Alejandro Clavijo | Reviews New Age - Discovering Music
lunes, 20 agosto, 2018
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Alejandro Clavijo

Alejandro Clavijo
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Existe otro estilo musical. Fundador de ReviewsNewAge.com, editor de noticias y discos. Escribir se ha convertido en un segundo y placentero trabajo.

El grupo norteamericano inicia su gira por Estados Unidos. Al Carnegie Hall llegarán el 28 de septiembre.

La banda estadounidense FLOW anuncia su primer disco y gira

Un acústico minimalista, profundo, de piano, vientos y cuerdas, es la presentación de FLOW, la banda encabezada por el ganador del GRAMMY y guitarrista, Will Ackerman, junto al guitarrista Lawrence Blatt, la pianista Fiona Joy y el trompetista Jeff Oster.

La agrupación inició su gira por los Estados unidos en 2017, incluyendo sólo dos fechas, el primero en Vermont; y el segundo en el Carnegie Hall de Nueva York. FLOW, que emprendió su andadura en 2017 presentando su primer disco de estudio bajo el mismo nombre, se encuentra ahora en plena promoción del álbum, incluyendo nuevamente el Carnegie Hall de Nueva York entre sus fechas.

La banda formada por Blatt, Joy y Oster se inició en 2015 con el objetivo de crear un álbum con el emblemático sonido de Windham Hill, eligiendo para ello el estudio del precursor de aquel único sonido, Imaginary Road Studios, del guitarrista y productor Will Ackerman. Ackerman pasó a ser el cuarto miembro de la banda.

Stephen Hill (Hearts of Space) señaló esta unión de artistas como un ejemplo de renacimiento en el género New Age: “en los últimos años, el género New Age ha sido reconsiderado de manera crítica, con compilaciones cuidadosamente seleccionadas de material histórico, mientras que ambos veteranos y los descendientes del género están creando nueva música que merece una atención seria. Un buen ejemplo es el grupo FLOW, que incluye nada menos que al guitarrista Will Ackerman, en una especie de “supergrupo” New Age“.

Stephen Hill (Hearts of Space): “FLOW es una especie de “supergrupo” New Age

FLOW, el álbum homónimo, se lanzó el 6 de octubre de 2017. Acompañaron a Blatt, a Joy, a Oster y a Ackerman en el álbum, los artistas: Marc Shulman, Tony Levin, Jeff Haynes, Sam Bevan, Eugene Friesen y Tom Eaton.

El álbum muy aclamado por la crítica, ha recibido varios galardones. Recibió el premio a “New Age Album of the Year” en la decimosexta edición de los Independent Music Awards en el Lincoln Center de la ciudad de Nueva York el 3 de abril de 2018, y ocupó el #1 en el Top 100 Radio Airplay Chart de ZoneMusicReporter (ZMR) durante dos meses, siendo ganador de dos premios de ZMR; “Album of the Year” y “Best Contemporary Instrumental Album”.

Escucha FLOW en Spotify

Gira FLOW 2018

Spring 2018 tour dates:
New Orleans: The Jazz Museum
New Orleans: Roussel Hall in ZMR Awards Concert (winning 2 categories)
Seattle: The Royal Room
Novato, CA: Unity in Marin Church
Los Angeles: The Grammy Museum

Fall 2018 tour dates:
Nashville, TN – (venue / date to be announced soon)
Philadelphia, PA – (venue / date to be announced soon)
NYC – Sept 28 , 2018 at Carnegie Hall

La pianista Robin Spielberg alcanza los primeros puestos en la lista Billboard con su nuevo y relajante álbum.

On the Edge of a Dream, lo nuevo de Robin Spielberg entra con fuerza en la lista Billboard

On the Edge of a Dream alcanza la #6 en la lista Billboard (New Age Albums)

Robin Spielberg publica el 2 de marzo su nuevo álbum, «On the Edge of a Dream», según anuncia en una nota de prensa la pianista norteamericana, que no lanzaba material nuevo desde Abril de 2015.

Grabado en North Sutton, New Hampshire, el que será su decimoquinto álbum ha sido producido por la misma Robin Spielberg y masterizado por Gerry Putnam.

«On the Edge of a Dream», alcanza la #6 posición en Billboard

On the Edge of a Dream, lo nuevo de Robin Spielberg entra con fuerza en la lista Billboard  Catorce son los cortes que integrarán este nuevo trabajo, los cuales llevan por título: On the Edge of a Dream, We Meet Again, Drifting, Spellbound, Nightfall, The Secret Path, Stargazing, Calling All Dreamers, Illusion, Into the Night, Safe and Sound, Meeting Monet, We Meet Again (Recurring Dream) y Blue Moon Rising.

Autora de varios álbumes de éxito como Dreaming of Summer o Sea to Shining Sea, Spielberg ha logrado alcanzar la mejor posición en la lista Billboard (New Age Albums) con «On the Edge of a Dream», alcanzando la #6 posición en el chart; todo un mérito para un álbum de solos de piano.

«On the Edge of a Dream» cubre una placentera y dulce hora con improvisaciones grabadas frente a un piano Steinway & Sons de 1898, lo que hace de este nuevo álbum, un asistente más que perfecto para momentos de relajación, contemplación, meditación o la realización de ejercicios de Yoga.

Robin Spielberg es una de las compositoras/pianistas más queridas de América. Con una programación de tours impresionante y cientos de miles de discos vendidos, esta artista oficial Steinway & Sons se ha ganado los corazones de los oyentes de todo el mundo, gracias a sus convincentes melodías y a su sensible técnica al piano desde que debutó con su primera grabación de solos de piano Heal of the Hand.

«On the Edge of a Dream» ya está disponible en todas las plataformas digitales, tales como: iTunes, CDBaby, Amazon o Spotify.

 

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Fiona Joy - Signature Synchronicity

Signature Synchronicity
Fiona Joy
2016
43.1 minutos

La virtuosa pianista Fiona Joy nos presenta la más completa transformación realizada en álbum. En 2015, la pianista publicaba Signature – Solo, una muestra de solos de piano con alguna que otra colaboración, que alcanzó gran popularidad, siendo uno de los álbumes más destacados del año. Transcurrido un año, Hawkins lanza Signature Synchronicity, las mismas composiciones pero elevadas a un nivel superlativo. Acompañada de sus habituales músicos: Will Ackerman, Tony Levin (bajo), Marc Shulman (guitarra eléctrica), Tom Eaton (teclado) Jeff Oster (trompeta), Borbala Bodonyi (voz), Nick Hawkins (batería), Jeff Haynes (percusión), Eugene Friesen (violonchelo) y Rebecca Daniel (violín), la compositora musicaliza con complejidad su anterior éxito.

“Ceremony” abre el álbum. Un reservado piano realiza la introducción para una voz cautivadora, instrumento que nos acompañará en la mayor parte del álbum. Intensa y con un tempo sutil y bien marcado, “Ceremony” viaja entre la ternura y la esperanza. Radiante.

Mimo en el tacto y seductores susurros dan vida a “Grace”, la composición destacable del álbum, que a pesar de su sencillez, posee un poder atracción difícil de describir. “Grace” obliga a cerrar los ojos, agudizar los sentidos y remembrar momentos pasados. Una de las grandes favoritas, sin lugar a dudas.

