suene perfecto, pero también sé que la perfección no significa necesariamente que sea de buena música. Por lo que estos proyectos surgieron de una lucha interna conmigo mismo, la necesidad de crear algo espontáneo e improvisado.

Además, el viaje será una crónica dirigida por el director de cine Baldvin Z. El período de 7 semanas dará como resultado una película de una hora de música, incluyendo conversaciones que exploran la música, la historia y la identidad de los colaboradores, para crear un poderoso retrato musical de su tierra nativa.

Arnalds hace hincapié en que el proyecto tiene como objetivo centrarse en la asombrosa creatividad de los habitantes de Islandia y no en el sublime paisaje sublime de su tierra natal.

Sí, Islandia es preciosa, hay un montón de películas que ya han demostrado que lo es”, dice el compositor. “Creo que es mucho más interesante tener en cuenta la dureza de las condiciones, y cómo nos afecta a los artistas … me gustaría explorar esa energía musical.

Arnalds es reconocido por su estilo musical, que sugestivamente mezcla elementos del ambient, la música clásica y los sonidos electrónicos. Island Songs tiene sus raíces en el enorme éxito de sus dos proyectos anteriores, Found Songs (2009) y Living Room Music (2011).

Los nombres de cada uno de los colaboradores de Island Songs serán revelados durante la semana de su participación, compartido a través de las redes sociales y en el nuevo sitio web dedicado al álbum. Durante las siete semanas de rodaje y grabación, Island Songs se convertirá en un proyecto interactivo en tiempo real en las redes sociales. Los seguidores de Arnalds serán capaces de seguirlo a través de Snapchats, Instagram y tweets.

La película se dará a conocer en octubre el año 2016 y coincidirá con el lanzamiento del disco físico, en CD y vinilo. Todo el material será lanzado por Mercury Classics/Universal Music.

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Joe Heinemann - Gratitude

Gratitude
Joe Heinemann
2016
43.3 minutos

Las producciones de Imaginary Roads inundan la New Age. En esta ocasión se presta el pianista neoyorquino Joe Heinemann a que el ganador del Grammy, Will Ackerman, dé forma a las composiciones que completan Gratitude, su primer trabajo. Gratitude se define por poseer un tono nostálgico e introspectivo.

El álbum se presenta con “Lenape”, pieza que marcará el carácter general del álbum. Un piano apesadumbrado, muy triste, se acompaña por cuerdas que le ofrecen un fondo oscuro y doloroso. Oscuro comienzo, pero interesante.

“Enduring Hope” cambia ligeramente el tono a algo más esperanzador, más amable. Los acordes, muy cuidados y delicados, surgen con pesadez mientras el pianista arranca con su derecha una melodía entrañable.

Un guiño al género clásico. “For Satie” realiza un fugaz paseo por las notas de Erik Satie y su estilo introspectivo y pausado… Momentos de reflexión.

Algo más movido y alegre se presenta “Sea Dream (Away)”. Con una interesante y repetida combinación de notas para la diestra, Joe alterna esta melodía con el sonido del cuerno inglés. Como siempre, un sonido sorprendente. “Sea Dream (Away)” es agradable, intensa, bellísima.

“Sign of Spring” está creada para cerrar los ojos y sentirla. Jugando con los silencios y con la sencillez de las notas altas, Joe nos regala unos instantes de relajación y evasión.

La tristeza tiene su momento en Gratitude. “Longing” muestra el dolor, la melancolía gracias a notas afligidas, de fluir pesado.

Continuando con los sueños, y siendo la tónica general de Gratitude, el pianista parece improvisar “Solace”, composición que tiene como melodía una música abatida, pero al mismo tiempo relajante.

Con “My Song (Carried Along)” Gratitude se torna por unos instantes romántico, interesante y más complejo. El piano de Joe Heinemann se une a un profundo chelo y a un cuerno inglés poderoso, formando un trío idóneo. Posiblemente la mejor pieza del álbum. ¡Fantástica!.

“Gratitude”, tema que da título al CD y una de las piezas más emocionantes del álbum. A pesar de su lentitud, la melodía tiene un fuerte poder nostálgico y sus notas brindan el embrujo de una buena composición… ¡Perfecta!.

Como un susurro aparece “Golden Waves”, un tema muy lineal y repetitivo que se hace relajante, apacible, perfecto para desconectar y dejarse llevar. Es nuevamente un guiño a la evasión más absoluta.

Gratitude se clausura con “Late At Night”. Otra obra Maestra apoyada en lo magníficos silencios, los sentimientos, las sensaciones… “Late At Night” está interpretada con el alma, dejando Joe una gratísima sensación de paz al oyente. ¡Realmente magnífico!.

 Aunque falta complejidad en la composición, el pianista Joe Heinemann se apoya con talento en los instrumentos que Ackerman le ofrece. Gratitude muestra un piano sencillo, en ocasiones en perfectísimo dialogo con el silencio, lo que lo hace un álbum muy interesante y donde realmente podemos encontrar atractivas melodías.

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reviewsnewage.com
14/09/16

Resonance regresa en octubre con su nuevo trabajo techno-sinfónico.

Lo nuevo de Resonance se llama "Light Continuum"

Foto: Jesús Duque Cranny

El productor canario Javier Pérez Rodríguez, oculto tras el alias Resonance, regresa con su última creación. Light Continuum se presenta como una banda sonora techno-sinfónica que narra un viaje emocional y que toma como concepto la simbología de la luz como un elemento que es frágil y fuerte, transportador y estático, fugáz y perpetuo…

Resonance ofrece una visión particular y poética de la música electrónica pero sin abandonar su amor por los sonidos de club que ha ido desarrollando a lo largo de su carrera y que ha fusionado inteligentemente con estilos tanto underground y experimentales como con aquellos de estilo pop más accesibles, abarcándo de esta manera sus producciones un amplio espectro sonoro y de público.

Light Continuum contiene piezas vocales e instrumentales que se antojan como verdaderos himnos preciosistas y rudos pero con el denominador común de situar al oyente en un entorno ensoñador rodeado del paisaje onírico que generan sintetizadores embriagadores, guitarras planeadoras y sonidos multicapa. Pura música electrónica apta para soñar y para la pista de baile.

El álbum, editado por El Hombre Bala Records, estará disponible a partir de Octubre en formato vinilo, digital y una una edición limitada en VHS con imágenes del artista visual Vk Monitor.

“Metals Upon The Air” será el single adelanto del nuevo trabajo del productor y se estrenará en Septiembre, justo un mes antes del lanzamiento oficial del álbum. Este single incluye 2 cortes: “Radio-edit” y “Club Mix”.

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Marika Takeuchi - Colors in the Diary

Colors in the Diary
Marika Takeuchi
2016
47 minutos

Carrera meteórica para esta artista nipona que surgió de la mano de MRG Recordings, pequeña filial de Domo Music, casa de Kitaro, y que ahora en su nuevo trabajo abandona el estilo que la dio a conocer para aventurarse en el estilo habitual del productor y ganador del Grammy, Will Ackerman; el género acústico que viste de color a Colors in the Diary, el nuevo trabajo de Marika Takeuchi y con el que comienza un punto de inflexión en la carrera de la artista.

El CD se presenta con “Frozen Lake”, una pieza para solo piano y chelo de carácter nostálgico y tintes grisáceos. El piano es romántico, sutil, mientras las cuerdas del chelo le ofrecen el tono amargo al tema.

“Green Field” es amable, enternecedora. El piano dibuja una melodía cálida y sencilla que se convierte en un bello baile de notas y acordes…

Un piano más, así es “Blue Falls”. Repitiendo prácticamente la composición del primer track del álbum, Takeuchi da vida a la primera pieza para solo piano del álbum.

Continuos arpegios de acordes visten cada uno de los cortes de Colors in the Diary y así se presenta “White Mountains”. Piano y violín dan vida a la que posiblemente sea la composición más bella del álbum, especialmente por el brillo que le ofrecen las cuerdas al tema.

Hasta el momento, las piezas escuchadas son cuadriculadas, sin alma, donde el piano es rápido y técnicamente poderoso, pero sin una melodía trabajada. Esto mismo ocurre con “Gray Clouds”, donde en solitario, Takeuchi recorre el teclado del piano.

Algo diferente es “Remembrance”. Esta vez, la música es tratada con mimo, con sentimiento, y la melodía arropa al oyente. Y aunque sigue siendo muy diferente a lo que Marika nos tenía acostumbrados, sí es cierto que se asemeja bastante. Romántica y cuidada, así es “Remembrance”.

El tema más completo de todos a pesar de su sencillez, y sin lugar a dudas, la pieza a destacar sobre todas es “Ocean Wild”. Interviniendo por primera vez un sintetizador, algo que le aporta cuerpo y luz a la composición.

“Nostalgia” es más bien dolor, incluso rabia, por el tono desordenado del comienzo. La pieza, escrita para solo piano, repite hasta la saciedad unas notas perturbadas, que en ocasiones se tornan relajadas.

Regresamos a la demencia de los acordes raudos. “Into the Storm” combina chelo y piano, siendo el chelo el verdadero protagonista, el instrumento que ofrece la melodía principal mientras el piano no realiza variación ninguna prácticamente.

“Sparkling Sky” es suave, muy cercano al piano Whisperings que solemos disfrutar, similar al carácter de David Nevue o Philip Wesley en sus primeros trabajos. “Sparkling Sky” es placentera, ensoñadora, pero sobretodo hermosa. ¡Sublime!.

Un waltz hace aparición, “Colorful Mind”. Nuevamente, una obra de arte donde juegan chelo, violín y piano, una conversación a tres más que perfecta, muy compleja y completa al mismo tiempo. Sin lugar a dudas, otra composición muy destacable de Colors in the Diary.

Esperanzadora, conmovedora, así es la pieza que cierra Colors in the Diary. composición, que a pesar de machacar los mismos acordes constantemente, posee unas variaciones muy acertadas, creando una melodía cálida e interesante.

Unir New Age y Clásico es fácil si se posee la Maestría para ello, Marika Takeuchi la tiene, pero en esta ocasión deja a Ackerman tomar las decisiones, sacrificando el encanto orquestal que nos regalaba la compositora en sus primeros trabajos. Piezas breves e intensas, perfectas,  y que en esta ocasión se han eliminado, acudiendo al sonido acústico habitual de las producciones del Ganador del Grammy, Will Ackerman. Gran álbum, pero no es el sonido sinfónico de Marika Takeuchi.

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reviewsnewage.com
02/09/16

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David Clavijo presenta el segundo single de From The Depths. The Song of Wisdom.

El pasado 13 de Mayo David Clavijo lanzó su segundo trabajo del cual ya conocíamos su primer single, Fragile World. Tres meses después, From The Depths da a conocer su segundo single, The Song of Wisdom, el cuarto corte del álbum.

 

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Seay - In The Garden

In The Garden
Seay
2016
58 minutos

Cuando llega a nuestras manos producciones más allá de lo habitual hay que tratarlas como realmente se merecen. En esta ocasión nos llena de orgullo realizar un track-by-track del esperadísimo álbum de la cantante Seay, una de las voces de la New Age en Norteamérica y todo un descubrimiento para este magazine. La joya que nos presenta Seay, In The Garden, nació tras una visita de la artistas a La Alhambra de Granada, y recorre a través de diferentes géneros como la epic music, la new age más espirtual o la electrónica, los lugares más sagrados de la Tierra; siempre realzado por una majestuosa producción.

“Beautiful Earth” abre In The Garden y lo hace por todo lo alto. Con una superproducción y una inmortal melodía, Seay da vida a una de las grandes composiciones del álbum. “Beautiful Earth” es libertad, frescura, luz… La fuerza inunda al oyente mientras se emociona con la grandiosidad de su orquesta. ¡Brutal!.

Instrumental, como sacado de una ficticia segunda parte del Sheperd Moons de Enya, Seay no invita a soñar con “Dreams”. Sin lugar a dudas, la producción es la Reina de In The Garden, haciendo superlativa cualquier pista de este CD. Asombroso.

Continuando con una producción calcada a la de Aigle Music, Seay presenta “Oceanus”, un tema fresco y de cálido ritmo, donde el canto, más afín a una plegaria, interpretado por la propia Seay nos lleva a un viaje a través de África, pero siempre enfocando al mar como objetivo. Nuevamente, sorprendente.

Es difícil no encontrar similitudes entre la música de Seay con otras del género como Enya o en esta ocasión, Lorenna McKennitt. El uso de instrumentos étnicos acompañados por teclados le ofrece al tema que da título al álbum un toque exótico, relajante, interesante. Nuevamente, Seay dobla su voz para ofrecer un poder único a la melodía, un coro de sobrecogedora belleza.

“We Are One” tiene ritmo e ímpetu. Con una introducción reservada, donde Seay vuelve a introducir instrumentos étnicos, indios, la melodía mantiene en tensión al oyente a la espera de un estribillo rompedor, algo que nunca llega. “We Are One” se mantiene reservada, con algún alto que ni pretende romper el carácter rítmico y justo… Interesante.