Más prudente que las dos piezas anteriores se presenta “Fair Not”. Rozando el género clásico, el emocional piano de Fiona se une a las cuerdas de Rebecca y Friesen, regalándonos un Obra Maestra en todos los sentidos. Juego de silencios, complejidad y Maestría definen a la perfección esta joya con mayúsculas. Sobrenatural.

Al igual que pasara con “Ceremony”, la embriagadora voz de Borbala nos seguirá de cerca, acariciando nuestros oídos. “Once Upon Impossible” es una gris canción de cuna, donde sólo la voz y el piano tienen cabida.

Volvemos a cerrar los ojos… “Calling Earth” vuelve a ofrecer el tándem Fiona/Borbala, un dúo perfecto. A partes iguales, el piano y la voz se hacen volátiles arrastrando al oyente a un placentero sueño, libre de ansiedades, lejos de adversidades…

Aprovechado de forma muy original el sonido del tren. Reproduciendo al piano el sonido del tren a su paso por las vías, Fiona Joy consigue una compleja base musical para crear una auténtica maravilla. “Invisible Train” une a varios instrumentos en una producción exquisita, donde el piano es la estrella en todo momento. ¡Magistral!.

La simpatía por el Chill Out de Fiona es sabida por todos, en su discografía podemos disfrutar de algunos sensuales álbumes dirigidos al público amante del verano y la playa. En este trabajo Fiona no ha querido dejar pasar la oportunidad de hacer una interesante inclusión en el Chill, creando una nueva versión de “Grace”. Conservando el mismo encanto que en la versión original, Joy incluye un tempo más candente y la guitarra eléctrica típica de la electrónica Chill Out… ¡Cálida a más no poder!.

Minimalista y extremadamente reservada surge “Signature”. Ackerman a la guitarra, Jill al viento y Fiona al piano dan vida una pieza que recuerda con fuerza a la época dorada de Windham Hill… Es toda una delicia, un regalo para los sentidos.

“From the Mist” es fantasía, mágia… Como sacada de una película de hadas y elfos, la compositora sorprende con una música nada común para este trabajo, pero que sin duda, es de agradecer. “From the Mist” une piano, violín y el mágico sonido del whistle. Un toque celta para dar vida a otra de las grandes composiciones del Signature Synchronicity.

“Little Star” cierra el álbum. Una amable y dulce canción de cuna donde por primera vez, el piano es el único protagonista. Invita a soñar.

La complejidad en producción y composición dan como resultado un álbum Maestro, lo mejor del año. Es indiscutible que tanto talento unido en un mismo estudio crea un efecto extraordinario. La compositora Fiona Joy y Will Ackerman hacen un dúo admirable y esto se ve reflejado en Signature Synchronicity, donde todos los cortes que lo componen no dejan indiferente al oyente. Estamos ante uno de los álbumes del año.

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reviewsnewage.com
08/09/17

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Bob Kilgore - Time and Again

Time and Again
Bob Kilgore
2016
50.2 minutos

Bob Kilgore, el guitarrista fingerstyle creador de la harmonic capo (cejilla armónica), publica tras años de silencio Time and Again, un álbum ligeramente diferente a todos sus anteriores, experimental, donde no sólo combina su habilidad frente al instrumento de seis cuerdas, también une los teclados de Bear, su hermano, y el chelo de la artista Sarah Dean. Kilgore da una nueva dirección a su guitarra.

“IDIBITS” abre el álbum. Un sencillo punteo, lento, abre el tema para posteriormente presentarse con un desequilibrado arpegio que se ve acompañado por los teclados de Bear. Realmente, son los teclados de Bear los protagonistas, Bob conserva el mismo y habilidoso sonido prácticamente hasta el final, realizando pequeñas variaciones.

“Time and Again”, el track que da título al álbum. Al igual que la pieza anterior, se presenta con sencillo toque de cuerdas y tras uno segundos, la cosa cambia. Elaborada y realmente atractiva, “Time and Again” une guitarra, teclados y chelo, lo que le aporta una compleja y completa armonía al tema. Me gusta.

“Stone Lions” es la pieza más breve del álbum, y se agradece. Durante dos minutos, el tema se mantiene alocado, rápido y sin variaciones.

Regresando a la normalidad, aparece “Find the Lady”. De nuevo, el tandem Bob/Baer es fantástico, tanto piano como guitarra se entienden a la perfección, consiguiendo una melodía en la cual, ambos son protagonistas.

“Caravan Jam” sorprende con aires orientales. La guitarra con su peculiar arpegio se ve acompañada por vientos del este y otros sonidos étnicos que le aportan un encanto único. Embriagador.

Entrañable y disfrutando esta vez con la musicalidad de Bob, lo que realmente nos gusta. “Approaching Joy” es una de las piezas destacables, donde no es necesario ningún acompañamiento, tan sólo el arpegio de Kilgore es suficiente. Hermoso, brillante.

Continuando con el estilo inconfundible de Kilgore a la guitarra se presenta “Meeting of Waters”. Aunque se sigue diferenciando la guitarra de Bob, de nuevo se acompaña con piano y sintetizadores, lo que le aporta un aire distinto a las producciones habituales del guitarrista. Sin duda, otra belleza de Kilgore.

Demencial, una auténtica locura práctica. Bob continúa experimentando, esta vez bajo el título “Tap Jockey”, donde la guitarra es una esquizofrenia y los sintetizadores son las únicas variables en esta ecuación sin deducción.

Regresamos a la tranquilidad, en esta ocasión con “All I Can Say”. Calidez y hermosura son los adjetivos que mejor califican a esta nueva composición, donde los hermanos vuelven a demostrar que el dúo es lo más poderoso.

Emotiva y radiante es “Once Upon a Sky” otra maravilla que nace de las manos de Bob. El fingerstyle es brillante, generando una musicalidad y una sensación realmente indescriptibles. Fantástico Maestro.

“Stop Motion” es otra de esas piezas que rompen por completo con el estado de quietud creado por los tracks anteriores. Nueva guitarra desequilibrada y teclados que van a socorrerla.

Manteniendo la tensión hasta el final, Bob y Bear dan vida a “On Point”, y esta vez, aunque la guitarra es repetitiva, es cierto que posee cierto encanto en el conjunto creado por las seis cuerdas y los teclados. Interesante hasta el final.

Time and Again se cierra con “The Tortoise and Achilles”, un tema que da protagonismo a los synth pads de fondo, mientras Bob Kilgore se encrespa con su instrumento. Un final caótico para un álbum diferente, interesante.

Investigando en algunos sonidos y mezclas, Bob Kilgore presenta Time and Again, posiblemente uno de sus álbumes más complejos en cuanto a producción. Bob vuelve a unirse a su herman, juntos realizan verdaderas joyas, y Bob, sin abandonar su mágica polifonía frente al instrumento nos continúa regalando verdaderas joyas. Time and Again es un álbum recomendable para todos los amantes de la guitarra acústica/fingerstyle.

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08/09/17

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Gary Girouard - Transitions

Transitions
Gary Girouard
2016
50 minutos

Continuando con la saga “The Naked Piano”, el pianista y compositor Gary Girouard presenta su última entrega bajo el título Transitions. Compuesto por doce cortes y dos bonus, este nuevo álbum se asienta bajo una interesantísima combinación de dulces emociones. A medio camino entre la nostalgia y el lamento, y con un toque minimalista y jazzistico, Transitions muestra al oyente un amplio universo de evasión.