La tristeza llega a In The Garden. Grandiosas cuerdas, una orquesta muy poderosa ofrece un toque cinematográfico al álbum, dejando a Seay entonar un doloroso canto mientras éstas se unen a una acertadísima y cuidada electrónica. Es sorprendente, sexto corte del álbum y otra joya que disfrutar de principio a fin. “Hearts Afire” es una la perfección absoluta.

“Anima Mundi” nos trae aromas de Oriente a manos de una cálida y pegadiza melodía.Otra de las grandes piezas de In The Garden. La cantante nos envuelve con su voz dulce, enigmática, mientras un conjunto orquestal le acompaña… Es un puro deleite.

Con un comienzo reservado y que se repetirá hasta la saciedad pero in crescendo en tempo, Seay presenta “The Golden Spiral”, un tema instrumental con ayuda vocal que enamora, que da alas, que imprime energía positiva y dulces emociones. A pesar de que la melodía se repite, tiene unas variaciones muy acertadas en el momento justo… ¡Fascinante!.

Con un toque más tierno y más cercano al pop se presenta “I Will Love You”, el tema romántico de In The Garden. Seay presenta por primera voz como cantante pop melódica y realmente es celestial, dulce y al mismo tiempo, poderosa. Trasfiere buenas y gratas sensaciones.

Con “Seraphim” regresamos al poder de los pad synth y a la producción espacial introspectiva. “Seraphim” es narcótica, siendo la voz de Seay un instrumento másque se añade a una muy apacible y hermosísima melodía. Un tándem perfecto entre producción y composición.

“Full Moon Sonata” es perfecta para cerrar los ojos, agudizar los sentidos y volar en sueños. El tema, donde predominan los cantos de Seay, deja muy poco margen a las filigranas del resto de instrumentos. Tan solo un piano y unos teclados, casi inapreciables, son los candidatos a seguir los pasos de los suspiros de la cantante. Bello.

“Into The Blue” cierra In The Garden, es el final perfecto. Con ritmo, y sin perturbar ni un ápice el carácter del álbum, el tema repite el canto y parte de la producción de “Oceanus”, pero añadiendo nuevos elementos como el canto de las ballenas. Un final que deja buenas sensaciones.

Sin lugar a dudas nos encontramos ante uno de los Mejores Álbumes del Año 2016. El primer álbum que recibimos de la cantante de Nashville es sencillamente espectacular, un trabajo exquisito y recomendado de principio a fin. In The Garden tiene todos los ingredientes para ser un éxito rotundo: una cantante con una voz emocionante, una superproducción con un sonido único, orquestas increíbles con mezcla de tintes étnicos, melodías con gancho y un diseño cuidado hasta el último detalle. Indudablemente, Seay tendrá un lugar muy especial en nuestro stand de artistas favoritos. ¡Sobresaliente!.

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10/08/16

“The Fall of A Rebel Angel” verá la luz en Noviembre.

Regresa ENIGMA tras ocho años de silencio

El pasado el Lunes, el proyecto ENIGMA anunció el lanzamiento de su esperadísimo octavo trabajo, un proyecto que se ha prolongado ocho años y que por fin verá la luz el próximo 11 de noviembre.

The Fall of A Rebel Angel conservará el concepto ENIGMA y es, como expresa el comunicado: “La visión musical de un artista sensible por la condición humana. Los doce capítulos musicales se basan en un poema épico del escritor y dramaturgo Michael Kunze incluido en el álbum y 13 pinturas de Wolfgang Beltracchi.

“Sadeness (Part II)”, secuela de”Sadeness (Part I)”, incluido en su álbum debut MCMXC a.D, aparecerá en The Fall of A Rebel Angel. También se incluyen las colaboraciones de la cantante indonesia Anggun, el dúo electrónico inglés Aquilo, el cantante brasileño Marcos Josher y la banda de folk israelí Nanuk.

Michael Cretu (ENIGMA), alcanzó la fama con su debut MCMXC a.D en 1990, uno de los trabajos más influyentes jamás producido en el género New Age, alcanzando el puesto #6 en el Billboard Top200. Desde ese éxito, llegaron siete álbumes más a lo largo de los años 90 de los que se han vendido más de 70 millones de copias.

The Fall of A Rebel Angel ya está disponible para pre-order en iTunes, y contará con la opción de poder elegir el formato deseado, así como CD Digipack, CD jewel case, Ediciones Limitadas e incluso LP.

01 Circle Eight (feat. Nanuk)
02 The Omega Point
03 Diving
04 The Die Is Cast (feat. Mark Josher)
05 Mother (feat. Anggun)
06 Agnus Dei
07 Sadeness (Part II) (feat. Anggun)
08 Lost In Nothingness
09 Oxygen Red (feat. Anggun)
10 Confession Of The Mind
11 Absolvo
12 Amen (feat. Aquilo)

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David Lindsay - Nightbound

Nightbound
David Lindsay
2015
51.2 minutos

Para hoy nos dejamos anestesiar con Nightbound, lo nuevo del canadiense David Lindsay, un trabajo para guitarra clásica principalmente improvisado, compuesto por temas escritos durante el proceso de grabación y con contribuciones de algunos de los artistas que colaboradores como: Eugene Friesen, Tony Levin, Charlie Bisharat, Jeff Haynes, Michael Manring, los propios Will Ackerman y Tom Eaton, Jill Haley, Paul Kochanski y Noah Wilding.

Nightbound se presenta con “Bright Stars”, una composición donde predominan los arpegios y los armónicos formando en su conjunto una cálida melodía, perfecta para despejarse, relajarse, soñar.

Continuando con el paso de la noche aparece “Dreamwalk”, y con ella, las magníficas manos de Ackerman en la producción. “Dreamwalk” cuenta con Jill Haley como instrumentista principal, relegando a Lindsay y su guitarra a un segundo lugar, instrumento que va marcando el tempo del tema como si de pasos se tratasen mientras el cuerno inglés de Haley ofrece al tema un extraordinario sentimiento.

Por el momento no se aprecian diferencias notables en el estilo de Lindsay. Nuevamente, el guitarrista tira de sencillos arpegios de acordes, repetitivos, para crear una melodía. “A Boy and a River” es extremadamente sencilla, muy lineal, sin variaciones…

Un comienzo interesante para el track que da título al álbum, “Nightbound”. Sin duda, uno de los atractivos temas del CD, especialmente por sus pausas, por el juego que el propio Lindsay realiza con las notas y los silencios. “Nightbound” es introspectiva, soñadora, apacible hasta la aparición del conjunto instrumental que acompaña a la guitarra. Chelo, violín, percusión y la asombrosa voz de Noah son los perfectos agregados. De nuevo, Will Ackerman hace magia.

Cerrar los ojos y dejarse llevar por los sueños. “Ila’s Lullaby” es una sencilla y delicada canción de cuna, donde de nuevo Lindsay juega con los silencios mientras afables notas son arrancadas de la guitarra. De fondo se aprecian punteos… Es Ackerman.

Seguimos escuchando a la paz y a la belleza. “Vermont” viste un paisaje teñido de verdes y anaranjados, de cielo gris y brisa fresca. En este bello tema, lo único necesario es la guitarra de David Lindsay, no hay nada más, es lo justo. Sencillamente extraordinario.

“Unspoken”, un tema con dos partes muy bien diferenciadas, siendo la primera de ellas triste, muy triste, apagada, especialmente con el sonido del cuerno inglés de Jill Haley, que le otorga un fuerte dolor. El segundo fragmento, manteniendo el mismo carácter, se le suman las percusiones, violín y chelo, lo que le aporta un toque más temperamental. ¡Me gusta!.

Primaveral, llena de color, así es “Bluewater Beach”. Aunque regresamos a la linealidad de unos acordes rasgados hasta la saciedad, bien es cierto que la melodía que surge de ellos está llena de luz.

“What the Wind Said” continúa con las lamentaciones, invocando a la soledad más absoluta. Poca originalidad por parte del guitarrista que eterniza los acordes, sin variaciones, sin nada nuevo que ofrecer, siendo el cuerno inglés el auténtico protagonista en un decaído tema.

“Nocturne”, el tema a destacar en Nightbound. Una introducción bellísima, atenta, de las pocas sobresalientes que encontramos en el álbum. Esta pieza parece ser la más trabajada en la composición que las anteriores, ya que apela a los sentimientos, mantiene al oyente en un estado de tensión agradable y consigue llamar la atención de principio a fin. En esta ocasión no importa la reiteración de acordes, son trabajados, y si a esto le añadimos los instrumentos que acompañan, el resultado es sencillamente magnífico. ¡Genial!.

Con un toque clásico se presenta “Vanishing Point”, otra de las piezas amargas de Nightbound. La producción de Ackerman vuelve a ser la estrella en un tema monótono en cuanto a guitarra clásica, siendo ésta muy lineal, pero que da juego a Ackerman para realizar los ajustes necesarios para dar vida a un gran tema.

“Protectress Moon” es sencillamente relajada, hipnótica, enigmática. La guitarra de Lindsay se mezcla de forma perfecta con el susurro mágico de Noah Wilding, lo que genera unos instantes de inconmensurable paz. ¡Fantástica!.

Nitghbound se cierra con un reprise de “Bright Stars”, el tema con el que abríamos el CD, pero en esta ocasión no en solitario. David Lindsay se deja acompañar por el cuerno inglés, el chelo y la voz de Noah, esto aporta aire fresco y valor al track. ¡Gran reprise!.

Nightbound, el nuevo trabajo de David Lindsay, un álbum que da voz a la soledad y a la oscuridad de la noche, donde sencillos punteos y complejos acompañamientos (principales protagonistas y obra de Will Ackerman), mantienen al oyente inmerso en un introspectivo viaje que invita a cerrar los ojos y a agudizar los sentidos. Nightbound goza de una producción magnífica que eclipsa a una guitarra clásica falta de fuerza. Un trabajo recomendable.

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06/07/16

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Robby Davis - Blue Skies Ahead

Blue Skies Ahead
Robby Davis
2015
39.1 minutos

Recibimos lo último del pianista norteamericano Robby Davis, el tercer álbum del compositor y sin lugar a dudas, uno de los destacables del género en este año. Blue Skies Ahead se compone de once cortes, los justos y precisos para disfrutar de diferentes emociones encerradas en un mismo trabajo, sin llegar a ser lineal, pesado… Todo los contrario, una joya digna de ser disfrutada.

El álbum lo abre la mejor de las piezas para el álbum, “Chasing Stars”. Emocionante y alentadora, es la composición perfecta para presentar un gran álbum y mantener al oyente expectante. “Chasing Stars” conserva de principio a fin un estado de tensión agradable, interesante.

La infancia es una hermosa etapa de la vida; inocencia y despreocupaciones en una época inolvidable. “Buena Vista” lleva al oyente durante unos instantes a esa etapa, consiguiendo el objetivo de una buena composición, hacer soñar al oyente. ¡Gracias Robby!.

El cielo y el mar se unen dominados por un azul intenso, mientras una agradable brisa acaricia tu rostro, y de fondo se perciben algunas notas y acordes… Nace “Blue Skies Ahead”, el track que da título al álbum y verdaderamente una composición fresca y relajada.

“Ash’s Voyage” narra un conmovedor viaje a golpe de acordes bajos y profundas notas, en algunas ocasiones sencillas e íntimas, en otras llega a ser emocionante. “Ash’s Voyage” es una composición para dejarse llevar…

Continuando con un estilo muy melódico, Robby mezcla como nadie diferentes estados de ánimo en un mismo tema. Al igual que pasase en los anteriors, “Setting Sail” contiene dulces momentos que se fusionan con segundos de furor.

Una entrada estupenda que nos acompañará hasta el final del track es la esencia de “Hand in Hand”, otro de los temas apasionados de Blue Skies Ahead; uno de los grandes del CD.

Difícil optar entra tantas buenas piezas, pero si tenemos que elegir el track más íntimo y cálido del álbum ese es indudablemente “Song for Oli”. “Song for Oli” se viste de romanticismo y seriedad, convirtiéndose en una de las grandes composiciones del álbum. Al final, la formación más perfecta de notas y acordes es aquella que oculta vivencias más directas del compositor.

Sensación de libertad y de poder, así es “Regatta”. La pieza más rápida del álbum, es una delicia imaginarse las manos del compositor recorrer rápidamente el escalas del piano. Parece ser divertida de interpretar.

“Seaside Carousel” comienza muy reservada, pero nada más lejos. El track estalla en júbilo y emoción, dejando las enigmáticas notas del comienzo como puente antes de interpretar la alegre melodía.

Rápida y seria, en ocasiones enfurecida, así es “Breakers”. Desde “Regatta”, Blue Skies Ahead parece que ha cambiado el tono, ahora más arrebatado, intenso, algo que se agradece, especialmente en los últimos tracks del CD.

“The Meanderer” no sólo es la pieza perfecta para finalizar un CD, es una de las más hermosas de Blue Skies Ahead. La solemnidad de sus notas y su perfecta melodía la hacen una de las mejores composiciones del álbum. ¡Grandísimo final!.

Si tenemos que hablar de uno de los álbumes más destacados de piano de este año, nos complace decir que lo último de Robby Davis se lleva la palma. Blue Skies Ahead es un estupendo compendio de sensaciones y de melodías, donde predominan los temas multiemocionales, brillantes. Blue Skies Ahead es una maravillosa creación; de los mejores álbumes de piano de este año.