Transitions se presenta con “Solitude”, una de las piezas agridulces del álbum. “Solitude” combina notas dulces con tonalidades algo más grises, lo que ofrece al oyente unos minutos de remembranzas con diferentes tonalidades. Poderosa composición.

Una introducción reservada y oscura le sirve a Girouard para presentar uno de los temas más sombríos del Transitions. “Redemption” tiene cierta similitud a las composiciones más reservadas de Philip Wesley, pero con el toque exquisito que Gary sabe procurarle. “Redemption” es intensa a su manera.

“Invictus” comienza con un toque triste, olvidado, algo muy alejado de lo que puede sugerir el título a priori. “Invictus” va tomando forma al paso del tiempo, tornándose lentamente más y más enérgica y positiva. En esta composición se aprecia la originalidad del pianista, ofreciendo un punto de inflexión perfecto entre dos estados de ánimo. Magistral.

Comienza la parte más amable de Transitions. “Cross The Chasm” es más colorida que las piezas anteriores, y aunque sutil, el tema tiene un tenue carácter a jazz que sencillamente, cautiva.

Destacable por su fuerza y belleza es sin lugar a dudas, “Beyond Tomorrow”. Aunque nunca llega al cenit, sí mantiene una admirable tensión que atrapa con fuerza al oyente hasta el final. “Beyond Tomorrow” es de esas composiciones que se aferran con sus notas y se hace imposible olvidar.

Surge con ímpetu la tristeza con “Forbidden Love”, otra de las composiciones apagadas de Transitions. Las manos del pianista fluyen con dificultad por el piano, entonando una melodía muy pesada y doliente.

Regresando a la calidez de las notas aparece “Kairos”. “Kairos”, sin ser estridente, acaricia los sentidos del oyente con su tintineo de notas y su perfecta conjunción de acordes, ofreciendo unos instantes muy delicados, placenteros.

“Serenity” es lo más parecido a una canción de cuna. Seria, pausada y cómplice de los silencios, “Serenity” se deja llevar con el paso del tiempo, brindando unos minutos de relajación y recogimiento muy eficaces, a pesar de contener algunos fragmentos más alegres de lo habitual.

Introvertida y de quebrantadas notas, así se presenta “Transformation”. Al igual que sucediese con “Invictus”, este nuevo tema salta por diferentes estados de ánimo, diferentes matices, lo que mantiene al oyente en un continuo disfrute de sensaciones. La pluralidad emocional es elegante.

Poderosa surge “Nebula”. En la zona más baja del piano se entonan intensos acordes, mientra la diestra realiza una combinación heroica de notas. El conjunto, sin llegar a ser épico, brinda una música intensa, en ocasiones, reservada.

Encantadora, posiblemente la pieza más positiva de Transitions; hablamos de “Nexus”. Este tema, más constante en la zona media-alta del piano, viaja entre dos fases; una primera más delicada y otra memorable, dinámica. Dos grados muy dispares pero que Gary sabe unir con gran maestría.

La composición que da título al álbum conserva ése positivismo y calidez que se esperaba. Transitions es elegante y de cierta sencillez melódica, consiguiendo atrapar al oyente con sus armonías.

Gary Girouard nos tiene preparada alguna que otra sorpresa. Una de ellas comienza con el regalo del tema “Invictus” en formato orquesta. La primera orquestación del pianista corre a cargo de su colega y también pianista Doug Hammer. Esta nueva versión de “Invictus” es formidable, donde lo clásico y lo épico se dan de la mano. Muy similar a las composiciones de Yanni. Sin lugar a dudas, Gary debería plantearse publicar un álbum con estas características. ¡Sorprendente!.

Los dos Bonus Tracks cierran el álbum. El primero de ellos, “Chronos” hace referencia al paso del tiempo. Con un sonido similar al paso del tiempo, las manos interpretan una melodía muy arropadora y con un tempo muy marcado. Nuevamente estamos ante un cambio magistral de sensaciones, Gary nos ofrece diferentes emociones en un mismo formato.

Transitions se cierra con el segundo Bonus Track, “Taken”. “Taken” es lo máximo en delicadeza, en emoción. Gary Girouard presenta una composición que mana con una ternura indescriptible, dejando un final bien cerrado en Transitions, lo que deja al oyente una grata sensación de bienestar.

Transitions es originalidad, maestría y sobretodo, matices. El pianista y compositor Gary Girouard ha publicado uno de los mejores álbumes de su carrera, ofreciendo a sus seguidores un álbum riquísimo en emociones y repleto de melodías interpretadas con una exquisitez inefable. Sin duda, Transitions es uno de los álbumes del año.

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reviewsnewage.com
08/09/17

El pianista norteamericano publicará el próximo 12 de septiembre Ardor, lo más esperado tras Beyond.

Matthew Mayer lanzará su álbum más esperado, Ardor

El pianista Matthew Mayer lanzará Ardor el próximo 12 de septiembre; undécimo álbum que el norteamericano describe como: “El proyecto más cercano a Beyond”, su álbum estrella.

Lo he dado todo en este nuevo trabajo y estoy muy orgulloso de elloEl proyecto más cercano a Beyond

Ardor abarca una combinación de simplicidad, versatilidad y profundidad emocional difícil de describir; agrupadas todas estas emociones en doce cortes, el álbum es una nueva colección de composiciones originales interpretadas con maestría y elegancia frente al piano, algo que Matthew sabe destacar en cada nota, en cada acorde, y que fue sin duda el secreto de su éxito allá por el año 2005 con la aparición de Beyond. Es sin duda, su seña de identidad. Mayer afirma: “Lo he dado todo en este nuevo trabajo y estoy muy orgulloso de ello”.

Tras el lanzamiento de su anterior trabajo, Art, primer trabajo dedicado exclusivamente a las canciones de cuna, Mayer se centró en la composición de su próximo gran éxito y así regresar a las emociones que ya ofrecía en su día el álbum de 2005. Ardor continúa con la fuerza y la riqueza compositiva de sus trabajos anteriores y rescata la saga de tracks denominados “Dreams”, apareciendo la sexta entrega en este nuevo álbum.

Matthew Mayer lanzará su álbum más esperado, Ardor  Ardor, que no verá la luz hasta el próximo 12 de septiembre, ya puede ser reservado en la web oficial del artista, donde se ofrece además una opción para que sus seguidores pueden adquirir el formato físico firmado.

Mayer, que actualmente se encuentra en plena promoción de Ardor, pisará por primera vez suelo Europeo en Otoño de este año, ofreciendo una serie de conciertos en Croacia junto al pianista Matej Mestrovic, compositor del sello clásico Parma Recordings.

Reconocido por componer una de las 50 mejores canciones de piano de todos los tiempos, la música Matthew Mayer ha resonado en todo el mundo. Pionero en el mundo del piano, Mayer es también Propietario y Fundador de SoloPiano.com, un site de renombre internacional y estación de radio con más de 300 pianistas de todo el mundo.

En 2017, Mayer recibió el Silver Medal Outstanding Achievement Award de manos de Global Music Awards, y ha sido un asiduo del Top 20 en el género Instrumental en Charts de Reverbnation, iTunes o Amazon.

Matthew adelanta el nuevo trabajo con el lanzamiento del single Stars on 123.

TSODE, uno de los referentes de la música electrónica new age en España, lanza su segundo disco bajo el título Brainstorming.