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28/06/16

Un sonido acústico brillante destaca en el nuevo álbum Ambient de Markus Sieber.

Markus Sieber publica su primer álbum en solitario, Aukai

 

Aukai, palabra hawaiana que significa marinero o viajero, también es usada como nombre propio y las personas que reciben el nombre de “Aukai” tienden a ser de naturaleza introspectiva, filosófica, mística. Por todo lo descrito, Aukai es el nombre perfecto para el nuevo álbum y proyecto del multi-instrumentista y compositor Markus Sieber, parte del premiadísimo y reconocido dúo Mirabai Ceiba.

Aukai recoge una colección de catorce paisajes acústicos de carácter inmensamente calmados, donde guitarras, predominantes cuerdas y casi inapreciables teclados ambientales transportan al oyente hacia un viaje al interior, lugar de sosiego y serena belleza.

Sieber nació en 1974 y creció cerca de Dresden, Alemania. Participó en varios grupos de música de rock por los años 90 antes de desarrollar su carrera como actor en Berlín y San Petersburgo. En uno de sus viajes, México lo puso en contacto con la música más indígena lo que despertó en el músico nueva misión musical que le llevó a dar la vuelta al mundo en varias ocasiones.

Este álbum no sólo tiene que ver con recuerdos del viaje” afirma Sieber, “también con recuerdos de la infancia y la naturaleza. Quería crear un espacio sonoro donde la música guiase al oyente hacia un mundo interior imaginativo“.

Aukai nació del deseo de crear un nuevo tipo de música que encajase con el cine, la producción de vídeo, el teatro y las artes visuales. Sieber comenzó a idear composiciones en plena gira por el mundo. El proyecto se desplazó a Berlín, donde Sieber grabó las pistas en el estudio de Martyn Heyne con una variedad de equipos analógicos y un gran elenco de músicos internacionales como: Berliner Anne Muller (Agnes Obel Band, Nils Frahm), al chelo, Bogdan Djukic al violín. La esposa de Sieber e integrante del dúo Mirabai Ceiba, Angelika Baumbach, añadió el piano para varias pistas, y su hermano Alexander Nickmann contribuyó con los teclados electrónicos y el diseño de sonido. Aukai fue masterizado en Londres por el premiado ingeniero Mandy Parnell quien también ha masterizado álbumes de Brian Eno, Bjork, Max Richter y muchos otros.

Aukai se desvía de los sonidos demasiado procesados, inclinándose por un sonido acústico brillante, lo que lo hace un álbum Ambient diferente, perfecto y sofisticado. Los cortes que lo componen son interesantes, admirables en producción y composición. Posiblemente el mejor álbum Ambient del Año.

Aukai está disponible en Bandcamp en formato: Digital, CD y vinilo.

El 23 de septiembre podría ver la luz el nuevo y esperado álbum de Vangelis bajo el título Rosetta.

Rosetta, el próximo álbum de Vangelis

Créditos: Imágen por Reviews New Age

Publicado bajo el sello Universal Music/Decca, ya podemos ver en algunas stores por internet el que posiblemente sea el próximo trabajo del músico griego Vangelis.

Rosetta, álbum  inspirado en la sonda espacial del mismo nombre que fue lanzada por la Agencia Espacial Europea (ESA) el 2 de marzo de 2004, ya contaba con tres composiciones que fueron especialmente compuestas para la ocasión por el músico griego: Arrival, Philae’s Journey y Rosetta’s Waltz. Las recordamos:

Rosetta, con fecha de publicación para el próximo mes de septiembre, pretende llegar a las tiendas en formato MP3, CD y vinilo el día 23 del mencionado mes. Ya podemos verlo publicado en algunos stores como: Rakuten, Saturn o MediaMarkt.

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Trine Opsahl & Josefine Opsahl - Unbroken Dreams

Unbroken Dreams
Trine Opsahl & Josefine Opsahl
2015
68 minutos

Lo nuevo de una de las arpistas más destacadas del género, Trine Opsahl, ha llegado y en esta ocasión no en solitario. Trece temas, algunos de trabajos anteriores, y más de una hora de joya musical nos envuelve gracias a las manos de dos hermanas que por tercera vez se unen en un mismo álbum; hablamos de las noruegas Trine Opsahl y Josefine Opsahl que nos traen Unbroken Dreams, un álbum que en su camino minimalista acaricia los géneros clásico y celta.

Arpa y chelo en un diálogo intenso y oscuro presentan Unbroken Dreams con “The Last Grasp of Winter”, una composición perfecta en forma, donde ambos instrumentos intercambian papeles, para deleitarnos con de fondos oscuros y fragmentos melódicos. ¡Exquisita!.

Una de las grandes composiciones del álbum lleva el título “A Star in Heaven is Born Tonigh”, pieza que ya apareció en su último trabajo en solitario. Es íntima, ligeramente dolorida, con mucho protagonismo al arpa, Josefine deja su chelo en un segundo plano como acompañamiento, mientras que el arpa de Trine desgarra notas sinceras y profundas, componiendo una melodía dulce y al mismo tiempo… Inolvidable. Magia hecha música.

“Dawn/The Light Dances My Love” tiene un toque reservado y sombrío. A golpe de arpegios y notas, Trine deja paso a su hermana, quien con pasión va entonando en solitario una rápida música con su instrumento, para minutos después, seguir a dúo y con más calma, más luz.

Continuando con los enigmas, se presenta “Drifting on Silky Clouds”, pero esta vez con más simpleza y dejando entreabierta una grieta a claridad melódica. Con un comienzo lento y sencillo, abierto a todas las posibilidades, las hermanas deciden obsequiar los oídos del oyente con una música entrañable y hermosa, un conjunto de notas que saben dibujar una grata sonrisa en nuestro rostro. Otro de los grandes temas de Unbroken Dreams.

Hasta el momento, la pieza más apasionada del álbum se presenta como “A Fairytale”. Con un toque mágico, la música se expresa con pasión y ternura, siendo el chelo el instrumento predominante, el instrumento que aporta fuerza a la composición, mientras que el arpa le ofrece una amable caricia.

Un lamento, un recuerdo que debe ser borrado… Así es “Diving Into an Ocean of Love”. Con un perfil realmente herido, el tema no deja ni un ápice a la felicidad, sólo son malos recuerdos, es momento de olvidar…

“I am Your Moon and Your Moonlight Too” podría pasar por una hermosísima canción de cuna. Compleja por su elaborada composición y cariñosa por su cuidada y pacífica melodía, el tema pasa arrullando nuestro sentidos gracias a un sonido susurrante, brillante, cuidado… ¡Magnífico!.