TSODE lanza Brainstorming

TSODE, ese es el nombre bajo el que se esconde el compositor Jesús Valenzuela, que en poco tiempo y desde una ciudad como Córdoba, ha conseguido hacerse un hueco en el panorama internacional de música electrónica New Age.

Nacido en Jaen en 1979, con 4 años vino a vivir a la ciudad de los califas. Su música ha estado influenciada por grandes como Mike Oldfield, Vangelis, Jean-Michel Jarre, Schiller o Michael Cretu aunque siempre impregnándola de un toque muy personal que ha hecho de TSODE uno de los artistas new age electrónico más especiales y con un estilo propio e inconfundible.

TSODE lanza Brainstorming  En 2016 lanza al mercado su album debut “Yggdrasil”, recibido con entusiasmo por los amantes de la new age y en el que contaba con hits como “Flying Hawk” con el virtuoso Miguel Angel de la Llave a la guitarra o “Nine Worlds” con el guitarrista y productor Paco Salazar (Raphael, Diana Navarro, Rosana o Rosa Lopez) y con los que recibió las alabanzas de gente como Tom Newman, productor de Tubular Bells.

SEMIFINALISTA en los Premios MIN de la Música Independiente 2017 en la categoría de “Mejor Grabación Electrónica” por su album “Yggdrasil”, ha aparecido en programas de radio como “Fluido Rosa” de Radio 3, y así como numerosos medios internacionales que cubren el género New Age, donde han destacado su último trabajo como uno de los mejores álbumes electrónicos del new age en decadas.

Su nuevo y esperado álbum, Brainstorming, publicado el pasado mes de Junio se encuentra disponible en formato digital y streaming en todas las plataformas (iTunes, Amazon, Spotify).

Brainstorming, grabado a caballo entre los meses de Julio de 2016 y Abril de 2017, se compone de 11 cortes llenos de sensibilidad y belleza. En esta nueva grabación, TSODE ha vuelto a contar con las colaboraciones de artistas como el guitarrista gaditano ENGEL, que repite experiencia en el proyecto, el guitarrista flamenco Isaac Muñoz o el compositor vasco Sergio Zurutuza, alma del ahora desaparecido grupo sinfónico “Tirri Tarra”.

TSODE nos sorprende esta vez con un trabajo más maduro, original e imaginativo en el que, por momentos, roza la excelencia y da un paso de gigante consiguiendo lo que, para muchos, es mas díficil para un autor: superar con creces la calidad de su primera obra.

ERA reaparece con nuevo single y anuncia nuevo álbum.

7 Seconds, el retorno de ERA

Después de 7 años de ausencia, el proyecto de renombre mundial ERA está de vuelta con el lanzamiento de un nuevo single, 7 Seconds. Con la adaptación del éxito de Youssou N’Dour y Neneh Cherry, ERA se apropia la icónica canción junto a su cantante Racha. Juntos, mantienen la dimensión humana del tema original pero proporcionándole una intensa emoción con las místicas resonancias de ERA.

7 Seconds es una canción emblemática sobre el racismo y la intolerancia. Quería mantener esta misma dimensión humana en una adaptación muy personal. – Éric Lévi.

Con el Lanzamiento del nuevo single, ERA comienza a tener presencia en las redes sociales y con esto, un texto escueto texto en la cuenta oficial del artista en Instagram: “Album coming soon“, por lo que un nuevo LP está a la vuelta de la esquina. Por el momento, su compañía Universal Music France y el propio artista nos invitan a disfrutar de éste nuevo single.

Album coming soon… #EraIsBack

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La música tiene el poder de transportar al oyente a otra dimensión, aunque es improbable que tal energía sea lanzada con tan fuerza como lo hacen los álbumes de ERA. Un lenguaje imaginario llevado por una música fascinante e intemporal permitió a Éric Lévi crear una obra fascinante que tocó el corazón y el alma de millones de personas en todo el mundo. De hecho, los primeros seis álbumes, ERA, ERA 2, The Mass, Reborn, ERA Classics y ERA Classics 2 obtuvieron múltiples premios de platino en más de 18 países.

Por regla general, trato de no seguir los marcos musicales impuestos por los tiempos y las culturas, siempre estoy en busca de fuertes emociones a través del proceso de la composición musical, es como si escribiese la banda sonora de una gran película épica que no ha sido concebida aún“, dice Éric Lévi.

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Reviews New Age estrena su cuenta oficial en Spotify con interesantes playlists.

Reviews New Age, el medio oficial de música New Age en Spotify

Reviews New Age está de enhorabuena. Desde hace unos días, Reviews New Age cuenta con perfil oficial y verificado como medio en Spotify. Con el objetivo de seguir dando voz al género New Age y de descubrir a nuevos artistas, el nuevo canal de RNA en Spotify servirá no sólo para descubrir novedades. Interesantes playlists esperan a los seguidores como “Intensive Study“, “Top New Age“o la sección “The Artist” donde se descubre lo mejor de un artista.

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Michael Hoppé sorprende con uno de los diseños y presentaciones más bellas para el formato vinilo de uno de sus mejores trabajos.

Edición SuperDeluxe  y limitada de Solace, el gran éxito de Michael Hoppé

Fotógrafo: Rebecca Hoppé / Diseñador: Richie Wang

Michael Hoppé, uno de los pianistas y compositores más exquisitos y venerados del clásico moderno, sorprende a sus seguidores con el lanzamiento de una Edición Super Deluxe y limitada del álbum que le valió la nominación al GRAMMY en 2003 y se encuentra entre Los 50 Mejores Álbumes New Age de todos los Tiempos.

Solace se reinventa por primera vez en vinilo y en un formato único gracias a Richie Wang, diseñador de la compañía taiwanesa Serenity International Corporation. Serenity International Corporation (Serenity Records) se especializa en el formato vinilo, creando boxes con presentaciones únicas y brillantes, exquisitas, algo que llamó la atención de Hoppé y que casa perfectamente con la música del afamado compositor.

Con una tirada limitada de 500 copias (numeradas), la primera edición de este Box de Super Lujo sólo estará disponible para la República de China por petición única del compositor, aunque dejando una puerta abierta a la esperanza para todos los seguidores de Hoppé, ya que una segunda edición podría estar disponible a nivel mundial.

El box, ya disponible en la Facebook Fan Page del sello discográfico (web oficial de la compañía en construcción), sale a la venta con un precio de 2380 TWD ($79) y en su lujosa presentación encontramos:

  • Una caja de lujo realizada de cuero artificial, Anti-suciedad y huella dactilar.
  • Outer Sleeve: Papel de 600 libras con CMYK + Pantone en color metálico, protección transparente mate, logotipo, impresión arenosa especial en la parte posterior.
  • Inner Sleeve: papel de 300 libras con pantone de 2 colores, protección transparente mate.
  • Vinilo transparente de 180gr PURE White Jade por Optimal Media GmbH.

Michael Hoppé es un compositor, productor del Reino Unido residente en los Estados Unidos. Durante muchos años, fue director de A&R para el sello discográfico PolyGram. Descubriendo a artistas como Vangelis (quie trabajaría posteriormente en Solace), Jean Michel Jarre y Kitaro para el sello, además de ABBA y The Who. En 1984 abandonó el negocio de la música para componer y trabajó como consultor de música en Los Ángeles. Su discografía contiene casi 30 álbumes en la categoría “New Age” o “Clásica”. Su música ha sido presentada en el cine y la televisión como The Sopranos, The Oprah Winfrey Show, entre muchos otros.