Extraído de su anterior y premiado álbum del mismo nombre, Trine presenta su tema “Somewhere in a Hidden Memory” pero esta vez junto a su hermana, quien le ofrece una expresividad y cuerpo muy diferente a la versión original. Un arreglo interesante.

“Castle of Unbroken Dreams”. Con un comienzo que recuerda a algunos temas de Loreena McKennitt, “Castle of Unbroken Dreams” es uno de los temas más allegados al género celta del álbum, además poseedora de una melodía que resuena a música antigua. ¡Me gusta!.

“Sterna Paradisae” es sencilla, nuevamente secreta durante unos minutos, hasta la aparición del chelo de Josefine, que le aporta carácter y cuerpo al tema. “Sterna Paradisae” está creada para la reflexión, para recordar, para sentirla.

Romántica y sincera se presenta “Rosebed Garden”, una verdadera delicia para los oídos, donde justas pausas se unen a notas perfectamente conjugadas, culpables de una música llena de luz, brillante, apasionada.

Luz, libertad, paz… Todo lo que rodea a los días de verano, momento del año para desconectar y evadirse de todo. Trine y Josefine han recogido esa banda sonora, las notas que describen una soledad ansiada a golpe de arpa y chelo.

Para cerrar el álbum, Trine y Josefine han apostado por uno de los temas del anterior trabajo de Trine Opshal, Somewhere In a Hidden Memory, hablamos de “Ladybirds & Butterflies”. “Ladybirds & Butterflies” es el tema perfecto para cerrar Unbroken Dreams, deja un final abierto y con sentimiento de paz y liberación perfecto.

Gratamente sorprendido por un álbum que roza la perfección, un trabajo que resuena en la mente una y otra vez tras ser escuchado. El dúo que forman las hermanas Opsahl es clave de éxito, un tándem acertadísimo que debería continuar en cada  nuevo lanzamiento. Tras el álbum en solitario de Trine en 2012, se descubría un arpa celta mágica, única, difícil de igualar, pero el álbum que nos presenta hoy tiene un añadido sorprendente, la chelista y hermana de Trine, Josefine. Unbroken Dreams es un álbum cuidado, con pasión por todos los detalles… Asombroso en composición, sonido, producción, diseño… Una verdadera joya. Sin duda, muy altamente recomendable.

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reviewsnewage.com
08/06/16

YANNI: THE DREAM CONCERT LIVE FROM THE GREAT PYRAMIDS OF EGYPT se publicará en formato 4K y sonido envolvente 5.1 el próximo 3 de junio.

El sueño de Yanni verá la luz el próximo 3 de junio

Créditos: Foto por Samer Abdallah – Edición por Reviews New Age

El Nº 1 en ventas, compositor, productor, multi-instrumentista y fenómeno global Yanni ha interpretado su distintiva música en lugares exóticos e históricos de todo el mundo. Desde su concierto sin precedentes en la Acrópolis a su más reciente presentación en televisión en El Morro, Puerto Rico, Yanni ha llevado a límites increíbles la forma de hacer música en vivo. Después de tocar en la Ciudad Prohibida de China y en el Taj Mahal en la India, Yanni cumplió el sueño de toda su vida, tocar al pie de la Esfinge en las grandes pirámides de Giza en Egipto, una de las siete maravillas del mundo.

El concierto, llevado a cabo en noviembre de 2015, fue grabado en 4K, la más alta técnica de audio y vídeo en alta definición, y cuenta con nuevos arreglos de algunas las mejores composiciones del músico, además de canciones nunca antes interpretadas.

YANNI: THE DREAM CONCERT LIVE FROM THE GREAT PYRAMIDS OF EGYPT saldrá a la venta en CD, DVD o Blu-ray el próximo 3 de Junio via Sony Music Masterworks y Portrait Records, y ya está disponible para su reserva en iTunes y Amazon.

Yanni tiene el récord de la mayor parte de números #1 en la categoría New Age en Bilboard, acumulando más de 40 discos de oro y platino con ventas de más de 25 millones de dólares. Ha sido nominado en múltiples ocasiones a los premios Grammy, Yanni como artista internacional ha realizado conciertos en todo el mundo para millones de personas. Sus obras cruzan fronteras, independientemente de la edad, la raza, el idioma o la cultura.

Actuar por primera vez en las grandes pirámides de Egipto fue un gran honor para el artista, que afirmó: “Ha sido un sueño para mí actuar en el “El corazón de la civilización!!”. Estoy muy agradecido de que este sueño se haya hecho realidad. Durante mi visita y actuaciones en Egipto he experimentado su cultura y me he enamorado de ella, del espíritu alegre y acogedor, la calidez y abrumadora generosidad de su gente. Un evento inolvidable que se ha inmortalizado en una impresionante producción de vídeo 4K con el mejor audio envolvente 5.1. Estará siempre grabado en mi mente y en mi corazón“.

El trío formado por el guitarrista Brian Hughes, la chelista Caroline Lavelle y el violinista Hugh Mars componen Secret Sky.

El trío estrella de Loreena McKennitt publica su primer álbum, Secret Sky

La nueva banda Secret Sky reúne a tres de los músicos más interesantes y creativos en la música celta. Brian Hughes (guitarras, laúd y bouzouki), Caroline Lavelle (cello y voz), y Hugh Marsh (violín).

Los tres músicos se encontraron hace ya más de 20 años y han estado tocando juntos en la banda de Loreena McKennitt desde entonces. Su álbum debut homónimo está producido por el guitarrista Brian Hughes y es una emocionante colaboración entre los tres músicos que da fuerza y profundidad emocional a las canciones tradicionales y originales que componen Secret Sky.

Brian Hughes y Hugh Marsh son los reyes de las improvisaciones en los conciertos de Loreena McKennitt, y este disco les ha dado libertad y espacio para lograr el apasionado sentimiento evocador de algunos de los álbumes de la década de los 70. Una sensual voz es la marca de Caroline Lavelle y en este álbum ocupa una gama más amplia de la que se ha utilizado hasta la fecha, su voz va desde un tono íntimo y delicado a un poderoso tono rockero, y junto a su emocionante violonchelo componen una formidable talento en el trío.

Secret Sky, que por el momento no se encuentra disponible a la venta salvo en la web oficial de la banda, se compone de nueve tracks y están disponibles los formatos CD, MP3 y FLAC.

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Oldfield finaliza la segunda entrega de Ommadawn y deja la puerta abierta a un posible Tubular Bells 4.