Richie Wang de Serenity Records nos avanza en exclusiva que el próximo mes de Mayo se lanzará el Box Super Deluxe del álbum Romances for Solo Piano (2007), otro de los grandes trabajos de Hoppé. Otra Super Edición Must Have!.

Test de sonido antes de la fabricación:

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Michael Logozar - Shine

Shine
Michael Logozar
2015
43.1 minutos

Como primaveral, alegre y radiante se podría definir Shine, el nuevo trabajo del americano Michael Logozar. Compuesto por doce obras para solo piano, Shine se presenta en un sencillo digipack, sin booklet, pero con un arte muy llamativo y colorido; muy apropiado para la música que encontraremos en su interior.

“Shine” abre el álbum. Aunque hay contadas piezas tan resplandecientes como “Shine”, sí es cierto que las que hay son bellísimas. “Shine” es una introducción positiva y rítmica, seguida de una depurada técnica. Sin lugar a dudas, un comienzo prometedor.

La composición sincera, entrañable e íntima de Shine lleva como título “The Color of Love”. Nuevamente, una melodía pegadiza, pero esta vez con un perfil más emotivo, sentimental. El comienzo no podría ser mejor.

Las composiciones son trabajadas en Shine, Logozar compone melodías sencillas y pegadizas, pero cada una con un carácter propio; cada una requiere una técnica diferente, pero siempre hermosas. “A Light is Born” es emocionante, difícil no estremecerse con sus notas altas y la acertada melodía. ¡Magnífica!.

“Shimmer” nos devuelve a un tempo más acelerado, pero sin prescindir de una música amable y difícil de olvidar. “Shimmer” consigue sacar del oyente los recuerdos más especiales, aquellos que incluso tienen aromas.

Situada más cerca de la nostalgia se presenta “Before the Dawn”. Triste y abrumador en sus acordes, la música fluye con dificultad, con gran pesar… Pero continuando con una música poderosa, capaz de retenerse en la mente.

El susurro hecho música. “Returning”, con un levísimo toque esperanzador, hace aparición jugando con los silencios, acariciando las notas… Logozar crea algo tan simple y a la vez tan admirable que se hace difícil no escuchar con atención cada nota, cada acorde. ¡Único!.

La pieza más especial del álbum. No sé si por su perfecta conjunción de notas, por el derroche de energía y emociones que desprende, pero el caso es que es especial. Cercana las composiciones de Einaudi, Logozar da vida a una pieza especial, con una melodía muy llamativa y con un toque de romanticismo muy peculiar. “First Dance” es el mejor de los bailes, emocionante.

Con tono agridulce nace “Reminiscence”, donde se combinan oscuros fragmentos con notas tranquilizadoras y nuevamente, pegadizas. “Reminiscence” es la banda sonora de la melancolía.

Interpretada en la zona más alta del piano, “Devotion” es una sensible y tierna canción de cuna donde nuevamente el pianista juega con los silencios. “Devotion” invita a soñar, a sonreír, a vivir…

Introspectiva a más no poder, así es “Reverie”. Acordes repetitivos y suaves que crecen y decrecen como si de una onda se tratase… Una delicia, un suspiro.

Michael, en los últimos tracks nos desvela su lado más personal, más íntimo; así ocurre con “Clearing Skies”, que tras un título aparentemente alegre, se descubre una música enternecedora y amable, más bien espiritual, elevadora.

Shine concluye con “Springtime”. Dulce y juguetona melodía caracteriza a “Springtime”, donde Logozar se recrea en la zona alta del piano mientras su izquierda marca el tempo para una música capaz de dibujar una sonrisa en el oyente.

Composiciones con llamativas melodías visten de color a Shine, el último trabajo de Michael Logozar. Shine es muy original en cuanto a composición; el pianista ha ido en busca de la mágica melodía en cada una de las obras que lo componen, consiguiendo un álbum muy atractivo al oído. Shine es un trabajo muy altamente recomendable..

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25/04/17

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Steven Cravis - Cloudwalker

Cloudwalker
Steven Cravis
2016
65 minutos

Han pasado años hasta que hemos recibido un álbum del propio Steven Cravis, uno de los compositores y pianistas más respetados de la New Age en Estados Unidos. Su último trabajo, Cloudwalker, es un trabajo que se compone de nada menos que de diecisiete cortes que gozan de caracteres muy diferenciados, pero que a su vez comparten emociones; unas veces  radiantes y en otras ocasiones, sensaciones más emotivas. Cloudwalker es un largo paseo que invita a evadirse, a soñar… ¡A vivir!.

No se podía presentar de otra forma que con el track que da título al álbum. “Cloudwalker” es alegre, jubilosa, pero conservando un interesante  toque de ternura. Las manos de Cravis recorren el piano con sumo cuidado, pero manteniendo un tempo seductor.

Con más prudencia surge “Stairway to Spirits”, posiblemente la pieza con la melodía más atractiva de todo el CD a pesar de su apagada composición. La mano izquierda marca el compás a una diestra que interpreta unas llamativas notas.

“Poppy” es jguetona, entrañable. A golpe de un tempo muy marcado, Cravis compone una música que nace en zona más alta del piano con una calidez sobrenatural. Una música inofensiva repleta de dulzura.

Volviendo al lado más reservado del pianista, se presenta “Between Ages”. La melodía principal se repite hasta la saciedad, surgiendo fugazmente algunas variaciones o fragmentos que rompen durante unos segundos la quietud creada por las notas repetidas.

Íntima y minimalista, así es “5 am”. Como un susurro, las notas con pesadez se van abriendo paso mientras el silencio abre huecos en ellas… “5 am” pide a gritos una escucha con los cinco sentidos.

Conservando prácticamente el estilo del track anterior, se presenta “Keep Trying”. De nuevo, la composición parece apesadumbrada, de fluir lento, pero con ciertos segundos de querer brotar con energía. Una delicia.

Llega la alegría de nuevo. “Pavla’s Boy” es un soplo de aire fresco, de luz. Son de esas composiciones que visten de primavera el momento. La melodía es hermosa e irradia optimismo a raudales.

Repetitiva pero pegadiza en melodía, así es “Landing”. De principio a fin, las notas principales se repiten, pero en absoluto se hacen pesadas, la composición es atractiva.

Extremadamente tranquila y levemente oscura. “Resolve” es un manso de paz que invita a cerrar los ojos y a descansar, pero sin quitar oídos a sus notas. “Resolve” está interpretada con mimo, con un sutil toque y donde nuevamente los silencios son parte de la partitura.

Pasión, extremo cuidado y sobre todo, romanticismo. “Opening, A Rose Revealed” ofrece el toque romántico a Cloudwalker; una música que podría ser la base a una bella canción…

Otra de las melodías a destacar en Cloudwalker es “Starting Over”. Aunque grave y carente de un tempo alegre, sí es cierto que sus notas respiran una magnífica belleza. “Starting Over” es realmente seductora, hipnótica en algunas ocasiones.

Versiones a piano hay incontables. Steven Cravis hace lo propio con “Somewhere Over The Rainbow”. Una conocida entre tantas composiciones originales.

Con toque a jazz, triste, nace “Summer City Night”. Una pieza que va tornándose más amable con el paso de las notas y acordes. El toque jazzístico de Cravis es un deleite, atractivo para ser observado mientras toca el piano.