Mike Oldfield regresa a sus inicios con Return to Ommadawn

Créditos: Imagen por Antonio Muñoz

Tras dos años del lanzamiento de su último álbum, Man On The Rocks, el propio Oldfield va dejando constancia de sus avances e inquietudes en su Facebook personal, manteniendo informados a sus seguidores de todo lo que acontece en su estudio;  adelantando novedades del que será su próximo trabajo.

Hace meses que el músico inglés mantiene a todos sus seguidores intrigados con el anuncio del avance del trabajo que lo transporta a sus orígenes; la segunda entrega del álbum sinfónico Ommadawn, tercer álbum del músico inglés y uno de los trabajos más laureados por sus incondicionales.

Al parecer, Return to Ommadawn podría ver la luz éste mismo año y contará con una extensa instrumentación, como así nos indica el propio músico, además de gozar con sonido 5.1. A falta de conocer el tracklist definitivo, todo apunta a que siguiendo a su antecesor podría constar de dos extensísimos tracks.

Mike Oldfield regresa a sus inicios con Return to Ommadawn

Finalizado éste nuevo álbum, Oldfield lanza la deseada pregunta: “¿Quién quiere un TB4?.” A lo que el propio Mike responde: “Bueno – Terminado “Return to Ommadawn” ahora mi tiempo se reparte entre la mezcla de sonido envolvente 5.1 de Return to Ommadawn y un posible TB4. Creo que podría haber conseguido una INTRO perfecta para el nuevo TB4. Es tan difícil encontrar una perfecta melodía con las pocas notas musicales disponibles.

Por lo que todo apunta que Tubular Bells 4 podría ser el próximo proyecto de Mike Oldfield, apaciguando a todos los seguidores que anhelaban nueva música del Oldfield de la etapa Virgin y Warner. ¡Mike Oldfield ha vuelto!.

Colaboraciones de auténtico lujo en el nuevo lanzamiento del guitarrista David Clavijo, From The Depths.

From The Depths, lo nuevo de David Clavijo, ya está a la venta

El guitarrista sevillano se ha hecho esperar y tras seis años de incertidumbres, David Clavijo anuncia el que es su segundo trabajo, From The Depths.

Aprovechando el lanzamiento de From The Depths, David Clavijo presenta por sorpresa para todos sus seguidores una nueva web adaptada al estilo de éste nuevo trabajo, un álbum alejado de su primer y exitoso The Landing, mucho más maduro y repleto de colaboraciones de auténtico lujo; instrumentistas y voces de primer nivel, como:

El Maestro y artista Chad Lawson, pianista #1 en Billboard y iTunes, que recientemente publicó su segundo trabajo, BACH.

El premiado y reconocido saxofonista Premik Russell Tubbs, habitual en los conciertos de Herbie Hancock, John McLaughlin, Narada Michael Walden, Jackson Browne, Carlos Santana, Jeff Beck, Yoko Oginome, Cecil McBee, George Duke, Stanley Clarke, Jaco Pastorius, Jean-Luc Ponty, T.M. Stevens, Wayne Shorter.

La vocalista y chelista Rosa Cedrón, conocida por ser la voz de la banda Luar Na Lubre o intérprete en el álbum Tubular Bells III, del compositor y guitarrista inglés, Mike Oldfield

Cillyan Vallely, el Maestro gaitero de una de las bandas celtas más famosas a nivel mundial, Lúnasa;

La voz de David Arkenstone, Charlee Brooks, presta su mágica voz en algunos de los tracks de From The Depths, una voz elegida a conciencia por Clavijo por el carácter general del CD… Entre otros.

From The Depths, un álbum que oculta entre sus acordes una difícil etapa del compositor sevillano, se compone de once cortes que se mueven a medio camino entre la New Age más pura, la World Music y el Pop, pero siempre sin dejar el toque característico del compositor: sus teclados, los instrumentos étnicos y por supuesto, sus guitarras. Identificando a algunas de sus influencias: Deep Forest, Enigma, Yanni, Terry Oldfield y Mike Oldfield.

From The Depths ya está disponible en iTunes como Pedido Anticipado a un precio de lujo y con la posibilidad de conseguir el segundo single del álbum, Fly With Me.

Raphael Groten - Journey Home

Journey Home
Raphael Groten
2015
45.2 minutos

La guitarra fingerstyle de los mejores años de Ackerman es algo que se echa mucho de menos. Muchos guitarristas juegan con sus cuerdas pero no consiguen encontrar ése toque suave, dulce, relajante que William creó. Ahora, y apoyado por la producción del mismísimo Will Ackerman, nos llega lo nuevo del guitarrista Raphael Groten bajo el título Journey Home, donde tan sólo la guitarra acústica es la protagonista los catorce cortes del álbum. Un instrumento narrador, amable, reflexivo… Interesante.

Abrimos Journey Home con “Sweetness”, una pieza con una melodía sencilla y entrañable, al mismo tiempo que pegadiza. Groten acaricia acordes y puntea con mimo las diferentes notas de una composición frágil, bellísima.

“Black River” es algo más rápida, no mucho más, pero lo suficiente. Lo interesante de esta pieza es el protagonismo que el guitarrista le ofrece a los silencios, así como el juego que realiza con los armónicos. “Black River” tiene un sonido genuino, sureño, rememorando cañones y llanuras del vasto territorio americano.

Con un toque más romántico y dulce aparece “Waves”. Igualmente dando sitio a los silencios, Groten interpreta una composición afable y luminosa, pero siempre conservando la caricia justa en las cuerdas, sin romper la armonía, sin ser estridente…

Introspectiva, serena y prudente es “Awakenings”, una de las piezas más pacíficas del CD. En esta ocasión, Raphael se encarga de mostrarnos un lado más reservado, más pensativo e íntimo, ofreciéndonos una música que parece ser improvisada, donde une acordes agudos y graves con pesadez, con lentitud…

“Breath” es como su título indica un golpe de aliento cálido. A ritmo de suspiros, el guitarrista nos sorprende con una música nuevamente pegadiza y con un estilo muy cuidado, pasional y verdaderamente hermoso.

En “Echos” se vuelve a jugar con los rasgueos y los silencios, dando cierto paso a una melodía más cuidada y trabajada, eso sí, sin muchas complicaciones.

La enérgica “Arrival” es diferente a todas las anteriores. Aunque su comienzo es lento, si bien es más compleja en cuanto a composición, además de poseer un tempo más acelerado y requiere de una técnica más depurada y trabajada. “Arrival” es una de las grandes piezas de Journey Home.

Melancólica y tierna es “Ebb and Flo”. Nuevamente, Groten juega con las cuerdas para dar intensidad y mimo al tema, dejándonos una composición muy entretenida y emotiva. “Ebb and Flo” es otra de las composiciones atractivas del CD.