Intensidad reprimida en “Think it Over”. El pianista golpea con contención los acordes del piano, como queriendo romper la calma, pero nada más lejos. Steven juega con los acordes para establecer un momento de tranquilidad bajo unas melodías sencillas y hermosas.

Versión que Steven Cravis realiza del “Children’s Crusade” de Sting es sensacional. Es la melodía más pegadiza de todo el álbum, quizás por ser la más conocida, pero sí es cierto que Steven sabe darle un toque fantástico a la composición original.

Sobrecogedora y bellísima. A pesar de su sencillez, es tal la pasión y las sensaciones que transmite “Petals Falling Onto Water” que es posiblemente la mejor pieza de todo el álbum. La conjunción de silencios y acordes es única y la melodía principal efímera y acertada. ¡Fantástica!.

Cloudwalker se clausura con una canción de cuna. “Lullaby” es entrañable, enternecedora. Interpretada con el corazón, Cravis acaricia las notas del piano para ofrecerle el toque justo de tensión y cariño. Un final cerrado para un gran álbum.

Cloudwalker es el álbum perfecto para desconectar, para disfrutar de un piano sin interrupciones. Steven Cravis ha creado la música perfecta para dar más color a un día soleado, primaveral gracias a diecisiete composiciones de carácter amable y optimista. Cloudwalker es un álbum recomendable.

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17/04/17

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Samer Fanek - Wishful thinking

Wishful Thinking
Samer Fanek
2016
46.3 minutos

Wishful Thinking es la presentación del pianista y compositor polaco-jordano Samer Fanek, un debut majestuoso donde el piano y la orquestación juegan a unos niveles altísimos y cuentan con una producción exquisita a manos del ingeniero Alex Sterling. Similar a una de sus grandes influencias, Yanni, el pianista presenta el álbum con trece composiciones contundentes donde las cuerdas representan el ímpetu y el piano la armonía y la sensibilidad.

“Wishful Thinking” abre el CD. Con un comienzo melódico y delicado, el piano va in crescendo, dejando paso a sintetizadores y cuerdas que van tomando el relevo hasta conseguir un clímax romántico y prodigioso. Si el tema principal marca el carácter general de este debut, las sensaciones serán estupendas.

Con algo de más serenidad y madurez se presenta “Universe”. Synth pads y baterías cargan a la composición de una notable fuerza que se ve incrementada por el surgir del sonido de la guitarra eléctrica. ¡Brutal!.

“Freefall”, como las dos anteriores, posee un comienzo profundo, relajado, hasta que va haciendo aparición la orquesta. Es entonces cuando suponemos qué nos vamos a encontrar… La música se transforma nuevamente, pasando de un estado de quietud a otro totalmente esplendoroso. En “Freefall” es facilísimo descubrir a Yanni. La producción es calcada.

Con magia se presenta “Un Cuento de Hadas (Fairytale)” una pieza que recuerda con mucha fuerza a “Felitsa”, uno de los éxitos de Yanni. “Fairytale” cuenta con una producción extraordinaria.

Nuevamente la grandiosidad acompaña a un piano melancólico, oscuro. Siempre la introducción la realiza el piano, esperando que la orquesta sea quien tome el relevo para dejar al oyente sin aliento. En este caso  no es diferente; “Lost Waltz” al compás de un romántico y oscuro baile se va abriendo paso el piano, mientras la orquesta va tomando terreno.

“Ready to Go” es alegre, con un comienzo totalmente diferente a todo lo escuchado con anterioridad. En esta ocasión el piano toma las riendas y nos regala una melodía alegre que sigue con fuerza la orquesta. “Ready to Go” es pura vitamina, fuerza y energía.

Como un lamento surge “Left Behind”. Los violines y el resto de la orquesta magnifican el dolor que en un principio mostraba el piano en un in crescendo sobrecogedor. Volvemos a disfrutar de una producción calcada al músico griego.

Realmente es interesante el piano de Fanek, de hecho, debería dar mucho más protagonimo a su piano que a la superproducción orquestada. “Fantasy” es un gran ejemplo, posee un piano introductorio exquisito, pero se va enmudeciendo con la aparición de la orquesta. No obstante, es un grandísimo tema.

Es posiblemente la composición más íntima del álbum, aunque conservando el estilo habitual del mismo. “Desperation” es posee menos orquestación que el resto de tracks pero son suficientes para ofrecer al tema una profundidad y una pasión inefables.

En “Escape”, de alguna manera, suena muy artificial los instrumentos. Se aprecian que la mayoría de ellos son sintetizados. A pesar de ello, una gran producción.

“Remember Me” es nostalgia pura, un toque de melancolía pero sin un ápice de tristeza. La orquesta y las notas altas del piano nos regalan coloridos recuerdos, breves, pero intensos. Magistral.

Regresando al poderío y a la tensión surge “Exhibition”. Un pieza que irradia energía y luz, pero con una melodía muy repetitiva en casi cuatro minutos.

Wishful Thinking finaliza con “Finding Closure”. Esta composición, grandiosa como el resto, deja un final muy cerrado a un álbum que tiene como objetivo sorprender gracias a una producción brutal.

En cuanto a la producción, la influencia de Yanni es más que notable, de hecho en exceso. Con menos tracks y unas melodías más elaboradas, estaríamos hablando de uno de los mejores álbumes del año, sin lugar a dudas. Samer Fanek, pese a su juventud, ha creado el debut del año. Wishful Thinking es grande, en ocasiones, poderoso.

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16/04/17

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Todd Mosby - On Eagle Mountain

On Eagle Mountain
Todd Mosby
2016
45.3 minutos

Calma continua, sin interrupciones ni pausas y moviéndose en la confortable y plácida disciplinadel yoga. On Eagle Mountain es el álbum debut del guitarrista de Misuri, Todd Mosby, innovador guitarrista y compositor en los géneros New Age, Jazz y World Music, y que por primera vez se pone en manos del ganador del Grammy, Will Ackerman, para dar vida a este primer trabajo.

El álbum se presenta con “Spirit Of The Mountain”. Mosby acude al profundo sonido de la guitarra Imrat, un instrumento híbrido de 20 cuerdas formado por una guitarra acústica y un sitar. El tema es una presentación muy calmada, revelando el que será el perfil general del álbum.

Con menos de dos minutos aparece “Soaring”. Sintetizadores que suspiran se unen al viento plácido de Premik Russell y a las cuerdas de Mosby. El tema al completo es la voz del viento, el susurro de la brisa a través de las montañas.

“Soaring” es el preludio de “Eagle Mountain”, donde se mantiene la misma producción de la breve composición anterior, pero haciendo fuerza (sin excesos) en la guitarra. Candente tempo, sutil y muy marcado, donde la guitarra es una auténtica seductora.

“Falling Light” realiza un ligero cambio, se sale de la tangente para ofrecer al oyente más ritmo y una producción más compleja. Uniendo a Noah Wilding (voz), Premik Russell (ewi), Charlie Bisharat (violin) y a Jeff Haynes (percusión), el guitarrista da vida a un tema realmente movido, portador de buenas sensaciones y energías.

Guiño a su tierra natal. “Colorado, Missouri” es entrañable, prácticamente un solo de guitarra por Todd, con algunos bellos guiños de vientos de Jill Haley. “Colorado, Missouri” es pacífica, perfecta.

De vuelta al ritmo surge “Jack’s Fork”, donde de nuevo se juntan todos los músicos para ofrecernos una música rítmica y sugerente, donde la guitarra es la encargada de marcar el tempo, mientras el resto de instrumentos florecen para brindar atrayentes y dulces melodías.

Con más pasión que la pista anterior nace “Spirit Dancer”, composición que saca lo mejor del Imrat, del saxo y del chelo a golpe de percusión. Wilding mientras tanto, endulza con su profunda voz al mismo tiempo que Todd Mosby, Premik y Friesen se regodean entre acordes y notas alternativamente. ¡Magistral!.

Más íntima, personal, y aunque sólo aparezca la guitarra como instrumento, el guitarrista sabe dar el toque de pasión necesario para captar toda la atención del oyente. “Ode to Joe” es un solo de guitarra magnífico, pieza que invita a la evasión. Preciosa composición.

Como un susurro o una canción de cuna, pero incluyendo una suave percusión, aparece “Moon Song”. Bajo y oz deberían ser los auténticos protagonistas, pero Mosby acude a su guitarra y al violín para ofrecer un toque más cálido a un tema que merece ser más apacible.

Continuando con la tranquilidad de la noche surge “Mountain Lullaby”, donde esta vez sí se mantiene al oyente en un estado de auténtica paz. Para “Mountain Lullaby”, el guitarrista sólo se sirve de sus acordes rasgados y el recóndito e hipnótico sonido del chelo. ¡Bellísimo!.

Para dar fin a On Eagle Mountain, Todd Mosby presenta “Star Song”, la pieza que cierra el trío de temas indicados para el descanso. Aunque se vuelve a acudir al sonido de la percusión, es cierto que no rompe en absoluto con su fin; alcanzar la paz.

On Eagle Mountain es una muestra de calidad instrumental asombrosa. El primer álbum de Todd Mosby combina una exquisita producción con un carácter lineal perfecto, lo que lo hace un álbum interesante para su escucha con atención, desgranando cada melodía, cada instrumento. Sin duda, estamos ante un gran trabajo.

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03/04/17

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El pianista italiano se posiciona como el segundo compositor más escuchado en España.

Ludovico Einaudi se revela como una de las referencias fundamentales en música clásica en España

Aparentemente hoy en día la música clásica, sus autores, compositores y artistas permanecen ocultos en las listas de éxitos y ya poco se habla de las últimas novedades en este género (salvo que acudas a espacios muy especializados). Sin embargo, los datos de Spotify sobre consumo de música clásica en España demuestran dos cosas: la música clásica goza de buena salud en nuestro país y que los españoles están fascinados por Ludovico Einaudi.

Y es que, si se comparan las cifras de escuchas de música clásica en todo el mundo con las españolas, se ve cómo los españoles consumen de media un 30,84% más de música clásica que el resto del mundo.

Por otro lado, Ludovico Einaudi se revela como una de las referencias fundamentales en música clásica para los españoles. Solo así se explica su presencia en todas las listas que ofrece Spotify, colocándose como el segundo compositor más escuchado en España (superado únicamente por Bach) y como el intérprete de música clásica favorito de los españoles.

Por si esto fuera poco, el compositor y pianista italiano también ha logrado posicionar 5 de sus composiciones más famosas en el top 10 de canciones de música clásica en España, ocupando cuatro de ellos las cuatro primeras posiciones de la lista.

Eso sí, entre los perfiles más recurrentes de los oyentes de música clásica españoles no encontramos a los menores de 35 años de ningún género, demostrando así que todavía queda mucho trabajo por hacer para acercar este tipo de música a los más jóvenes.

A día de hoy, los españoles son de los que más música clásica escuchan en Spotify y, aunque no ocupe puestos en las listas de éxitos y algunos artistas como Chad Lawson o James Rhodes consigan que algunas de sus piezas nos suenen un poco más, el clásico será un género que siempre estará bien representado en la historia musical. Puedes escuchar más música clásica en la sección “Explorar” sobre música clásica.

Top 10 de compositores de música clásica en España:
1.    Johann Sebastian Bach
2.    Ludovico Einaudi
3.    Wolfgang Amadeus Mozart
4.    Frédéric Chopin
5.    Ludwig van Beethoven
6.    Antonio Vivaldi
7.    Max Richter
8.    Giacomo Puccini
9.    Philip Glass
10.  Giuseppe Verdi

Top 10 de intérpretes de música clásica en España:
1.    Ludovico Einaudi
2.    Max Richter
3.    Dustin O’Halloran
4.    Ólafur Arnalds
5.    Nils Frahm
6.    Luciano Pavarotti
7.    Berliner Philharmoniker
8.    Wiener Philharmoniker
9.    Goldmund
10.  Herbert von Karajan

Top 10 de canciones de música clásica más escuchadas:
1.    Ludovico Einaudi – Nuvole Bianche
2.    Ludovico Einaudi – Una Matti
3.    Ludovico Einaudi – Elegy For The Arctic
4.    Ludovico Einaudi – Divenire
5.    Max Richter – Departure (Home)
6.    Nils Frahm – Because This Must Be
7.    Nils Frahm – Ambre
8.    Samuel Barber – Adagio for Strings, Op. 11
9.    Michael Nyman – The Heart Asks Pleasure First/The Promise – Edit
10.  Ludovico Einaudi – Night

Top 5 de perfiles de oyentes españoles de música clásica:
1.    Varón de entre 45 – 54 años
2.    Mujer de entre 35 – 44 años
3.    Mujer de entre 45 – 54 años
4.    Varón de entre 35 – 44 años
5.    Varón de más de 55 años

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El intérprete y compositor francés actuará en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio ante 6.000 personas.

Jean-Michel Jarre ofrecerá un concierto en el exterior del Monasterio de Santo Toribio de Liébana en 2017

Edición: Reviews New Age

Las entradas para ver a Jean-Michel Jarre en el concierto inaugural del Año Jubilar Lebaniego salen a la venta este lunes, 20 de marzo, a partir de las 10 de la mañana.

Los canales de venta oficiales son la web del evento www.jarreinliebana.com y la Red Ticketmaster (www.ticketmaster.com), que incluye Carrefour Viajes, Fnac, Halcón Viajes y el teléfono de pago 902 150 025.

Además, a partir del martes, 21 de marzo, entrará en servicio el ‘Punto de venta físico de entrada reservadas exclusivas’ del Centro de Estudios Lebaniego, en Potes. Allí se pondrán a disposición de las personas interesadas 750 localidades. El horario de atención al público será de 10 a 14 y de 16 a 18 horas.

Seis mil personas podrán seguir en vivo el espectáculo ‘The Connection Concert’ que se celebrará el 29 de abril en los exteriores del Monasterio de Santo Toribio de Liébana, en Potes. La actuación, que será retransmitida en directo vía streaming a todo el mundo, forma parte de las actividades programadas por el Gobierno de Cantabria para conmemorar el Año Santo.

El ‘padre de la música electrónica’ integrará su música con el Monasterio en un espectáculo de luz y sonido con el que quiere marcar “un hito” en la historia de este lugar santo. No ha adelantado muchos detalles sobre la música que interpretará, pero sí ha asegurado que “habrá sorpresas” y contenido específico creado para esa actuación.

Se recomienda comprar entradas solo en los canales de venta oficial para evitar así posible falsificaciones o problemas de acceso al concierto.