El recuerdo invade al artista. “Grandpa’s Hands” es un canto a la memoria de un ser querido, en esta ocasión, al abuelo del guitarrista. La música es quebradiza y posee una fuerte carga emotiva. El paso de los silencios entre acertadas notas es justo para atravesar el alma del oyente.

De nuevo, el sonido sureño hace aparición, y sinceramente, me fascina. “Rest” es relajada, pero posee un sonido muy intenso y unos rasgueos muy característicos. Recuerda al estilo de Keith Medley, pero en esta ocasión bajo una composición muy seductora y sensible.

Como el paso de un dulce sueño, así es “Elder”. La pieza que al comienzo parece ser una canción de cuna, dulce y delicada, se debilita al paso de cada nota, se mantiene reposada en todo momento…

“Truth” es el despertar de “Elder”. Algo más activa que el track anterior, posee una composición muy parecida a “Elder”, pero eso sí, esta vez mostrando unos arpegios y rasgueos más vivos y contundentes.

Continuando con la ternura de temas anteriores, aparece “Be”. Acordes pegadizos y al mismo tiempo entrañables dan sentido a “Be”, otra de las grandes melodías del CD, donde el estribillo, repetitivo, se hace encantador.

Raphael Groten finaliza con un reprise del tema que abría el álbum, “Sweetness”. No más de dos minutos para dejar un final cerrado y muy buen sabor de boca al oyente.

Tan sólo un instrumento es necesario para crear un grandísimo álbum, siempre y cuando el intérprete sea un Maestro y así lo demuestra Raphael Groten. Journey Home no necesita más, tan sólo la guitarra de Groten y unas melodías sencillas y penetrantes que lleguen con fuerza al oyente, con emoción, con sentimiento. Journey Home es un álbum perfecto para disfrutar en momentos de relajación. Sin duda, un álbum recomendado.

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reviewsnewage.com
02/05/16

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Reviews New Age une en un tour Californiano a los sorprendentes Elijah Bossenbroek y Matthew Mayer.

Los "Reviews New Age Series Concert" llegan a los Estados Unidos

Elijah Bossenbroek & Matthew Mayer – Reviews New Age Series Concert – Three Nights, California Tour

Espectacularidad y emociones sin límites, así es la música de Elijah Bossenbroek y Matthew Mayer. En sus conciertos consiguen levantar al público de sus asientos gracias a un piano vivo, virtuoso y colmado de grandes historias. Dos estilos muy similares frente al instrumento, poderosos, que ahora se encontrarán por primera vez en un mismo escenario para deleite de todos sus seguidores. Estaríamos hablando posiblemente de uno de los mejores conciertos para piano que podrían realizarse.

Reviews New Age Series Concert – Three Nights, California Tour supone el salto de Reviews New Age a tierras estadounidenses y no podría aterrizar en suelo americano con un comienzo mejor, cumpliendo la petición de muchos seguidores del piano, de Matthew Mayer y Elijah Bossenbroek.

Comprar tickets – Aug 19, 2016, 07:00 PM – Trianon Theatre – Recital Hall – 72 N 5th St, San Jose, CA 95112
Comprar tickets – Aug 20, 2016, 07:30 PM – Red Gate Recorders Recording Studio – 4440 York Blvd, Los Angeles, CA 90041
Comprar tickets – Aug 21, 2016, 02:00 PM – Rancho Bernardo Branch Library – 17110 Bernardo Center Dr, San Diego, CA 92128

Eljah Bossenbroek es uno de los pianistas más elogiados del panorama actual, su combinación de piano virtuoso con arreglos orquestales le ha llevado a ser un referente en el género del piano contemporáneo. Alcanzando las primeras posiciones de ventas en iTunes o Amazon, Elijah puede sentirse orgulloso de ser uno de los pianistas con más carácter y personalidad de su género.

Con tan sólo dos álbumes, Bossenbroek ha llegado a conseguir cifras de ventas sorprendentes en un estilo musical muy castigado en la actualidad, algo plausible y que de momento sólo él y Matthew Mayer han logrado conseguir.

Su álbum debut Harmony in Disarray es uno de los más laureados en las stores, recibiendo más de un centenar de comentarios por parte de seguidores y críticas que alaban su trabajo, un álbum que le dio el éxito internacional. Le seguiría Carpe Lumen, un CD que esperaban con anhelo sus seguidores, y Elijah no defraudó; el artista consigue que cada nota transmita emociones, que despierte sentimientos.

Nacido y criado en Grand Rapids, Michigan. Empezó a tocar el piano a los seis años. Bossenbroek odiaba la repetición de aprender las notas y tocar con metrónomos. Frustrado, Elijah comenzó a escribir sus propias composiciones para piano a los catorce años. A los dieciocho años, se alistó en el Cuerpo de Marines de Estados Unidos, donde durante cinco años viajó a lugares como Mississippi, Japón, California y Kuwait. A su regreso de los desiertos de Kuwait, Elijah compró un estudio de grabación y comenzó a trabajar en su primer álbum, Harmony In Disarray. En 2007 después de ganar una gran popularidad, llamó la atención de un A&R del sello “A Matter of Substance Records”, firmando un contrato de grabación para su segundo álbum Carpe Lumen.

Matthew Mayer llegó a los oídos de todos gracias a su álbum Beyond, álbum que se ha colado entre los Mejores álbumes de Piano de Todos Los Tiempos por méritos propios gracias a una cuidada composición y una asombrosa técnica. Su música, creada a partir de las vivencias del propio pianista no necesita ningún otro instrumento como añadido, el piano en sus álbumes es tan complejo y completo que se convierte en un narrador de historias perfecto, así como en un magnífico procurador de sensaciones. Su música es descrita habitualmente como “Un impresionante tesoro… Absolutamente increíble!“, tanto por sus seguidores como por la crítica especializada.

Junto a su amor por la composición, Matt también es un dinámico artista. Ha actuado en la NBC, así como en lugares sagrados, conferencias y eventos de gran importancia. Su música es habitual como banda sonora de series de televisión y películas.

Mayer creció en Canistota, Dakota del Sur, y comenzó a tocar el piano a los 12 años. Ha estado escribiendo y componiendo música desde entonces. En otoño de 1999, lanza su primer CD titulado Crossing the Bridge bajo su propio sello, Mayer Music LLC. Hasta la fecha, ha producido 8 álbumes de solos de piano, siendo Remember Your Waltz su último trabajo, una continuación de su Obra Maestra, Beyond. La música de Matt ha aparecido en vídeos de promoción y más recientemente, en una película. Matthew es también el fundador de la radio streaming de solos de piano, Solo Piano Music.