TODA LA INFORMACIÓN

La web oficial www.jarreinliebana.com incluye toda la información relacionada con el concierto, la compra de entradas, el servicio de autobuses y lanzaderas que funcionará el día del concierto, así como otras recomendaciones importantes relacionadas con el espectáculo.

Otro canal de promoción e información son los perfiles sociales del evento en Facebook y Twitter (@jarreinliebana). Además, está activo un servicio de información a través de correo electrónico para quienes faciliten sus datos en la página oficial, de cara a comunicar cualquier novedad sobre el evento.

Por otro lado, se instalará en Potes un ‘Punto de Información al Peregrino y Taquilla’ para facilitar toda la información necesaria relacionada con el espectáculo, compra de entradas, servicios especiales, así como las restricciones de acceso al Monasterio de Santo Toribio.

‘THE CONNECTION CONCERT’

El espectáculo de Jean-Michel Jarre, que comenzará a las 21:30 horas, se celebrará la semana siguiente a la apertura, el 23 de abril, de la Puerta del Perdón del Monasterio, símbolo que marca el inicio de la celebración del Año Jubilar, que se prolongará hasta el 22 abril de 2018.

“Santo Toribio es especial para los cántabros, para los europeos y para todos los ciudadanos del mundo. Es un lugar espiritual, al nivel de Santiago, Roma o Jerusalén. Es Historia y, como tal, nos pertenece a nosotros, a nuestra cultura y debemos promocionar este lugar para el mundo y para la generaciones venideras, especialmente en un momento como éste en el que vivimos ante tantos retos políticos. Es un importante legado”, ha asegurado Jarre.

Jean-Michel Jarre reconoce que es “un honor” como artista, como francés, como europeo y como embajador de la Unesco protagonizar un concierto en este lugar santo de la Cristiandad, y formar parte de su historia.

‘The Connection Concert’ se iniciará con un juego de luz y color proyectado sobre el templo lebaniego antes del concierto, y tras el concierto, seguirá habiendo retazos musicales y visuales. Una metáfora de que “Santo Toribio estaba ahí antes y seguirá estando después”, tal y como ha señalado el artista galo.

Fuente: Europapress

Dream Cycle, la expresión artística de un hombre que quiere contribuir a la gente dándoles un nuevo acceso al descanso y al sueño.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle

El dos veces ganador del Premio Emmy® y reconocido compositor y arreglista Michael Whalen presenta su nuevo trabajo, Dream Cycle, un viaje al mundo del bienestar usando sus propias experiencias con el aprendizaje sobre el sueño y la pérdida de peso.

Michael Whalen materializa su visión del descanso con Dream Cycle  Meses de creación de casi un millar de sonidos, texturas, bucles electrónicos y muestreos salidos de una gran variedad de fuentes e instrumentos, Whalen afirma: “Mucha de la música del álbum es muy melódica, así que quería enfocarme en crear entornos sonoros alrededor de esas melodías“, dice. “Es un proceso muy diferente a componer melodías; La creación de sonidos como estos es como saltar en un recipiente de pintura y salpicar alrededor para ver qué surge. Pero yo no trataba de crear simples“, añade. “En la creación de los mismos me preguntaba, ¿es emocional?, ¿Es hermoso?. Me inspiraron los sonidos tradicionales que la gente ha asociado con el sueño durante siglos: cajas de música y percusión metálica (campanas)“.

Trabajando en su estudio en Brooklyn con diversos sintetizadores antiguos y equipos de última generación, Whalen moldeó sus sonidos y conceptos para Dream Cycle. “Mi estudio es un pequeño espacio eficiente. Usando mi colección de instrumentos, puedo hacer más y mucho más rápido que en los años 90 cuando tuve 40 sintetizadores (incluyendo un Fairlight CMI y un Synclavier System)“.

Whalen decidió incluir pistas vocales en Dream Cycle, aunque tenían que ser voces muy particulares. Buscando en Google encontró a la cantante Amy Robbins-Wilson. “Amy vive en Maine, donde se especializa en cantar canciones de cuna a capella“, dice Whalen. “La llamé y ella entró en un estudio para grabar “Hush (Hush, Little Baby)”. Cuando me envió la grabación, construí toda la pista alrededor de su voz, lo cual es absolutamente hermoso. ¡No podría haber ido mejor, aunque todavía no nos conocemos!“.

Otros invitados incluyen a la célebre artista celta Liz Madden en un tratamiento hipnótico de “Little Star (Twinkle)”, con tintes electrónicos y sprinkles. Kathy Fisher, de Los Ángeles, hizo una re-imaginación vocal del éxito de los años 80 “Sweet Dreams”. Y The New Tarot, un nuevo y maravilloso dúo de Brooklyn, que realiza una excepcional versión de “Dream” de The Cranberries.

Escuchar el CD Dream Cycle de Michael Whalen es una excelente manera de crear el estado de ánimo para evadirse y relajarse antes de dormir.

El noveno álbum de la “Primera Dama de la Música Celta” disponible el 24 de Febrero. Su primer álbum en solitario en 10 años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan

Moya Brennan, reconocida como la cantante principal de Clannad y a menudo llamada la ‘Primera Dama de la Música Celta‘, publicará el próximo 24 de Febrero CANVAS. En los últimos años, Moya Brennan ha pasado mucho tiempo con el resurgimiento de su banda familiar, Clannad y también trabajando estrechamente con el virtuoso del arpa, Cormac De Barra, en su colaboración de Voices & Harps.

Después de haber dicho adiós a su padre Leo que falleció el pasado mes de junio y después de haber soportado la trágica muerte de su compañero en Clannad (y tío) Padraig Duggan en agosto, la cantante está dispuesta a dejar la tristeza atrás y regresar con un renovado espíritu y entusiasmo publicando el que será su primer trabajo en solitario tras diez años.

CANVAS, el nuevo trabajo de Moya Brennan  CANVAS, el noveno trabajo de Moya Brennan, marca un regreso a su estilo celta contemporáneo, combinando su sello distintivo, armonías vocales atmosféricas con nuevos ritmos e instrumentación. Pero lo que hará que este nuevo álbum sea tan diferente es que, por primera vez, Moya está trabajando en el estudio con su familia. Su hija Aisling como ingeniero de sonido, productora y cantante-compositora, y su hijo Paul, que ha aplicado sus habilidades electrónicas a CANVAS con un resultado emocionante.

El título del álbum proviene del redescubrimiento de Moya por su amor a la pintura (La propia cantante pintó el diseño del CD). Moya presentará el álbum en la primavera de 2017 (Alemania, Holanda, Polonia, Reino Unido).

Ganadora del Grammy, Moya Brennan ha pisado la mayoría de los Grandes escenarios del mundo y ha colaborado con incontables y grandes artistas, incluyendo a Bono, The Chieftains, Bruce Hornsby y Robert Plant. Entre sus créditos cinematográficos está su colaboración (y co-escritura del tema principal) con Hans Zimmer en El Rey Arturo.

Track Listing:

River of Songs
A Portrait of my Life
Nuair a Bhí Óg
Going Home
Children of War (Disponible ya en iTunes)
Where We Once Met
Do’n Pháiste Óg
You Never Know
The Duel
Where You Belong
Banríon

CANVAS, publicado por BEO Records (sello de la familia Brennan) y distribución por A-Train Entertainment, ya puede ser reservado en iTunes y Amazon.

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